Mostra d'arte iraniana PEACE TIME. SATURA Art Gallery, Genova dal 9 dicembre 2017

Sabato 9 dicembre 2017 ore 17:00 Palazzo Stella - inaugurazione PEACE TIME a cura di Manijeh Sehi, Sarvenaz Monzavi e Flavia Motolese aperta fino al 22 dicembre 2017 da martedì a sabato ore 15:00 - 19:00 Genova, SATURA art gallery S'inaugura sabato 9 dicembre 2017 alle ore 17:00 nelle suggestive sale di Palazzo Stella a Genova, la rassegna d'arte iraniana contemporanea "PEACE TIME" a cura Manijeh Sehi, Sarvenaz Monzavi e Flavia Motolese.  La mostra, realizzata in collaborazione con White Line Gallery di Teheran, resterà aperta fino al 22 dicembre 2017 con orario 15:00 - 19:00 da martedì a sabato. La mostra PEACE TIME costituisce un'ulteriore occasione di interscambio artistico-culturale che ci permette di proseguire sulla strada dischiusa da TIME TO TALK: l'obiettivo è quello di perpetuare e intensificare la collaborazione fra l'Iran e l'Italia, con la speranza che questo confronto aiuti a promuovere fra i popoli comprensione, amicizia e pace, di cui il mondo di oggi ha sempre maggiore bisogno. Gli artisti iraniani si sono espressi attraverso opere che avessero come denominatore comune il tema della pace con la volontà di lanciare un messaggio globale attraverso l'arte contemporanea. I tempi avversi e complessi che stiamo vivendo ci inducono ad auspicare che l'arte possa essere terreno di confronto pacifico tra i popoli, perché la pace, proprio come l'arte, non ha nazione. Da sempre, nella storia, agli artisti è affidato il compito di testimoniare la realtà, comprese le drammatiche conseguenze dei conflitti, ma anche quella di interpretarla e di ipotizzare scenari migliori, fornendo nuove soluzioni per un futuro più desiderabile.  Come ha detto il curatore Hans Ulrich Obrist: "Un curatore non può predire il futuro dell'arte. Gli artisti, tuttavia, hanno antenne estremamente sensibili ai cambiamenti imminenti e spesso sanno rilevarli prima di chiunque altro. E così stando vicini agli artisti i curatori hanno la possibilità di riconoscere un assaggio di quello che verrà". L'universalità del tema scelto, quello della Pace, su cui si sviluppa l'intero percorso narrativo, è dimostrazione del potere dell'arte di mettere in comunicazione culture diverse, attraverso l'immediatezza del linguaggio visivo, generando una comprensione più profonda delle rispettive identità. La mostra, con le sue oltre 70 opere, volte a fornire un interessante spaccato delle tendenze dell'arte contemporanea iraniana, si distingue per la grande vivacità di stili e di tecniche. Per la seconda volta a SATURA, un'accurata selezione di opere, tra cui spiccano nomi di rilievo del panorama iraniano contemporaneo, ci permette di osservare la concezione dell'immagine e della visione sotto il profilo di un diverso ambito culturale: quali le influenze, i trend o la tradizione iconico-simbolica predominante. Rispetto alla mostra precedente, sono state introdotte tecniche diverse che spaziano dalla pittura alla fotografia e dal disegno all'elaborazione digitale, permettendoci di analizzare come si siano sviluppate tra i due paesi e le differenze con cui vengono impiegate. Il rapporto con una figurazione classica rimane predominante, così come un'attenzione al colore.  Il passaggio delle Avanguardie, che nel nostro paese ha prodotto un vero e proprio spartiacque tra il prima e il dopo, determinando una frattura nell'espressione artistica, sembra aver influito in maniera più mediata nell'arte iraniana.  Si percepisce una consapevolezza diversa, più profonda, forse perché viene perseguita meno spettacolarizzazione in favore di valenze contenutistiche più forti.  Ecco allora che ritornano le motivazioni di questa mostra: vicini e lontani, ugualmente abitanti di una realtà che impone il silenzio per riflettere ed agire diversamente. ARTISTI IN ESPOSIZIONE: Suzan Alimardani, Alireza Allahbakhshi, Fatemeh Arefi, Armineh Sarkisovich Arzumanian, Khatereh Avand, Bahman Boroujeni, Sanaz Eskandari, Shahla Esmailpoor, Mohammad Hadi Fadavi, Mehrdad Falah, Saman Farhangi, Laleh Ghazivakili, Narges Ghiabi, Sheida Gholipour, Farzaneh Hajighemi, Aysa Hekmat, Shahla Homayouni, Hadi Jamali, Pegah Jamali, Yalda Javaheri, Shirin Mirjamali, Sepideh Mirzai, Ahmad Mirzazadeh, Mitra Mobinzadeh, Nadereh Nejadpourhossein, Mojgan Nikbakht, Amirhoushang Ordouie, Samira Ostovan, Naser Ovissi, Rahimeh Pournoorbakhsh, Hadi Rafi Bakhsh, Hekmat Rahmani, Farzane Saeedi Rahvard, Nahid Razipour, Elham Rezasoltani, Azin Rostami, Nahid Salahmand, Manijeh Sehi, Maryam Seraj, Pejvak Seraj, Neda Shahhosseini, Malahat Tadayon, Hamid Talebpour, Shabnam Tolou, Samaneh Vahabi, Sosan Yadavar Vahed, Arman Yaghoubpour, Roya Zendehdel, Solaleh Abdolpanhan, Sima Amani, Sarah Ameri, Sadeq Asad, Ardeshir Boroujeni, Negar Farhangi, Anahita Ghazanfari, Farah Habib, Aisling Sareh Haghshenas, Pooria Hatami, Pooya Jamali, Shahindokht Mahinpour, Shahrzad Monzavi, Sarvenaz Monzavi, Reihane Moosavi, Tara Nazmalizadeh, Fereydoun Omidi, Tala Ranjbaran, Elnaz Rezasoltani, Neda Safari, Fatemeh Salemi, Selvi Samiei, Shabnam Shafeiyan, Yasaman Yaseri, Atefeh Yazdani, Akbar Zaheri. SATURA Art Gallery Piazza Stella 5/1 16123, Genova Italy www.corrieredelweb.it

Mostra: Carlo Montarsolo. Ritorno a Napoli

Carlo Montarsolo. Ritorno a Napoli

Dal 13 gennaio al 3 febbraio 2018 esposte a Castel dell’Ovo 50 opere di Carlo Montarsolo. 

Continua la riscoperta del noto artista italiano e del suo legame con Napoli.

Inaugurazione sabato 13 gennaio 2018, ore 17.00

Dal 13 gennaio al 3 febbraio 2018 avrà luogo a Napoli, nelle sale espositive di Castel dell’Ovo, la retrospettiva Carlo Montarsolo, ritorno a Napoli.

In continuità con le rassegne espositive e gli eventi culturali realizzati negli ultimi anni in memoria di Carlo Montarsolo (1922-2005), la retrospettiva odierna è finalizzata ad approfondire con un puntuale itinerario la più proficua produzione dell’artista, presente a pieno titolo nella storia dell’arte partenopea e nazionale, muovendo dal figurativo fino alle soglie dell’astrazione.

50 opere raccontano alcuni filoni e temi significativi del percorso artistico di Carlo Montarsolo e in particolare quelli che si legano alla città e alla cultura partenopea. Due in particolare i temi fondanti della rassegna, quello delle “Lave vesuviane” (1955-2002) e quello del mare (1943-2003). 

Ad essi si affianca una selezione delle opere del periodo più noto del maestro, quello della fine degli anni Cinquanta e degli inizi degli anni Sessanta, ossia la sua produzione più materica, centrata sul senso della luce e sulla sua capacità rivelativa in un contesto astratto-geometrico, senza tuttavia perdere di vista la forma naturalistica (1957-2003). A completamento alcune opere “di raccordo” tra i filoni citati ed un corpus di inchiostri del  decennio 1950-1960.

Le opere in mostra – oli su tela ed inchiostri – alcune delle quali appartenenti alle Collezioni della Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma e di Banca Intesa Sanpaolo, sono selezionate dal costituendo archivio dell’Associazione Montarsolo. 

Fra le opere più significative in mostra anche alcuni dipinti storici, con cui l’artista ottenne i primi significativi successi che lo proiettarono in una dimensione nazionale ed internazionale: Tempio sommerso, primo premio alla Rassegna d’Arte del Mezzogiorno tenutasi nel 1962 al Palazzo Reale di Napoli (con una giuria presieduta da Argan) e Paesaggio d’inverno, esposto nel 1958 alla Mostra Internazionale Premio Marzotto per la Pittura al Musée National d’Art Moderne a Parigi e premio Mancini alla mostra all’Accademia di Belle Arti di Napoli nel 1959.

La mostra è corredata da un fascicolo a colori con un intervento critico di Enrico Crispolti e la curatela scientifica di Giorgio Agnisola. 

Promossa dall’Associazione Montarsolo, la retrospettiva è patrocinata dal Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo, dalla Regione Campania e dalla Città Metropolitana di Napoli e realizzata in collaborazione con l’Assessorato alla Cultura e al Turismo del Comune di Napoli.

Castel dell’Ovo – Via Eldorado, 3 – Napoli. Ingresso gratuito

Orari: 

dal martedi al sabato 10.30 – 13.30 e 15.00 – 18.30. 

domenica 10 – 13:30

info@carlomontarsolo.it   www.carlomontarsolo.it

Carlo Montarsolo. Cenni biografici

Carlo Montarsolo nasce il 29 maggio 1922. Il suo personalissimo uso di una tecnica pittorica che esalta il dato cromatico come fattore luministico, ha fatto di lui uno dei più interessanti artisti della pittura italiana astratta del dopoguerra, su cui hanno scritto importanti critici e studiosi d’arte, da Argan a Valsecchi, da Trimarchi alla Bucarelli a Crispolti. Sue opere figurano alla Permanente di Milano, nei Musei d’Arte Moderna di Roma, Parigi, Monaco di Baviera, nel Museo Nazionale d’Arte Moderna di Santo Domingo. Ha partecipato a collettive a Londra, Parigi, Monaco, Buenos Aires, Montevideo, New York e Washington.

È autore di opere come Oggetti antichi in soffitta (1964, Collezione GNAM), Tempio sommerso (1967, di proprietà Banca Intesa Sanpaolo), Einstein (1970, Accademia Aeronautica di Pozzuoli), Alta tensione (1982) e La memoria del fuoco vesuviano a contatto con il mare (1988).

Autoditatta, comincia a dipingere nel 1938 a sedici anni riproducendo paesaggi della zona vesuviana, in cui evidenti sono i rimandi a Turner e Constable, agli Impressionisti e ai Divisionisti fino ai Fauves. A Parigi, scopre l'arte di Braque e Picasso e il cubismo analitico di Cézanne che sarà la peculiarità delle sue opere mature.

Risale al 1948 la sua prima importante personale alla Galleria Forti di Napoli. Nel 1950 a Milano partecipa ad una mostra patrocinata da “Il Giorno” e organizzata da Marco Valsecchi. Nel 1957 vince il Premio Mancini, massimo riconoscimento per giovani artisti dell’Accademia di Belle Arti di Napoli. Nel 1959 è medaglia d'oro al Gran Premio Venezia, Esposizione biennale nazionale d’arte contemporanea. Nel 1962 con Tempio sommerso, primo autentico esempio di cubismo analitico visto a Napoli, riceve il massimo riconoscimento da una giuria presieduta da G. C. Argan (Mostra del Mezzogiorno, Palazzo Reale, Napoli).

E’ presente a tutte le Quadriennali d’Arte di Roma, al Palazzo delle Esposizioni, alla Biennale Internazionale d’Arte del Mediterraneo, dove rappresenta l’Italia su designazione della Biennale di Venezia e successivamente a Melbourne, Sidney, New York, quale rappresentante della pittura italiana su invito della Quadriennale di Roma. Dagli anni Settanta è invitato più volte dagli Istituti Italiani di Cultura all’estero per mostre personali, seminari e conferenze sull’arte moderna.

A cura della Soprintendenza ai Beni Artistici e Storici di Napoli, nel 1986 viene organizzata una sua mostra antologica nel Museo di Villa Pignatelli.  Nel 1993, nell’Aula Magna dell’Università Federico II di Napoli dove si era laureato, si realizza la mostra Immagini del Creato e Geometria delle Forme. Altre sue mostre si tengono a Roma nel 1996 e nello stesso anno gli viene conferito a Gela il prestigioso premio “Sileno d’Oro” alla carriera, già assegnato in precedenza a Renato Guttuso.

Didatta appassionato (suo il libro-vademecum Un artista racconta l’arte, Guida Editori, 2002), è autore di conferenze e articoli sulle problematiche dell'arte moderna fino a pochi mesi prima della sua morte, avvenuta il 23 luglio 2005.

Nel 2007 il Ministero degli Affari Esteri ha acquisito la tela Operaio ferito (1961) per la Collezione d’Arte Contemporanea della Farnesina. Due retrospettive antologiche sono state realizzate nel 2008 presso la Pinacoteca di Gaeta e all’Accademia Aeronautica di Pozzuoli. Nel 2014, promossa dall’Ambasciata d’Italia in Montenegro e con l’adesione del Presidente della Repubblica, viene realizzata la mostra antologica Visioni mediterranee presso il Museo Nazionale del Montenegro. 

Nel 2015, su invito dalla Fondation Pierre Arnaud, rappresenta l’Italia in Svizzera per l’esposizione internazionale Réalisme, la symphonie de contraires. Nel 2016, su iniziativa della Città della Spezia, si svolgono due retrospettive presso la Palazzina delle Arti ed il Circolo Ufficiali di Marina: Aria, acqua, terra e fuoco e Carlo Montarsolo e il mare. Nell’autunno 2016, promosse dai Comuni di Ercolano e di Nola, si svolgono due nuove mostre: Impressioni vesuviane e Vulcanica. 

Nel dicembre 2016, curata dall’Associazione Montarsolo e con il patrocinio del Comune di Roma viene realizzata al Teatro di Villa Torlonia di Roma una mostra-evento culturale in memoria di Carlo e Paolo Montarsolo: Note di colore, l’arte dei fratelli Montarsolo.

Salerno, “CAVELLINI ARTISTAMP / MOSTRA A DOMICILIO”

GUGLIELMO ACHILLE CAVELLINI 

SPAZIO OPHEN VIRTUAL ART GALLERY

“CAVELLINI ARTISTAMP / MOSTRA A DOMICILIO”

a cura di Sandro  Bongiani

Presentazione critica di Piero Cavellini

(In collaborazione con l’Archivio Cavellini di Brescia)

Dal 22 dicembre 2017  al  31 marzo 2018

Inaugurazione:  venerdì  22  dicembre  2017,  ore 18.00

                       

S’inaugura  venerdì  22  dicembre 2017,  alle ore 18.00,  la mostra  Personale dal titolo “CAVELLINI ARTISTAMP / MOSTRA  A  DOMICILIO” a cura di Sandro  Bongiani  che lo Spazio  Ophen Virtual Art Gallery di Salerno dedica all’artista italiano Guglielmo Achille Cavellini, presentando,  in collaborazione con l’Archivio Cavellini di Brescia  la serie di 77  francobolli, alcuni ancora inediti,  in una mostra  volutamente  “virtuale”,  come logico sviluppo delle mostre  realizzate dall’artista a domicilio,  tra opere ad acrilico, intarsio, carbone, legno, collage,  pennarello, serigrafia, fotografia e studi grafici preparatori creati nel corso degli anni 70’ e 80’ sotto forma di Artistamp, con il fine d’indagare  una parte  significativa del lavoro  di Cavellini ancora non  del tutto conosciuto. 

Nella sua ininterrotta navigazione nel territorio dell’arte GAC ha ricercato senza sosta segnali  chiarificatrici che rendessero esplicito la condizione dell’artista e le sue ambizioni molto spesso frustrate dal conflitto con la dinamica sociale. 

In tale contesto nascono i primi francobolli, nella seconda metà degli anni Sessanta, essenzialmente riproduzioni in legno ad intarsi di opere degne di essere eternizzate con il mezzo più semplice ed immediato che la comunicazione sociale ha per dare lustro ad un’attività umana: quello di inserirla nella iconografia postale. 

Una vita dedita totalmente all’autostoricizzazione, diffusa ampiamente dal 1970 in poi  con mostre e cataloghi a domicilio, manifesti, spille, stickers, cimeli, francobolli, performance, happening, attendendo e programmando la celebrazione ufficiale del 2014 in concomitanza con il centenario dalla sua nascita, nel veneziano Palazzo Ducale e nei musei più prestigiosi del mondo.

Scrive Piero Cavellini nella presentazione alla mostra: “ E’ nei primi anni Settanta che, appropiandosi di una dilagante espressione concettuale, questi suoi giudizi in qualche modo esplodono. Nel 1971 conia il termine “autostoricizzazione” ed inizia un lavoro espanso ed insistito ponendosi in prima persona come paladino della condizione dell’artista portando su se stesso il compito di fornirgli le modalità per superare lo stato dell’esclusione. Lo fa essenzialmente col concetto di “Centenario” come strategia anticipatoria della propria celebrazione e con le “Mostre a domicilio”, veicolo espositivo postale che gli permette di esporre il proprio lavoro in diecimila luoghi in tutto il mondo. Queste attività lo inseriscono in un circuito di arte postale internazionale che già si stava diffondendo da qualche anno nelle dinamiche espressive del periodo.  E’ all’interno di questa fuga in avanti che rientra in gioco il “Francobollo” come elemento essenziale di questo tipo di circolazione artistica. Nella parte finale del suo lavoro, gli anni Ottanta, quando la sua presenza nel mondo dell’arte diventa estesa e partecipata, questo espediente sintattico della comunicazione diviene sempre più “opera dipinta” esso stesso dando sfogo ad una creatività senza freni, un produrre con soggetti svariati ed eclettici una grande quantità di opere come “Progetto di Francobollo per il mio Centenario”. 

E’ in questo periodo, quindi, che usa un suo particolare “stile” per dare sostanza al corpus di lavori che avrebbero dovuto supportare le esposizioni museali del 2014 .   Ne risulta  la composizione di un universo sia intimo che sociale con cui da corpo ad una visione di se stesso rapportato agli altri in cui il francobollo diviene il territorio privilegiato con cui tenta di eternizzare il proprio stato.

BIOGRAFIA  di  GUGLIEMO ACHILLE CAVELLINI  

GAC (Guglielmo Achille Cavellini)  è stato un importante studioso e collezionista dell'arte astratta europea. Dalla metà degli Anni '40 esordisce con disegni e ritratti. Nel '60, si dedica invece alla sperimentazione: alcuni esempi del suo lavoro sono spesso legati a citazioni, vere e proprie elaborazioni di celebri opere che ne fanno un autentico attore nella messa in scena dell'arte. 

GAC mette in pratica la sua teoria dell'autostoricizzazione: il fare da sé nel costruirsi attorno l'alone del successo, mettendo in disparte i processi canonici che il sistema utilizza a tale scopo. Non è un atto di megalomane autorappresentazione, bensì l'innescarsi di una procedura alternativa: una rivoluzione all'interno della comunicazione artistica. Andy Warhol si mette a ritrarre Cavellini, e il geniaccio GAC rende omaggio a Andy con il francobollo "Le Marilyn di Warhol" (1984). 

L’utilizzo dei materiali di recupero (negli oggetti assemblati, negli intarsi in legno, nei carboni), è lo strumento del suo operare. 

Nascono i Teatrini e i  francobolli d’artista attraverso i quali viene reso omaggio ai geni della pittura: Picasso, Lèger, Matisse, Braque e nasce, anche, l’amore per la Mail Art, movimento libero  e democratico che permette a GAC di avere  contatti e confronti importanti con tanti artisti sparsi su tutto il pianeta.

Mostre: Opening Ignazio Mortellaro - Siamo due abissi - un pozzo che fissa il cielo

Ignazio Mortellaro

"Siamo due abissi - un pozzo che fissa il cielo"

"We are two abysses - a well staring at the sky"

a cura di / curated by Agata Polizzi

OPENING 16.12.2017

ORE 18.30

FPAC PALERMO

IT__La galleria Francesco Pantaleone arte Contemporanea è lieta di presentare, "Siamo due abissi – un pozzo che fissa il cielo", una mostra personale dell'artista Ignazio Mortellaro, a cura di Agata Polizzi.
Ignazio Mortellaro (Palermo, 1978), è artista, architetto e ingegnere, la sua formazione lo porta ad indagare con approccio sperimentale i vari ambiti del sapere. Il suo è un lavoro aperto, che guarda alla possibilità come metodo. Il progetto espositivo "Siamo due abissi – un pozzo che fissa il cielo", restituisce in questo senso più livelli ipertestuali, propone sguardi che penetrano l'arte e la scienza, danno corpo ad una visione dinamica per descrivere paesaggi e contesti come fossero esperienze "in transito".
Due le serie di opere in mostra e un'installazione. La serie Land, sculture di sottrazione, racconta paesaggi fisici e concettuali, dove l'artificio ridefinisce spazi e pensieri, dove idea e materia sono pervase l'una dell'altra. Mindscapes sono collages di foto d'archivio, progetti relativi ad infrastrutture e cantieri, documenti sottratti al reale e rimontati seguendo uno schema di ribaltamento e cucitura, che produce immagini inedite e surreali. Infine l'installazione Infinity of Infinities, traspone in materia la visione dell'artista rispetto alle differenti combinazioni possibili negli infiniti universi che ci circondano.

In occasione della personale sarà presentata la pubblicazione "Ignazio Mortellaro works and essays 2011-2017" a cura di Valentina Bruschi e Agata Polizzi.


EN__Francesco Pantaleone Arte Contemporanea is pleased to announce "We are two abysses - a well staring at the sky" solo-show's Ignazio Mortellaro, curated by Agata Polizzi.
Ignazio Mortellaro (Palermo, 1978) is an artist, architect, and engineer. His background brings him to investigate, with an experimental approach, the various settings of knowledge. His work is open and looks at possibility as method. The exhibition, "We are Two Abysses - a well staring at the Sky", restores more hyper textual levels and proposes views that penetrate art and science. The works give body to a dynamic vision describing landscapes and contexts as though they were experiences "in transit."
There are two series of works on display accompanied by an installation. The Land series, subtraction sculptures, displays places where physical places meet conceptual ones, where the artificial redefines space and thoughts where idea and material are pervaded. Mindscapes, collage made from archival images, structural and construction projects, documents taken from reality, all rearranged following a tilting and stitching pattern, produces surreal and innovative images. In the end, the installation Infinity of Infinities transposes the vision of the artist into material according to different combinations of the infinite number of universes that surround us.

On the occasion of his solo-show, a catalogue of the artist's work will be presented to the public, "Ignazio Mortellaro works and essays 2011-2017" curated by Valentina Bruschi and Agata Polizzi.
Informazioni:
artista: Ignazio Mortellaro
titolo: Siamo due abissi - un pozzo che fissa il cielo
a cura di: Agata Polizzi
luogo: Francesco Pantaleone arte Contemporanea, via Vittorio Emanuele 303, Palermo
inaugurazione: sabato 16 Dicembre 2017 dalle ore 18:30
durata: dal 19 Dicembre 2017 al 17 Febbraio 2018
orari: dal martedì al sabato dalle 10:00 alle 13:00 e dalle 15:00 alle 19:00
info: +39 091 332482
sponsor: Planeta, Monte Alburchia

catalogo: Ignazio Mortellaro works and essays 2011-2017
a cura di: Valentina Bruschi e Agata Polizzi
prefazione di: Valentina Bruschi e Agata Polizzi
testi di: Laura Barreca, Valentina Bruschi, Daniela Cotimbo, Luca Mortellaro, Francesco Pantaleone, Agata Polizzi, Andrea Ruggieri, Simona Squadrito
progetto grafico: Ignazio Mortellaro
produzione:Ignazio Mortellaro
Italian/English edition
Formato 15x21 cm, brossura con elastico a fettuccia nero, pp. 208, ill. 159, col e bn
ISBN 979-12-200-2648-2


artist: Ignazio Mortellaro
title: Siamo due abissi - un pozzo che fissa il cielo (We are two abysses – a well staring at the sky)
curated by: Agata Polizzi
place: Francesco Pantaleone arte Contemporanea, via Vittorio Emanuele 303, Palermo
opening: sat 16th dec 2017 6:30 pm
on view: from 19th dec 2017 to 17th feb 2018
orari: from tuesday to saturday 10 a.m - 1p.m / 3 p.m - 7 p.m
info: +39 091 332482
sponsors: Planeta, Monte Alburchia

catalogue: Ignazio Mortellaro works and essays 2011-2017
edited by: Valentina Bruschi and Agata Polizzi
preface by: Valentina Bruschi and Agata Polizzi
text by: Laura Barreca, Valentina Bruschi, Daniela Cotimbo, Luca Mortellaro, Francesco Pantaleone, Agata Polizzi, Andrea Ruggieri, Simona Squadrito
graphic design: Ignazio Mortellaro
production: Ignazio Mortellaro
Italian/English edition
Format 15x21 cm, soft binding with black TPE rubberbands, pp. 208, ill. 159, col. and bw
ISBN 979-12-200-2648-2

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www.CorrieredelWeb.it

25 anni di arrivi e partenze. Un Mercoledì del CAMeC speciale il prossimo 6 dicembre a Prato, dalle ore 17.

Sarà l’occasione per conoscere o ritrovare I Santini Del Prete, che nel 2017 festeggiano i 25 anni del loro sodalizio artistico con una serie di iniziative promosse dall’Archivio Carlo Palli, Prato. 

Al CAMeC presentano una nuova performance e diverse opere inedite dedicate a 25 anni di arrivi e partenze.

Il sodalizio nasce nel 1992 quasi fatalmente per la curiosa complementarietà dei cognomi di Franco Santini e Raimondo Del Prete, accomunati dalla stesso mestiere di ferroviere e da una comune passione per la mail art, l'arte visiva e la diffusa creatività contemporanea. 

Si dilettano quali rappresentanti militanti della non-arte che non è in contrapposizione all'arte, bensì in armoniosa dialettica per il completamento degli opposti. 

Si esprimono con azioni, video, installazioni, opere fotografiche e pittoriche. 

Partendo dal modello degli storici happening di Allan Kaprow e contaminandolo con il concetto più attuale multimediale e onnicomprensivo di performance, il duo ferroviario cerca di superare la coniugazione tra arte e vita, aggiungendo un elemento ulteriore: la non-arte. 

Pertanto attraverso la rappresentazione di loro stessi in azione tentano la copulazione tra arte e non-arte con l'auspicio di emozionare, rallegrare, coinvolgere se stessi e gli astanti.

Mostra di GIORGIO BEVIGNANI a CONTEXT Art Miami dal 5 al 10 dicembre 2017

CONTEXT Art Miami

Dal 5 al 10 dicembre 2017

MIAMI (Florida)

Direttamente da Bologna, l'artista Giorgio Bevignani sarà presentato dalla storica Galleria bolognese Stefano Forni alla celebre fiera d'arte americana CONTEXT Art Miami, che si terrà dal 5 al 10 dicembre 2017 nel circuito della grande manifestazione ART Miami, con l'obiettivo di sostenere le avanguardie emergenti giunte a metà carriera insieme ai già consolidati maestri dell'arte contemporanea. Per l'occasione saranno esposti alcuni dei lavori più significativi della produzione artistica di Bevignani, appena rientrato in Italia dal Giappone, dopo l'intervista "Dialogues in Paradise" al Moa Museum of Art - MOA美術館 di Atami, che in questa speciale occasione ha acquisito nella propria collezione permanente una delle numerose opere dell'artista.

·         CONTEXT Art Miami

Nata nel 2012, CONTEXT Art Miami si svolge durante la settimana più importante dedicata all'arte contemporanea negli USA e propone un'atmosfera innovativa che mette in dialogo artisti, gallerie e collezionisti a livello internazionale: una piattaforma unica e alternativa, per promuovere l'arte di giovani talenti e offrire a gallerie emergenti e consolidate di incontrare i grandi rivenditori del settore.

Per Miami, la Galleria Stefano Forni, da sempre attenta al valore artistico di giovani autori nazionali e internazionali, ha selezionato un ventaglio di artisti variegato.

Insieme ai lavori più recenti di Giorgio Bevignani saranno esposte le opere di:

§  Mario Schifano, artista conosciuto e riconosciuto in tutto il mondo, maestro indiscusso della Pop Art italiana che ha segnato indelebilmente la storia dell'arte italiana del secondo Novecento.

§  Luciano Ventrone, tra gli artisti italiani maggiormente conosciuti a livello internazionale. Nelle sue opere l'artista crea mondi suggestivi carichi di vissuti e di emozione, la sua attenzione per l'applicazione della pittura, il suo trattamento del colore e della luce lo pongono tra i maestri della figurazione contemporanea.

§  Antonello Viola, artista romano le cui opere, siano esse tele, carte o dipinti su vetro, rappresentano un perimetro cromatico in cui la pittura diventa luogo riflessivo, di ricerca d'assoluto, attraverso un processo di accumulo, stratificazione, sedimentazione. Sovrapponendo velature di colori, e poi togliendo, raschiando, cancellando, l'artista trasforma l'invisibile in visibile.

§  Daniele Papuli, artista che fa della carta il fulcro ed il mezzo del suo linguaggio espressivo. Trasforma la carta da cellulosa quasi impalpabile a materia stratificata. Il singolo foglio, così effimero ed evanescente, nelle mani dell'artista, diventa unità di misura per comporre lo scheletro interno dei suoi volumi, forme che si aprono e si dischiudono, animate da un dinamismo interno.

§  Edite Grinberga, artista lettone di caratura internazionale che nelle sue raffigurazioni d'interni e nature morte evoca momenti di tranquillità che raccontano viaggi e storie di vita con l'ausilio di una pittura che ricerca la luce attraverso le ombre. È attraverso il mezzo della luce che il flusso del tempo viene visualizzato.

Giorgio Bevignani

Scultore e pittore unico nel suo genere, Giorgio Bevignani vive e lavora in Italia, in provincia di Bologna, dove modella, plasma e assembla diversi materiali trasformandoli in vere e proprie opere d'arte, che vanno dalla pittura alla scultura, per approdare al magico universo delle installazioni.

Sin dai suoi esordi, esplora l'essenza dell'uomo mediante un processo di decostruzione, che preferisce non passare per la percezione sensibile delle cose, ma che attraversa in qualche modo la parcellizzazione dei materiali. Il vero motore della sua ricerca artistica sta, infatti, nella necessità di giungere alla verità, rinunciando a oggetti e ready-made: un'evoluzione continua che, da un punto di vista materiale e concettuale, dà vita a nuove interazioni e profondità sempre diverse. 

In questo senso, il lavoro di Bevignani sfugge da uno stile preciso e sfocia in una personale "filosofia dell'arte" che spesso s'intreccia con la mitologia, le scienze sperimentali, la matematica, la fisica e la metafisica, tutti ambiti nei quali l'artista ha compiuto studi che hanno contribuito ad ampliare il substrato della sua ispirazione: un mondo atomico, dove emergono agglomerati cromatici e dove le parti si attirano e si addensano in ammassi, costellazioni, installazioni di grande fascino, "colori che irrompono nell'aria, fili che intrecciano l'universo e l'aria che li attraversa, ma fili che intrecciati danno vita, ricreano, aprono a stanze e dimore, segnano e disegnano forme, saccheggiano simboli, indicano da nord a sud e da est ad ovest la trama del tempo, quel pendolo che si sfilaccia dopo un qui e un dove", come osserva lo storico dell'arte Carlo Franza.

Tutto questo prenderà armoniosamente vita a Miami, dove in occasione di Context Art Miami, l'artista presenterà tre sue recenti produzioni, per un totale di 17 opere esposte che identificano significativamente quel particolare agglomerarsi di materiali, quali silicone e pigmenti, in un motivo di mobile, malleabile, severa, semplice, composta e folgorante bellezza:

–   La serie Al-gher, che s'ispira alle conformazioni del corallo, realizzata con silicone e schiuma poliuretanica. Queste "pietre sospese" annullano la dimensione spazio-temporale dell'ambiente in cui sono inserite, trasformandolo in uno spazio interiore con il quale lo spettatore è invitato a interagire. I suoi agglomerati di corpuscoli, sospesi come corpi celesti nelle galassie o disposti su una rete metallica che ricorda la struttura delle particelle in un atomo, formano la personalissima visione del "de rerum naturae" e della fisica/metafisica di Bevignani.

–   La serie Il Silenzio Nudo, ispirata a un verso del poeta Giacomo Leopardi, è una straordinaria collezione di immagini informali su tela, dove i colori identificano un linguaggio umano che viene prima dei segni e della scrittura. Illuminati da una fonte di luce, esse rivelano qualcosa d'ignoto, che sta sotto allo strato visibile allo spettatore. Così, questi dipinti nascono dall'esplorazione dell'uso del silicone – un materiale di consistenza gelatinosa – che mischiato al colore su una base di più strati cromatici, dà vita a una patina semipermanente, che al tatto ricorda la pelle elastica umana.

–   La serie Fragments, una sorta di ammassi di materia pulviscolare che abitano lo spazio come fasci di luce propria nell'ombra. Un progetto di grande suggestione, che potrebbe essere tranquillamente descritto dalle parole del famoso neuroscenziato Andrea Moro: "Noi non vediamo la luce. Vediamo solo gli effetti che essa ha sugli oggetti. Sappiamo della sua esistenza solo perché viene riflessa da ciò che incontra nel suo cammino, rendendo così visibili gli oggetti, che altrimenti non vedremmo, così un nulla illuminato da un altro nulla, diventa qualcosa".

BIOGRAFIA

Giorgio Bevignani nasce a Città di Castello nel 1955, vive e lavora a Castel San Pietro Terme, Bologna (Italia).

Maestro d'Arte all'Istituto d'Arte San Bernardino di Betto di Perugia nel 1979.

Maturità in Arte applicata (scultura) all'Istituto d'Arte Duccio di Buoninsegna di Siena nel 1981.

Frequenta l'Accademia di Bologna da 1984 al 1986, e l'Accademia di Brera (Milano) dal 1986 al 1988.

Membro della Royal British Society of Sculptors dal 2014.

Le sue opere si trovano in collezioni private a Città di Castello, Milano, Siena, Bologna, New York City, Roma, Brescia, Bergamo, Reggio Emilia, Cesena, Modena, Ancona, Imperia, Bogotà, Nizza, Basilea, e Strasburgo.

INFORMAZIONI UTILI

Dove: CONTEXT Art Miami (Florida) One Herald Plaza (Biscayne Bay & 14th Street), Miami, FL 33132, Stati Uniti

Quando: dal 5 al 10 dicembre 2017

Phone: +1 305.517.7977

Espositore: Galleria Stefano Forni (Italy-Bologna) (Stand C203)

Tel: +39051225679 - +393667206888

Artista: Giorgio Bevignani

Facebook: giorgio.bevignani

Redazione del CorrieredelWeb.it

Mostra “MIAs Mid-career Italian Artists a cura di Roberto Brunelli presso “Biasutti Giampiero Studio D'Arte per il '900” a Torino

Si terrà domani, sabato 2 dicembre a partire dalle ore 15:30 a Torino presso "Biasutti Giampiero Studio D'Arte per il '900" ( Via della Rocca, 10 ) il finissage e la presentazione del catalogo della mostra "MIAs Mid-career Italian Artists curata da Roberto Brunelli che ha visto la partecipazione di 37 Artisti della "Generazione anni '60" che hanno preso parte a un progetto di ricerca che a distanza di oltre 25 anni dall'uscita del nr. 158 della rivista Flash Art (ottobre/novembre 1990) dedicato allo "Speciale Arte Giovane", ha condotto il visitatore in un viaggio attraverso a quanto quegli artisti, oggi "mid-career", sono stati capaci di leggere nel passato e anticipando la futura crisi non solo economica, ma soprattutto di valori socio-morali che tante ripercussioni ha sulla società attuale. 

Con la presentazione del catalogo si conclude quindi un'esperienza che ha costituito un ulteriore occasione a tre anni dall'uscita del libro "Anninovanta 1990-2015". 

Un percorso nell'arte italiana" (Roberto Brunelli – GLI ORI Editori Contemporanei, dicembre 2014), per restituire alla comunità quegli artisti, oggi cinquantacinquenni e riaffermare quanto siano ancora pieni di energia e abbiano ancora molto da dire attraverso la costruzione di un racconto per immagini, con l'obiettivo di indagare le possibili relazioni tra storia e sperimentazione artistica.


In mostra opere di Guido Bagini, Massimo Barzagli, Alessandro Bazan, Betty Bee, Francesco Bocchini, Walter Bortolossi, Luca Caccioni, Paolo Canevari, Monica Carocci, Sergio Cascavilla, Gennaro Castellano, Andrea Chiesi, Marco Cingolani, Cuoghi Corsello, Vanni Cuoghi, Nizzo De Curtis, Francesco De Grandi, Santolo De Luca, Enrico Tommaso De Paris, Mario Dellavedova, Francesco Di Lernia, Fulvio Di Piazza, Daniele Galliano, Patrizia Giambi, Sergio Fermariello, Jonathan Guaitamacchi, Massimo Kaufmann, Gabriele Lamberti, Antonella Mazzoni, Simone Pellegrini, Luca Piovaccari, Pierluigi Pusole, Sergio Sarra, Remo Suprani, Stefano Tedioli, Marco Veronese, Velasco Vitali.


Roberto Brunelli 

Redazione del CorrieredelWeb.it

Fondazione Adolfo Pini: mostra "Memory as Resistance" di Nasan Tur, a cura di Gabi Scardi

ALLA FONDAZIONE ADOLFO PINI LA MOSTRA

NASAN TUR MEMORY AS RESISTANCE

a cura di Gabi Scardi

Dal 30 novembre 2017 al 9 marzo 2018

Opening: mercoledì 29 novembre, ore 18.30

Corso Garibaldi, 2 Milano

 

Per maggiori informazioni  

www.fondazionepini.net/attivita-culturale/memory-as-resistance

 

 

 

Dal 30 novembre 2017 al 9 marzo 2018, la Fondazione Adolfo Pini presenta la mostra Memory as Resistance, un progetto inedito realizzato dall’artista Nasan Tur, a cura di Gabi Scardi. Il tema della memoria, del ruolo del soggetto nella società e del suo lascito saranno al centro degli interventi ospitati dalla Fondazione, e si intrecceranno anch’essi al legame con il vissuto di coloro che la abitarono.

L’invito della Fondazione è stato, per l’artista, l’occasione per concepire un nuovo progetto che prevede un allestimento che occuperà le vetrine della casa museo. L’esposizione comprende in particolare una serie di fotografie dedicate a persone che, fino in fondo, si sono impegnate per la libertà d’espressione e un video incentrato sulla figura di un uomo che appare di profilo, sullo sfondo di un paesaggio in cui riconosciamo il Bosforo. 

L’uomo è Hrant Dink: figura fondamentale del movimento per la riconciliazione e i diritti in Turchia, nonché caporedattore del settimanale bilingue turco – armeno Agos, ucciso davanti all’ingresso della redazione nel 2007. Nel video, un’azione ripetuta restituisce l’immagine di Hrant Dink accartocciata, dispiegata, stesa con le mani e poi nuovamente accartocciata, come in una sequenza infinita. L’opera trasmette un senso di lontananza, ma anche la forza dell’orizzonte. Il suo ricomparire, sempre più sbiadita, eppure persistente, interferisce con la cronologia: malgrado gli eventi, la presenza del soggetto incessantemente si rinnova. 

La memoria fragile ma tenace non arretra, e le azioni, anche a distanza di tempo, mantengono valore. Il lavoro di Nasan Tur prende avvio alla fine degli anni Novanta, nel corso del tempo l’approccio personale si stempera e i riferimenti si ampliano. L’artista comincia a elaborare i temi del vivere e del convivere urbano e mette in campo una grande attenzione ai filtri culturali che condizionano il nostro sguardo e le nostre attitudini. 

Le sue opere sono interpretazioni critiche dei contrasti, delle contraddizioni e delle tensioni psicologiche e sociali dell’individuo nel presente. Vi emergono, in forme diverse, questioni legate alle ideologie, alle utopie, al linguaggio e ai concetti di storia, nazionalità, eredità culturale e attivismo.

In occasione di Memory as Resistance, Nasan Tur terrà una lecture, giovedì 30 novembre alle ore 18.00, aperta al pubblico, durante la quale l’artista illustrerà la sua ricerca estetica fino ad arrivare ai più recenti sviluppi dei suoi ultimi progetti. 

Venerdì 1 dicembre La Fondazione Adolfo Pini organizza un appuntamento collaterale alla mostra Memory as Resistance. N

ella galleria nel cortile della Fondazione, gli studenti della Nuova Accademia di Belle Arti di Milano avranno l’opportunità di partecipare a un momento di approfondimento e di confronto con l’artista, tramite l’esposizione di loro opere legate alle tematiche affrontate da Nasan Tur nella mostra.

Dopo aver presentato i primi due progetti site specific, The Missing Link di Michele Gabriele, e Materia prima di Lucia Leuci, con questa nuova mostra la Fondazione prosegue pertanto il proprio percorso dedicato all’arte contemporanea, sotto la guida di Adrian Paci, con l’obiettivo disporsi quale luogo di incontro e valorizzazione della scena dell’arte giovanile nazionale e internazionale a Milano.

 

 

Memory as Resistance

A cura di Gabi Scardi

30 novembre 2017- 9 marzo 2018

Opening: 29 novembre 2017 ore 18.30

Lecture di Nasan Tur

Giovedì 30 novembre ore 18.00

Appuntamento collaterale

Mostra Four

Federico Arani, Vincenzo Badiglio, Francesco de Bernardi e Jacopo Martinotti

A cura di Maria Chiara Baccanelli e Emanuele Tira
Venerdì 1 dicembre 

La mostra sarà visitabile dal 29 novembre

Fondazione Adolfo Pini

Corso Garibaldi 2, Milano

Orari: da lunedì a venerdì ore 10.00 – 13.00 | 15.00 – 17.00

Ingresso gratuito

Tel. 02 874502

www.fondazionepini.it

Facebook: Fondazione Adolfo Pini