GABRIELE VIA legge EUGENIO MONTALE

Venerdì 20 aprile 2012 alle ore 21.30 il poeta Gabriele Via legge e recita Eugenio Montale al Teatro San Salvatore, Via Volto Santo 1 a Bologna.
La rassegna giunta al suo terzo appuntamento è dedicata ai grandi poeti italiani del Novecento.

Questo terzo appuntamento della rassegna è dedicato a Eugenio Montale, poeta che più di ogni altro ha rappresentato la coscienza critica di una difficile epoca di transito nel cuore del secolo scorso.
Tramite i versi scelti e proposti, Gabriele Via presenterà il suo Montale, raccontando come la lingua del poeta, per motivi generazionali e di percorso esistenziale, operi continuamente, in forma più o meno mimetica, entro il movimento del proprio pensiero. Sarà quindi un tributo, una confessione e un dono. Sarà col cuore, come sempre, dice Via.

Sarà un evento autentico all’interno di una piccola perla cinquecentesca, forse poco conosciuta, ma che respira arte e poesia e, come un tempo, incanta. Il Teatro San Salvatore risalente al 1520 e con appena cento posti a sedere, mantiene ancora gli affreschi del Bagnacavallo, il soffitto a cassettoni ed un pesante sipario rosso tipicamente bolognese.

I primi due appuntamenti della rassegna, il primo a novembre e il successivo nel mese di gennaio, sono stati dedicati a Pier Paolo Pasolini e Dino Campana.



Info Utili:


• Evento: Gabriele Via legge Eugenio Montale – terzo appuntamento della rassegna dedicata ai grandi poeti italiani del Novecento

• Autore: Gabriele Via

• Regia: Gabriele Via – Eugenio Maria Bortolini

• Cast: Gabriele Via

• In collaborazione con: Associazione Culturale “Icaro Like Us”
Via Olindo Guerrini 22 b, Bologna
e-mail: info@like-us.eu


• Data: Venerdì 20 aprile 2012 alle ore 21.30

• Sede: Teatro San Salvatore – Via Volto Santo, 1 a Bologna
e-mail: teatrosansalvatore@libero.it
sito: www.enigmadellatela.it

• Ingresso: 13 euro

• Info e prenotazioni: +39 334 3440177

• Agenzia di Comunicazione:

Culturalia - Bologna, Vicolo Bolognetti 11
Tel. 051 6569105 fax 051 29 14955,
info@culturaliart.com www.culturaliart.com

PERCORSI DI IDENTITA: Alessandro Calizza, Claudio Di Carlo, Giusy Lauriola, Nicola Mette

COMUNICATO STAMPA

PERCORSI DI IDENTITA': Alessandro Calizza, Claudio Di Carlo, Giusy Lauriola, Nicola Mette

Giovedì 19 aprile ore 20.30 – wine-bar Camponeschi

Presentazione di Takeawaygallery

Giovedì 19 aprile si rinnovano gli appuntamenti dell'Electronicartcafè_Aperitivo d'arte a cura di Achille Bonito Oliva ed Umberto Scrocca in collaborazione con Takeawaygallery, presso il wine-bar Camponeschi di Roma. Invitati ad esporre quattro artisti della galleria: Alessandro Calizza, Claudio Di Carlo, Giusy Lauriola e Nicola Mette; una ricognizione trasversale che mette a confronto due generazioni di artefici, vicini tanto nella figurazione neopop quanto nelle tematiche affrontate, che, pur sperimentando i linguaggi della performance, dell'avanguardia teatrale e musicale e del video, privilegiano la pittura come mezzo d'espressione.

Nella mostra viene presentata una riflessione sul concetto ed il significato di identità, spesso approfondita nei loro quadri. Partendo dall'analisi del contesto politico e sociale in cui siamo immersi, caratterizzato da una crescente fluidità, mobilità ed indeterminatezza, gli artisti indagano problematiche ed urgenze scaturite da confini identitari costantemente più labili e confusi, dalla continua mancanza di punti di riferimento comunitari e dalla progressiva omogeneizzazione culturale, rinnovando, fronteggiando o esorcizzando incertezze, inquietudini, ma anche tutte le opportunità originate da questa realtà sempre più sfuggente e mutevole.

Tematiche rese attraverso un linguaggio figurativo colorato ed accattivante, dove fascino, erotismo e bellezza superficiali divengono veicolo di messaggi pungenti e radicali, quasi un dolce-amaro che irrita e seduce. La tecnica pittorica precisa ed avvolgente, le atmosfere stranianti e sospese, i riferimenti iconografici che spaziano dai fumetti, al cinema, alla pubblicità, "saccheggiando" tutta la cultura di massa e popolare da cui siamo sempre stati avvolti, cercano di dar senso all'assurdità ed incoerenza che ci circondano.

Le tre opere di Alessandro Calizza, quasi un ideale trittico, prevedono una doppia analisi, interrogandosi sulla genesi di identità soggettiva ed oggettiva e sul funzionamento dei meccanismi di riconoscimento, mettendo in scena un confronto-incontro tanto con il proprio "gruppo di appartenenza" ("Who am I?") che con l'altro da sé ("Who is him?"). Il protagonista, un essere/avatar viola di nome SNUB, ed i paesaggi da girone dantesco o prelevati da dipinti rinascimentali, disseminati di oggetti emblematici, divengono paradossali ed ironiche chiavi di lettura della realtà quotidiana, attraverso un linguaggio ascrivibile ad un ambito pop surrealista.

Claudio Di Carlo presenta le sue icone della società massmediatica, con due tele dalla serie dei "Rebus". Donne bellissime immortalate con un taglio fotografico che predilige posizioni forzate ed innaturali e pone l'accento su minuti dettagli e particolari evocativi. Una potente carica erotica, i colori sensuali, un gioco costante tra esplicito ed allusivo celano una corrosiva critica a limitazioni e forzature cui veniamo costantemente sottoposti, trasformandoci in vittime di modelli standard di comportamento; gettano uno sguardo sui concetti di diversità ed esclusione; sfondano porte per poter sfuggire da uniformità ed omologazione.

Protagonisti delle tele di Giusy Lauriola donne e uomini di cui non si scorge il volto. La caratterizzazione avviene attraverso l'abito, quindi il corpo, mezzo primario di relazione con il mondo, specchio di personalità e strumento di identificazione. Se le resine che usa divengono un filtro attraverso il quale creare distanza e guardare dentro di noi, la riflessione che Lauriola ci induce a compiere riguarda la costante ricerca di appartenenza ad un'identità sociale, l'incessante necessità di essere approvati dall'altro: il bisogno di accettazione diviene impulso più potente, anche a scapito della propria individualità.

Nicola Mette propone quattro piccoli acrilici, realizzati con una particolare tecnica che l'artista stesso definisce "pittura liquida", fatti di sgocciolature, sovrapposizioni ed improvvisi vuoti, appartenenti ad un ciclo del 2011 intitolato appunto "ID.entity". Sfila nei suoi quadri un'umanità disumanizzata: volti delineati da un tratto fermo ma evanescente, lo sguardo assente, nessun accenno ad un'emozione o espressione. Bianchi come in un'immagine in negativo, fantasmi anziché "esseri" reali, i suoi uomini, donne o divinità, prigionieri di una società sempre più folle ed avvilente, hanno perso ogni connotazione identitaria, hanno perso se stessi, non più in grado di riconoscersi né di essere riconosciuti.

Info:

Collettiva di pittura

Artisti: Alessandro Calizza, Claudio Di Carlo, Giusy Lauriola, Nicola Mette

Inaugurazione: giovedì 19 aprile ore 20.30 fino a tarda serata

Dal 19 aprile al 2 maggio 2012

Orari: lunedì – sabato 17.00-23.30

Wine-bar Camponeschi

Piazza Farnese 50, Roma

+39 066874927 camponeschi@mclink.it

Altri contatti: takeawaygallery@gmail.com

DARK ISLAND DI GUY LYDSTER

a cura di Lodovico Pignatti Morano

21 aprile – 9 giugno 2012

Galleria B4 | Via Vinazzetti, 4B | Bologna


Sabato 21 aprile 2012 sarà inaugurata alla Galleria B4 di Bologna “Dark Island”, grande personale dello scultore neozelandese Guy Lydster, a cura di Lodovico Pignatti Morano. Dopo il successo ottenuto in occasione di Arte Fiera OFF 2012, che l’ha visto protagonista di importanti spazi espositivi come lo Spazio Fabrizio Cocchi, la splendida cornice di Villa Hercolani, dimora cinquecentesca appena fuori le mura medievali di Bologna e la Galleria Art to Design, tappe che l’hanno reso ancor più noto a livello nazionale, Lydster rinnova l’unicità intrinseca e figurativa della sua opera con gli Headscapes inediti di Dark Island.

Dark Island, evoluzione naturale del lavoro dell’artista e delle sue continue sperimentazioni, si compone di una ventina di Headscapes - unione di Head e Landscapes (teste-paesaggi) - che evocano un viaggio metaforico verso la riscoperta di quel terreno oscuro chiamato infanzia.

La mostra si articola negli spazi della galleria che scandiscono i tre momenti del viaggio verso: la ricerca di un luogo, l’approdo alla meta e la separazione. L’esposizione è da considerarsi percorso completo nell’opera di Lydster; sono rappresentati tutti i momenti di produzione dell’opera, dalla fase iniziale più espressionista e abbozzata, che grazie all’uso della creta cruda giunge ad effetti sorprendenti, attraverso quella più dura e ricca di dettagli, fino alla fase ultima, in cui primeggia la linea compiuta del bassorilievo. Compare per la prima volta la colorazione, realizzata con pigmenti rossi, gialli e verdi, che mescolati alla creta ancora cruda stimolano in maniera sorprendente l’espressività.

Nella prima sala, il viaggiatore-spettatore è accolto da un gruppo di Headscapes che indicano un percorso da navigare.
Sono raffigurate diverse isole, rappresentazioni di possibili mete da raggiungere, tra cui un’opera fondamentale dal titolo Land of the Long White Cloud, (terra dalla lunga nuvola bianca), traduzione della parola in lingua maori “Aotearoa”, termine che indica la Nuova Zelanda. In contrasto con tali immagini di mare e isole sparse, realizzati in creta bianca, si erge centrale l’opera Dark Island, approdo del viaggiatore. Circondata da un mare mosso e verdastro, l’isola scura esercita una forza di attrazione sullo spettatore come se fosse lui stesso un nuotatore che attraversa torbide acque. Accanto, disposte a terra, un arcipelago di teste/isole si stende sul mare del pavimento.

Nella seconda sala il viaggio continua verso il cuore del terreno raggiunto. L’occhio del viaggiatore esplora la riva e si muove verso le forme organiche e i colori che fioriscono all’interno dell’isola. In questa dimensione originaria l’artista stabilisce un rapporto pacifico con i luoghi della memoria, la presenza della barriera naturale, il dolore nell’asprezza del paesaggio, e perfino la morte (è significativa la simbolica presenza di un gatto nero in agguato, bello, ma inquietante).


Il percorso si chiude nello spazio esterno della Galleria con gli Headscapes che simboleggiano gli emigranti, la partenza verso l’ignoto, in cui i viaggiatori sono muniti solamente di nostalgia e di proprie memorie. Incisi sui volti di un grappolo di grandi teste, vari squarci naturali dell’isola vengono conservati e spediti verso l’orizzonte e forse verso un’altra isola. L’esperienza straziante dell’emigrante è la metafora della difficile separazione fisica e spirituale dal viaggio ed emblema del forte legame uomo-natura. L’artista ci invita a scoprire quanto la natura sia una forza non solamente più grande di noi, ma anche una forza che cresce in noi.

A completare il percorso, una decina di disegni dell’artista che esprimono la percezione dell’ambiente visto dal mare; ossia la rigida geometria dell’immenso paesaggio, risultato delle diverse congiunzioni naturali e marine.

La mostra segna anche il percorso della vita che ci vede protagonisti di un viaggio interiore in cui la natura è il mezzo che ci conduce all’essenza e invita ad una riflessione sulla nostra presenza nel mondo.




Guy Lydster scultore neozelandese nasce a Auckland nell’aprile del 1955, ma si trasferisce con la famiglia a Vancouver molto presto.
Già da bambino scopre l’amore per l’arte, inizia a studiare teatro, poi si dedica alla pittura e infine arriva alla forma simbolica a lui più congeniale: la scultura.
Nei primi anni 80 si trasferisce a Bologna per studiare all’Accademia delle Belle Arti e finito il suo percorso universitario decide di rimanere a vivere e lavorare nel capoluogo emiliano.

Per Guy Lydster sono stati di fondamentale importanza per lo sviluppo del suo percorso di scultore il riferimento e lo studio di Henry Moore, Constantin Brancusi e Alberto Giacometti entrambi, come lui, intrisi di naturalismo e essenzialità; ma ancora di più si nota la forte ispirazione primitiva che ha trovato nei suoi luoghi di origine. L’arte eschimese, quella indiana e quella imponente e spirituale dell’Isola di Pasqua trovano nella scultura di Guy un importante sviluppo.

Inizia il suo lavoro cercando una pietra che possa fargli da bozzetto per l’opera, quando l’idea è chiara crea una base sulla quale innalza un asse verticale e alla quale aggiungerà materiale fino a creare una testa. Quando la forma è finita inizia a svuotarne il cranio, tagliandola con piccole e controllate incisioni da neurochirurgo. Lo svuotamento collabora anch’esso alla creazione della forma che si plasma dall’interno non seguendo un canonico modellamento anatomico. Le parti del cranio vengono poi ricomposte; aggiungendo materiale per la memorizzazione del paesaggio, lo scultore procederà ad un secondo svuotamento fino al raggiungimento della giusto equilibrio tra mente e corpo.
I materiali utilizzati sono creta, argilla, marmo, pietra e travertino.



Agenzia di Comunicazione:

Culturalia di Norma Waltmann
Agenzia di comunicazione
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fax: +39-051-2914955
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ARIA underground

PRESENTAZIONE 1° NUMERO A.R.I.A. UNDERGROUND
[ giornale visivo ]

13 aprile 2012
Ore 17.00 - 21.00
MACRO - Museo d’Arte Contemporanea Roma
spazio AREA – Via Nizza, 138

Venerdì 13 aprile 2012, alle ore 17.00, presso lo spazio MACRO AREA, verrà presentato il numero uno della rivista A.R.I.A. underground, progetto nato in seno al collettivo romano A.R.I.A. (acronimo di artisti romani in assemblea).
A.R.I.A. nasce dal desiderio di confrontarsi, di creare spunti che siano oggetto di riflessione che
ha spinto gli artisti a redigere un manifesto, …siamo appena all’inizio di qualcosa che non è facile da definire …, che affronta, giungendo anche nel campo dell’utopia, l’idea del MUSEO diffuso, l’ipotesi di una nuova SCUOLA a cui si aggiungono i luoghi dell’incontro, della riflessione come il BAR e della comunicazione con la costituzione di un GIORNALE.

Il giornale, A.R.I.A. underground è un “luogo” di produzione. È pensiero e immagine, alterazione percettiva dell’informazione, è atto creativo, è colore e forma, è parola che non informa ma trasforma e trasporta, è gioco dichiarato, è circolarità, è, è vuoto e pieno, è la superficie di un’area indefinibile, è respiro, è ARIA.

A.R.I.A. underground è un giornale visivo, ideato dagli artisti della redazione: Angelo Bellobono, Arianna Bonamore, Pino Boresta, Tania Campisi, Carlo De Meo, Cristiana Pacchiarotti, Mario Tosto e ogni volta diverso per soggetto, concezione, realizzazione e impaginazione. Nella sua forma laboratoriale e partecipata A.R.I.A. underground è occasione di confronto che evidenzia la necessità di spazi tanto reali quanto “paralleli al reale” capaci grazie alla loro natura, di aprire modalità inedite di diffusione e conoscenza.

A.R.I.A. underground è un’agorà in cui artisti, fotografi e creativi tutti possono prendere parte sottoponendo alla redazione la propria visione autografa sul soggetto indicato. I contributi, rigorasamente “site-specific”, assemblati insieme costituiscono un’opera collettiva e unica animata dai diversi respiri.

Il soggetto di questo primo numero di A.R.I.A. underground è ROSSO e tanti sono gli artisti che hanno contribuito con interventi visivi e letterari unici e inediti.

In quest’A.R.I.A: Pasquale Altieri, Paolo Angelosanto, Ardau-Di Caterino, Angelo Bellobono, Emanuele Beltramini, Luca Bidoli, Flavia Bigi, Arianna Bonamore, Pino Boresta, Andrea Caminiti, Flavio Capotorti, Mariano Chelo, Lara De Angelis, Carlo De Meo, Roberto De Simone, Baldo Diodato, Fa+, Emanuela Fiorelli, Sandro Fogli, Gastrovisione, Francesco Impellizzeri, Antonio Lombardi, Aldo Olivo, Cristiana Pacchiarotti, Raffaello Paiella, Laura Palmieri, Bruno Parretti, Mattia Pellegrini, Giovannella Porrini, Claudia Quintieri, Paolo Radi, Paola Romoli Venturi, Mariarosaria Stigliano e Mario Tosto.

Cesare Pietroiusti, interverrà direttamente su 99 copie del giornale con altrettanti contributi cromatici sulle tonalità del rosso. Altri artisti, tra cui Alfredo Pirri, Carla Accardi, Pablo Echaurren, Alessandro Scarabello, Ciriaco Campus, Sergio Fermariello, Giorgio De Finis, Simone Bertugno, realizzeranno alcuni interventi visivi sulle copie trasparenti.

L’evento sarà accompagnato da una serie di degustazioni performative, il cui filo conduttore è il ROSSO, realizzate dal gruppo di artisti GASTROVISIONE, che si prefigge di coinvolgere il pubblico ricorrendo ad inganni visivi e percettivi della fruizione.

Il giornale autofinanziato vede un certo numero di copie stampate su supporto cartaceo ed una tiratura limitata di 10 su supporto trasparente, personalizzati con interventi diretti di altrettanti artisti.

Il giornale sarà consultabile nei giorni successivi alla presentazione, presso lo spazio AREA, dedicato alla lettura e aperto liberamente al pubblico.

INFO
Redazione A.R.I.A. - redazionearia@gmail.com
(Tel. +39 3389114093 - +39 3487221215)
A.R.I.A. - ariaroma2011@gmail.com

INGRESSO LIBERO

Alessandro Mazzola: "La Vita"

COMUNICATO STAMPA

ALESSANDRO MAZZOLA: "LA VITA"

Il 14 aprile dalle ore 18.00 Alessandro Mazzola si presenta per la prima volta in una mostra personale a Roma presso la galleria Rilievi Contemporary Art in via della Reginella 1a, esponendo alcune tele di grandi e medie dimensioni dalla serie "La Vita".

La rappresentazione delle opere è la conseguenza di un processo concettuale che si svela nitidamente ancora prima della sua esecuzione. Nelle sue composizioni l'estensione delle linee sinuose e le morbide e pacate campiture creano un ritmo essenziale nell'equilibrio dello spazio ampio e totalizzante. Il messaggio dell'artista attraversa un labirinto infinito di forme e colori dove si realizza compiutamente nella ricerca della pace e dell'armonia.

Alessandro Mazzola nasce a Velletri (Roma); vive e lavora a Latina. Inizia la sua attività artistica, dopo essere stato incoraggiato dal suo professore di Disegno. Dipinge da circa 25 anni.

Info:

Mostra personale di pittura di Alessandro Mazzola dal titolo "La Vita"

Inaugurazione: sabato 14 aprile ore 18.30

Dal 14 al 21 aprile 2012

Testo critico di Laura Abate

Galleria Rilievi Contemporary Art

Via della Reginella 1/A, Roma

0695223340 - galleriarilieviroma@gmail.com

"WU MING" racconta "Novantatrè" di Victor Hugo

Mercoledì 4 aprile alle ore 18 il collettivo di scrittori Wu Ming sarà il protagonista del sesto appuntamento della rassegna “Libri da Rivivere”, presso la Libreria Rivivere di Via Torleone 5 a Bologna.

Wu Ming, racconteranno in maniera creativa e del tutto personale “Novantatré” di Victor Hugo, pubblicato nel 1887.

Il collettivo bolognese leggerà i passi salienti di “Novantatrè”, uno dei romanzi più alti dell’Ottocento, da considerarsi come conclusione del dialogo che Hugo intrattenne per tutta la vita con la Rivoluzione.

Quest’appuntamento rientra nella rassegna “Libri da Rivivere”, un ciclo d’ incontri che ha visto e vedrà come protagonisti noti autori e figure della cultura bolognese che condivideranno con il pubblico il proprio libro preferito e lo doneranno alla nuova Libreria di via Torleone 5. L’acquisto farà da donazione all’Associazione Rivivere che investirà nei servizi d’aiuto psicologico gratuito offerti alla nostra città.

I precedenti incontri hanno visto protagonisti Nicola Bonazzi, drammaturgo e regista bolognese, che ha letto il “Ferdydurke” di Witold Gombrowicz, Silvia Albertazzi, Professore ordinario di Letteratura Inglese all’Università di Bologna che ha portato il volume di Salman Rushdie “I figli della mezzanotte”, l’attrice Micaela Casalboni che ha incantato il pubblico, leggendo e interpretando alcuni passi dell’opera di Shakespeare, Roberto Serra, fondatore dell’agenzia fotografica Iguana Press e fotoreporter de La Repubblica, che ha raccontato magistralmente il “Misantropo” di Molière e Alberto Sebastiani, ricercatore di Italianistica dell’Università bolognese e collaboratore di Repubblica, che ha fatto rivivere il libro “Camere Separate” di Pier Vittorio Tondelli.


Informazioni utili:

• EVENTO: Wu Ming racconterà “Novantatrè” di Victor Hugo
• DATA: Mercoledì 4 aprile 2012 ore 18.00

• INDIRIZZO: Bologna-Via Torleone 5

• INFORMAZIONI PER IL PUBBLICO: 051-392236

• SITO INTERNET: www.clinicacrisi.it E-MAIL: libreriarivivere@libero.it

• ORARI DI APERTURA DELLA LIBRERIA: Lunedì, Giovedì, Venerdì (15.30-19.30) Martedì, Mercoledì, Sabato (9.30-12.30, 15.30-19.30)


• Agenzia di comunicazione:



Culturalia - Bologna, Vicolo Bolognetti 11
Tel. 051 6569105 fax 051 29 14955,
info@culturaliart.com www.culturaliart.com




WU MING

Wu Ming (per esteso: Wu Ming Foundation) è un collettivo di scrittori provenienti dalla sezione bolognese del Luther Blissett Project (1994-1999), divenuto celebre con il romanzo Q.
Nel 1994, in giro per l'Europa, centinaia di artisti, attivisti e burloni scelgono di adottare la medesima identità.
Tutti si ribattezzano Luther Blissett e si organizzano per scatenare l'inferno nell'industria culturale. Si tratta di un piano quinquennale. Lavoreranno insieme per raccontare al mondo una grande storia, creare una leggenda, dare alla luce un nuovo tipo di eroe popolare.
Nel gennaio 2000, al termine del Piano, alcuni di essi si riuniscono sotto un nuovo nome e fondano Wu Ming, una band di romanzieri. Quest'ultimo progetto, benché più concentrato sulla letteratura e la narrazione in senso più stretto, non è meno radicale del precedente.


A differenza dello pseudonimo aperto "Luther Blissett", "Wu Ming" indica un preciso nucleo di persone, attivo e presente sulle scene culturali dal gennaio del 2000. Il gruppo è autore di numerosi romanzi, tradotti e pubblicati in molti paesi, ritenuti parte del corpus (o "nebulosa") del New Italian Epic.
In cinese mandarino "wu ming" significa "senza nome" oppure "cinque nomi" a seconda di come viene pronunciata la prima sillaba. Il nome d'arte è inteso tanto come tributo alla dissidenza ("Wu Ming" è un modo di firmarsi frequente presso i cittadini cinesi che chiedono democrazia e libertà di parola) quanto come rifiuto dei meccanismi che trasformano lo scrittore in divo.
A questa scelta si lega anche la particolare posizione degli autori al diritto d'autore: tutte le opere di Wu Ming sono infatti pubblicate sotto licenza Creative Commons e dal sito ufficiale del gruppo è possibile scaricare i testi integrali, per i quali è consentita una riproduzione (totale o parziale) in qualunque formato, tranne che per scopi commerciali.
Il collettivo Wu Ming si impegna in estesi tour di presentazioni e incontri con i lettori (oltre seicento iniziative nel periodo 2000-2010) e i suoi membri appaiono spesso in pubblico.
I Wu Ming rifiutano di mettersi in posa per servizi fotografici e hanno come politica di non apparire mai in video. Non hanno mai accettato inviti a trasmissioni televisive. Nemmeno sul loro sito ufficiale sono disponibili immagini dei loro volti. La loro politica è quella di apparire soltanto di persona, in carne e ossa. "Trasparenti verso i lettori, opachi verso i media". Ecco come Wu Ming 1 ha spiegato la posizione del gruppo in un'intervista del 2007. Il fatto che il gruppo si chiami "Senza nome" ha spesso generato equivoci sul presunto anonimato dei suoi membri, i cui nomi anagrafici sono invece noti e riportati anche sul sito ufficiale. Dal 2000 alla primavera del 2008, la formazione ha compreso: Roberto Bui (Wu Ming 1), Giovanni Cattabriga (Wu Ming 2), Luca Di Meo (Wu Ming 3), Federico Guglielmi (Wu Ming 4) e Riccardo Pedrini (Wu Ming 5). Il 16 settembre 2008 il gruppo ha annunciato l'uscita di Luca di Meo dal collettivo, avvenuta nella primavera precedente. Ciascuno dei quattro membri ha un nome d'arte individuale, una produzione "solista" e una "voce" autoriale autonoma, riconoscibile dai lettori.



NOVANTATRE’ di Victor Hugo (1874) – Oscar Mondadori

Nota di copertina: Novantatrè, il romanzo finale della vastissima produzione letteraria di Victor Hugo conclude il dialogo che lo scrittore aveva intrattenuto per tutta la vita con la Rivoluzione. Pubblicato nel 1872, Novantatrè, uno dei più alti romanzi dell’Ottocento, è probabilmente il più moderno di tutti, immenso affresco che è anche la storia di tre “caratteri” scolpiti con stupefacente maestria: Lantenac, l’uomo del Re e dell’onore antico, Cimourdain, genio austero e implacabile della Rivoluzione e Gauvain, aristocratico nipote di Lantenac, passato al popolo e che Cimourdain farà ghigliottinare per seguirlo subito nella morte. Sullo sfondo del grande dramma collettivo e personale, quella folla di “coscienze”, di “spiriti in preda al vento” che hanno cambiato la Francia e il mondo. Ma è la Torgue, la fosca torre medievale presa d’assalto dall’esercito repubblicano inviato a schiacciare la rivolta vandeana, il perno di questa formidabile raffigurazione dalle tinte infuocate, in cui buoni e cattivi, torto e ragione sono mossi da qualcosa che li trascende, l’”enigma della Storia”.

Young at Art. I Stay Here

A partire da sabato 14 aprile 2012, in occasione della XIV Settimana della Cultura indetta dal MiBAC, il MACA (Museo Arte Contemporanea Acri) aprirà i suoi spazi a sette giovani artisti calabresi, dedicando loro una mostra che si protrarrà fino al 27 maggio.

L’appuntamento espositivo, a cura di Massimo Garofalo e Andrea Rodi, si pone come esito del concorso Young at Art, lanciato a inizio anno, attraverso il quale il museo ha inteso mettersi alla ricerca dei talenti ancora nascosti operanti sul territorio calabrese. Da qui il titolo della mostra, I Stay Here (Io rimango qui), ripreso da una serie fotografica di uno dei sette artisti partecipanti e particolarmente significativo dello spirito di un’iniziativa dallo spiccato carattere di work in progress, che da concorso è diventata mostra, per poi rinnovarsi come progetto itinerante. L’appuntamento del MACA è solo il primo di una lunga serie attraverso la quale verranno promossi i sette artisti.

In ottobre, in occasione della Giornata del Contemporaneo indetta dall’AMACI, a ognuno di essi verrà chiesto di creare un lavoro ad hoc ispirato alle opere di Hans Richter, uno dei padri del Dadaismo, a cui il MACA dedicherà un’importantissima retrospettiva a partire dal maggio prossimo, la prima realizzata da un museo italiano. Successivamente, gli artisti di Young at Art troveranno spazio a San Demetrio Corone (Cs), in occasione della Biennale d’Arte Contemporanea Magna Grecia, mentre sono in corso le trattative per portare i loro lavori a Torino, in occasione di Artissima.

L’intento della mostra del MACA, e del corollario di eventi che ne seguiranno, è quello di dare spazio alla ricchezza artistica e creativa di una regione che sta finalmente cominciando a credere in se stessa e nelle proprie potenzialità, e lo farà sottolineandone in primo luogo la diversità di temi e tecniche, perché proprio la diversità dei suoi frutti è il sintomo principale della fertilità di un territorio. Ognuno dei sette artisti, infatti, è rappresentante di un differente ambito espressivo. Walter Carnì affronta la cronaca, e in particolare il tema della mafia, attraverso installazioni scultoree di grandi dimensioni e dal forte impatto visivo; il fotografo Giuseppe Lo Schiavo sottolinea l’importanza di mantenere un forte legame con la terra d’origine e di come questa non sia ostacolo alla creatività e alla fantasia; Armando Sdao presenta cinque tele dai connotati iperrealistici in cui la presenza dell’uomo riverbera in oggetti quali una manciata di biglie o un pallone da basket, perfette nature morte contemporanee; Valentina Trifoglio trasforma il suo stesso corpo in una tela bianca che accoglie i segni che le vengono proiettati addosso, trasformandoli in stati emotivi; Giuseppe Vecchio Barbieri destruttura il volto umano in ritratti grafici che coniugano un’iconografia di matrice Pop a uno spiccato gusto espressionistico per i vortici cromatici; il duo MILC (Movimento Indipendente per il Linguaggio Cinematografico), formato da Michele Tarzia e Vincenzo Vecchio, propone due filmati che sono altrettante riflessioni sullo spazio come fonte di disagio collettivo e individuale, tra denuncia sociale e frammentarietà dell’io.

YOUNG AT ART “Virtual”

In collaborazione con Alphabeti, creativa azienda nel settore della promozione dei beni culturali e i new media, e la BCC Mediocrati, verrà realizzata una nuova sala virtuale della Collezione Bancartis (www.mediocratitour.it), in cui i sette giovani artisti vincitori dell’iniziativa potranno esporre una selezione delle loro opere.

In questo modo, terminata la mostra in programma fino al 27 maggio 2012, i giovani talenti calabresi meriteranno ancora le luci delle ribalta grazie al web e a questi originali allestimenti virtuali che permettono la visibilità oltre il tempo naturale delle mostre temporanee e la promozione oltre i confini nazionali.

YOUNG AT ART

I Stay Here

Luogo: MACA (Museo Arte Contemporanea Acri)

Piazza Falcone,1 - 87041, Acri (Cs)

Curatori della mostra: Massimo Garofalo e Andrea Rodi

Vernissage: 14 aprile 2012, ore 17:00

Periodo: dal 14 aprile al 27 maggio 2012

Orario: dal martedì alla domenica, 9-13 e 15-19; lunedì chiuso

Info: Ufficio stampa tel. 0119422568

www.museovigliaturo.it; maca@museovigliaturo.it