"FOIBE: DALLA TRAGEDIA ALL'ESODO" 31 genn-22 feb

ALTARE DELLA PATRIA SACRARIO DEL VITTORIANO, SALA DELLE BANDIERE MOSTRA "FOIBE: DALLA TRAGEDIA ALL'ESODO"
31 genn-22 feb

Se spesso nella vita ci si domanda perchè dobbiamo così con atrocmente soffrire, perchè dobbiamo andare avanti nonostante la morte nel cuore, ecco forse vi è qui una risposta:per tramandare agli altri alle nuove generazioni fatti magari appartenuti ai nostri nonni, conoscenti, o solo persone del nostro bel Paese.
E sopprattutto bello, commuovente trovare che vi si trovi spazio a Roma presso l'altare della Patria a commemorare: A MAI DIMENTICARE questi fatti ignobili di sangue, per poteri, discriminazioni etniche.
Difatti dal 31 gennaio fino al 22 febbraio presso il Complesso del Vittoriano Sacrario delle Bandiere Ingresso Aracoeli si terrà una mostra collettiva dal titolo:"FOIBE: DALLA TRAGEDIA ALL'ESODO" patrocinata dal Ministero della Difesa, Associazione Dalmata, Fondazione Roma Museo, Provincia di Roma ed Assesorato Politiche Culturali.
Splendida, impareggiabile, umana e commuovente è l'abilità che hanno saputo costruire attraverso le loro opere Rocco Cerchiara ed Andrea Cardia. Rocco Cerchiara ha costituito una protoscultura su un panello dipinto , facendo percepire l'umanità un lavoro -istallazione cercando quasi di richiamare sia l'impianto di "GUERNICA" di Picasso sia riuscendo a ben enunciare uno stato di memoria in quel ammasso di volti,occhiali, facce tutte ammassate, riunite eppure ognuna con una propria vita,percorso, famiglia in un dolore profondo,ma dignitoso, corale. Splendida è quel saper costruire qualcosa che va oltre alla semplice opera o scultura.
Nelle due opere di questi due artisti si respira l'intensità raccolta di un'intera generazione che è stata ingiustamente disintegrata e sbattutta nella terra carsica delle foibe.
Rocco Cerchiara ed Andrea Cardia riescono con finezza a mostrarci questo orrore, queste morti assurde,ma non inutili o vane, anzi quel loro scomparire così da un giorno all'altro amplifica il desiderio di sentirceli ancora più vicini nel nostro oggi quotidiano.
Splendido è la capacità di questi due artisti di puntare sul dato umano, su dato emozionale facendoci sentire ancora più meschini per quello che si è svolto in un tempo ormai passato, ma mai del tutto dimenticato


Dott.ssa Valeria s.Lombardi
laureata in storia dell'arte contemporanea
Milano, Università Statale di Milano

New York, MoMA, Massimo Taccon

Dallo scorso Marzo 2008 il lavoro e l'Opera dell'artista italiano Massimo Taccon risultano ufficialmente catalogati presso il Dipartimento di Pittura e Scultura del Museo d'Arte Moderna più importante del mondo ossia il MoMA di New York (USA), che ha aperto a suo nome un file.
Il MoMA è certamente il Museo d'Arte Moderna con la più vasta collezione d'Arte Moderna con Opere di Cézanne, Van Gogh, Matisse, Picasso, De Chirico, Léger, Brancusi, Mondrian, Dalí, Miró, Alberto Giacometti, Jackson Pollock, Barnett Newman, Robert Rauschenberg, Andy Warhol, Eva Hesse e di moltissimi altri artisti.
Il lavoro, la monografia e le Opere dell'artista sono state visionate e catalogate in una scheda personale da parte dei curatori del Museum of Modern Art.

URBAN SIGNAL ART PROJECT AL PUZZLE POINT

PUZZ LE4PEACE PROJECT
THE PUZZLE FOR GUINNESS
Un progetto internazionale…
Può la tessera di un puzzle diffondere i valori di pace e sostenibilità? Sì, se a farlo
sono maxi tessere (50x50cm) realizzate in materiali riciclati, naturali o riciclabili che
divengono oggetti per il progetto Puzzle4Peace. Una sfida ambiziosa,
pluripartecipata e grandiosamente creativa che dal 2007 si esprime contaminando
spazi, piazze, monumenti, strade, parchi e giardini di tutto il mondo con tasselli di
puzzle, dipinti, firmati e "performati" da artisti, bambini, famiglie, aziende, scuole ed
istituzioni. Un gioco semplice ed antico, come quello del puzzle, che diventa un
simbolo, un linguaggio, un immediato strumento di comunicazione attraverso il quale
avvicinare i cittadini del mondo al tema della pace, intesa come convivenza rispettosa
degli altri e dell'ambiente.
Puzzle4Peace è un progetto di SCART-I Solidarity and Creativity Art–Italia
Cooperativa Sociale ONLUS, la quale supporta il terzo settore coinvolgendolo nei
molteplici eventi e sostenendolo economicamente attraverso l'apertura presso una
banca etica di linee di microcredito a favore della cooperazione internazionale, della
mediazione culturale, della sostenibilità ambientale e della promozione artistica. Un
grande esempio della versatilità della materia riciclata e del potenziale di un
comportamento sostenibile, applicati alla creatività, all'arte ed al design e in varie
occasioni da qui al 2015 per l'Expo, saranno allestite aste di beneficenza, in cui
verranno battute le opere riprodotte sulle tessere della pace.
Il progetto nasce nel 1999, quando il designer Gianluigi Ruju intuisce che anche un
gioco semplice ed antico come quello del puzzle può diventare un simbolo di un
linguaggio ed uno strumento immediato di comunicazione attraverso i quali avvicinare
il grande pubblico ai temi della solidarietà e della sostenibilità.
Nel 2005, dall'incastro tra la genialità di Ruju e la creatività dell'Art Director Giuseppe
Iavicoli in arte Beppe TRX, il progetto prende forma e vengono disegnati i primi
elementi che comporranno Puzzle4Peace Project.
Nel tempo altri partecipano e danno il loro apporto Giulio Braga, consulente in
comunicazione, e Germano Gemini, progettista di C.S.R.
Puzzle4Peace ogni giorno si arricchisce e si definisce nei suoi dettagli. La tessera del
puzzle diviene un pixel con cui comporre disegni, una superficie per interventi artistici,
un palcoscenico per performance ed esibizioni live. E, soprattutto, veri e propri oggetti
di design eco-sostenibile, P.O.P. (Pieces of Peace), nati dalla collaborazione, in
continua evoluzione e ricerca, tra i designer del progetto e le aziende partner. Tavoli,
lampade, pareti divisorie, sedute e tappeti tutti rigorosamente a forma di puzzle e
realizzati con materiali compatibili con l'ambiente: dai più tradizionali, come plastica,
legno, cartone ed alluminio, a quelli appartenenti alle nuove frontiere del recupero di
pneumatici e vetroresina. In questo modo, si valorizzano materiali considerati di
scarto, si re-inventano oggetti e si promuove la cultura del recupero e del riutilizzo dei
rifiuti, incentivando la raccolta differenziata degli stessi. Un ottimo esempio di come
l'arte e la creatività possano unirsi ad una produzione industriale eco-sostenibile e
socialmente responsabile.,
Puzzle4Peace dà voce alle tematiche sociali e lo fa attraverso un design tutto
italiano, quasi a voler dimostrare che i designer non devono solo rispondere ad
esigenze industriali specifiche, ma possono anche agire autonomamente per
sostenere la propria capacità di creare l'inusuale e l'eccentrico, sia come prodotto che
come impresa, servizio ed informazione.
Puzzle4Peace favorisce l'arte nelle sue manifestazioni più innovative e sperimentali
ed il suo potenziale di patrimonio sociale, e lo fa attraverso eventi festosi e di
intrattenimento in cui artisti provenienti da ambienti e stili differenti sono chiamati a
dare sfogo alla propria creatività sui tasselli del puzzle, dipingendoli come fossero tele
di un pittore. Per meravigliare attraverso l'arte e stupire attraverso una pace da
Guinness dei Primati: le migliaia di tessere che lo compongono aumenteranno di
evento in evento e si incastreranno continuamente negli spazi, le strade, le piazze, i
monumenti, i quartieri ed i parchi di tutto il mondo, in abbracci sempre più ampi e
sempre oltre i precedenti World Records.
Contaminando pacificamente ed allegramente il mondo con molte di queste tessere
di puzzle, si porteranno "pezzi di pace" ovunque, per promuovere la solidarietà e la
sostenibilità ambientale attraverso l'arte ed il design. Per creare aggregazione e
condivisione di intenti, unendo persone, energie e risorse. Per creare un puzzle non
solo simbolico, ma anche fisico. Un immenso progetto collettivo in cui ognuno, come
in ogni puzzle che si rispetti, possa contribuire con il proprio pezzettino.
Grazie a tutti…
Il team di Puzzle4Peace Project
SCART-I ONLUS Solidarity and Creativity Arts- Italy
Cooperativa Sociale




Info Puzzle4Peace <info@puzzle4guinness.com>

Inaugurazione galleria d'arte Enrico Astuni

venerdì 23 gennaio 2009 dalle ore 19 alle 22
inaugurazione del nuovo spazio bolognese Galleria Enrico Astuni
e vernice della mostra
sci-art
con performance di Nick Laessing e Athanasios Argianas


GALLERIA ENRICO ASTUNI

SCI.ART
Ursula Berlot, David Claerbout, Attila Csörgö, Christoph Keller, Robert
Kusmirowski, Tobias Putrih, Thomas Zipp

<<>> Primo Levi (n “Primo Levi/Tullio Regge – Dialogo”, Oscar Mondadori, 1994, pag. 13-14)

Arte e scienza sono comunemente considerate diametralmente opposte: la prima mossa da emozioni, quindi irrazionale dubbia; la seconda seria, razionale, dunque fredda. Eppure, tale distanza non è sempre esistita, persiste in gran parte per via di pregiudizi, ed e dal punto di vista teorico già ridotta. Il Rinascimento e figure come Leonardo da Vinci sono esemplari di un'epoca in cui le discipline non erano chiaramente distinte, e l'arte era considerata come strumento di cognizione. Dall'avvento della meccanica newtoniana, applicabile alla fisica delle medie dimensioni che caratterizza l'esperienza quotidiana, la cultura occidentale è stata permeata da sequenze deterministiche di causa ed effetto. Dura e assolutistica,la fisica classica ci pone nella posizione d'osservatori obbiettivi e stranei ai fenomeni presi in considerazione come se non ne facessimo parte. Ma epistemologi e scienziati riconoscono quanto l'estetica influenzi il loro pensiero, e ammettono che le teorie non sono lo specchio di fenomeni naturali, ma piuttosto formule inventate per predirli, riduttive idealizzazioni della realtà valide solo fino a prova contraria. Il padre della meccanica quantistica Niels Bohr, confessa di essere arrivato ai suoi modelli intuitivamente, sotto forma d'immagini. Numerose teorie della cosmologia moderna (superstringhe, wormholes, baby universi) non sono empiricamente sperimentabili e si basano unicamente su cognizioni matematiche e tendenze statistiche. Alcuni scienziati aspirano ad abbracciare una scienza più "artistica". Altri paragonano il futuro della fisica alla botanica: una vasta collezione di dati empirici tenuti insieme da teorie. Fatto sta, che la scienza dei nostri pregiudizi è terminata e un'altra scienza ha preso piede; meno riduttiva e polarizzante, che segue modelli binari ravvicinandosi alla biologia. Numerosi artisti, fra cui Ursula Berlot, David Claerbout, Attila Csórgó, Christoph Keller, Robert Kusmirowski, Tobias Putdh e Thomas Zipp presentati nella mostra SCI-ART, traggono ispirazione dalla scienza riuscendo a trasformare le idee astratte delle teorie scientifiche in esperienze sinestetiche che s'imprimono profondamente nella nostra mente. Alla luce delle teorie della relatività e della meccanica quantistica, non è più possibile separare il tempo dallo spazio, tanto meno mantenere una prospettiva lineare o cognizioni di tempo progressive sequenziali. David Claerbout riprende un momento di svago di una famiglia con più telecamere contemporaneamente. La scena, svolta in un attimo, è “osservata” da molteplici punti di vista che, mostrati in sequenza, necessariamente la dilatano nel tempo. Se viaggiassimo alla velocità della luce, percepiremmo la curvatura dello spazio tempo e vedremmo oltre l'oggetto, di fianco e dietro. Robert Kusmirowski ricostruisce in cartone oggetti appartenenti a epoche precedenti alla nostra, contraffacendone persino la patina. Ritardi, accelerazioni, reversibilità riportano a una concezione
ontologica piuttosto che lineare del tempo. Christoph Keller paragona lo scienziato classico a un fotografo che vede il mondo attraverso la lente, come fosse un osservatore esterno dallo sguardo obbiettivo, che non interferisce sullo scenario esaminato. Dal canto suo, ha modificato una macchina fotografica in modo che funzioni come uno scanner. La pellicola viene esposta tirandola davanti a una fessura che amplia la panoramica oltrepassando i 180" di un obbiettivo normale e libera il fotografo dalla prospettiva fissa e lineare di una concezione del mondo pre- relativistica. Ill risultato è un diagramma di movimento, dove gli oggetti che si muovono velocemente appaiono compressi, i lenti elongati.

GALLERIA ENRICO ASTUNI
Pietrasanta 55045 (Lu) - Piazza Duomo, 37 - tel. e fax 0584 7 I 760
M a r i n a d i Pietrasanta55045(Lu)-ViaSparta,54-te1.058420623-fax0584266014
www.galleriaastuni.com - e-mail: galleria.astuni@libero.it

GALLERIA ENRICO ASTUNI
Via Iacopo Barozzi 3
40126 Bologna
tel. +39 051 4211132
fax +39 051 4211242
info@galleriaastuni.it
www.galleriaastuni.com

Marche Centro d'Arte

Marche Centro d'Arte

con

Roberto Cicchinè - Daniele Duranti - Nardi e Scopetta - Rita Soccio

testi di

Stefania Palanca - Dario Ciferri

L'inaugurazione si terrà domenica 18 gennaio alle 18:00

La mostra termina il 14 febbraio

La Galleria Marconi è aperta tutti giorni dalle 16.00 alle 20.00, esclusa la domenica

Alla Galleria Marconi di Cupra Marittima proseguono gli appuntamenti della rassegna Gallerista sull'orlo di una crisi di nervi. Dopo la collettiva Dittici. Narrazioni fotografiche, che ha presentato i lavori di Marco Scozzaro, Fabio Mantovani e Kei Nagayoshi, domenica 18 Gennaio alle 18.00 si inaugura una collettiva che presenta i lavori di 4 artisti marchigiani: Roberto Cicchinè e Daniele Duranti, che saranno presentati da Stefania Palanca, e Nardi e Scopetta e Rita Soccio, che saranno presentati da Dario Ciferri.

La mostra rappresenta la prima tappa di un ciclo di tre mostre dedicate ai fermenti dell'arte marchigiana intitolato: Marche Centro d'Arte. Lo scopo di questa rassegna è mostrare la vivacità delle produzioni artistiche che ci sono nella regione, una regione in cui da sempre convivono pluralità e singolarità, a partire dallo stesso nome, Ogni artista ha una sua peculiarità che rende interessante il suo percorso di ricerca, una voce che unendosi alle altre che emergono dal territorio, da vita a un mosaico ricco vivo e vivace.

"Non è un percorso rettilineo quello che porta Roberto Cicchinè alla realizzazione del lavoro finito. Non c'è in lui la volontà di rendere, attraverso l'obiettivo fotografico, l'oggettività: essa è filtrata dalla sensibilità dell'artista che restituisce uno sguardo sulle cose e un taglio che sfuggono alla normale osservazione. Le storie che racconta sono provinciali, come provinciale – nell'accezione positiva di osservare con occhio curioso e sempre nuovo - è il suo modo di porsi di fronte ai propri soggetti. I protagonisti degli scatti non emergono per ciò che realmente e fisicamente sono, ma per il dettaglio che l'artista di loro vuole sottolineare.

Fissare un passaggio, fermare un momento, rendere tangibile l'irreale. Sono i frames cinematografici a rivivere nelle storie raccontate da Daniele Duranti, che porta sulla tela scene metropolitane. La sua volontà è quella di rendere realistico un mondo che prende corpo esclusivamente grazie all'artista che ne ferma un suo momento. Paesaggi urbani elaborati attraverso una moderna macchina da presa: l'occhio e la mano dell'artista, che colgono i frames, ci dispiegano quella che crediamo essere la realtà ma che poi si svela finzione, un'apparenza ingannevole, un poggiare su false certezze". (Stefania Palanca)

"Un intervento nello spazio che arriva a illudere le nostre sensazioni, Nardi e Scopetta prendono oggetti della quotidianità e ne estrapolano nuovi significati. Una pulizia di immagine che si esprime attraverso la struttura, una struttura dove le grandi dimensioni si accostano ai dettagli minuziosi, per dare forma a un gioco, che anche un soffio riesce ogni volta a rendere nuovo. Un gioco che risulta estremamente serio e in cui l'uomo entra pur essendone escluso, in una ricerca del paradosso che sembra quasi appesa a un filo.

Il brand pubblicitario, uno dei simboli chiave della società del benessere, esce dai suoi schemi e cerca di godere delle gioie di una vita reale. Lindo (Mastrolindo) e Stella (la signora del dado Star) fuggono dagli scaffali del supermercato e si innamorano al punto di decidere di mettere su una famiglia. Rita Soccio ci racconta la loro storia e la loro ricerca del sogno dell'uomo medio: una casettina romantica e, perché no, un pizzico di trasgressione. Con un po' di ironia si riflette sull'influsso della pubblicità nella nostra vita, invertendo le parti". (Dario Ciferri)

Gallerista sull'orlo di una crisi di nervi

Arriva il momento nella vita di un gallerista in cui decide di affidare una mostra al collaboratore più fidato, quello con cui condivide idee e aspettative, quello che al bisogno è in grado di sostituirlo anche nella corrispondenza (senza che tra l'altro nessuno se ne accorga). Tutto sembrerebbe perfetto, ma il cielo non sempre è azzurro come si potrebbe pensare e le nuvole sono sempre pronte a fare la loro comparsa.

Allo stress di una mostra, collaboratori di vario tipo aggiungono stress, ritardi, piccole/grandi inefficienze che un povero gallerista si trova a dover affrontare, perdendo i capelli e/o facendosi venire i capelli bianchi. Eccolo buttarsi su massicce dosi di tachipirina per affrontare l'immancabile febbre pre-mostra, mettersi ai fornelli per preparare pasti con innumerevoli portate e quantità capaci di sfamare interi reggimenti, eccolo infine perdere l'attimo atteso ogni giorno come la manna dal cielo: il riposino pomeridiano. Una vita dura fatta dalle piccole insoddisfazioni di ogni giorno e dalle grandi soddisfazioni di ogni mese.

Gallerista sull'orlo di una crisi di nervi è l'omaggio a quella cosa bellissima ed entusiasmante che è l'organizzazione di una mostra, cosa bellissima, ma anche snervante e stancante. Ecco che aumenta il numero delle sigarette fumate fuori dalla porta, ecco che i chiodi e le viti si accumulano sul pavimento. Poi si inaugura, si parla, si ride e il giorno dopo si pulisce. Questa è la "tragica" routine che accompagna la vita di un gallerista. Ma non bisogna dimenticare però la bellezza di una mostra, il piacere di una chiacchierata con gli amici, l'emozionarsi sempre nuovo che ripaga da ogni affanno. I rapporti umani, e non solo professionali, con artisti, critici e curatori, sono il vero collante dell'attività e il motore che rende sempre nuova la voglia di andare avanti.

Solo un grazie a chi ci permette di poter seguire ed apprezzare il mondo dell'arte nel suo continuo movimento.

scheda tecnica/technical card

testo critico/art critic by Dario Ciferri e Stefania Palanca

ufficio stampa/ press agent Dario Ciferri

traduzione di/translation by Patrizia Isidori

relazioni esterne e promozione delle attività/ external relationship and promotion of activities Stefania Palanca

fotografia/photography Marco Biancucci©

riprese video/video shooting Stefano Abbadini

allestimenti/preparation Marco Croci

progetto grafico/graphic project maicol e mirco

webmaster www.siscom.it

dal 18 gennaio al 14 febbraio

from 18^th january to 14th february

orario: lunedì-sabato dalle 16 alle 20

opening time: Mon-Sat 4 to 8 p.m.

Galleria Marconi di Franco Marconi
C.so Vittorio Emanuele, 70 63012
Cupra Marittima (AP)
tel 0735778703

e-mail galmarconi@siscom.it
web www.siscom.it/marconi

Dorothy Circus Gallery: amore al tempo del pop surrealismo

Il tema dell'amore, dell'erotismo, della passione, al centro delle
opere "pop surrealiste" degli artisti CONSUELO MURA, LOSTFISH,
BENJAMIN LACOMBE, KMIE CHAN

- Lei gli disse "Ti Amo", ma lui capì "Giochiamo" e corse nel
parco per trovare un nascondiglio. Lei scosse la testa, sbuffò
sorridendo e s'incamminò scalza.

Inaugurazione: venerdì 16 gennaio, ore 20.00

La mostra resterà aperta fino al 25 febbraio

(Dorothy Circus Gallery – Via Nuoro, 17 – Roma)

"Voglio un amore doloroso, lento,

che lento sia come una lenta morte,

e senza fine, voglio che più forte sia della morte

e senza mutamento"

(Gabriele D'Annunzio)

Libido narcisista

Con tanto di biglietto di ritorno.

Cosa farfugli di fusione e mistica?

Ochetta che s'impanca

L'amore è ciò che manca, è l'io che manca"

(Patrizia Valduga)

L'amore al tempo del pop surrealismo. E' quanto avviene alla Dorothy Circus Gallery che, dal 16 gennaio al 25 febbraio, apre le porte all'amore estremo, raccontato attraverso le opere degli artisti

CONSUELO MURA, LOSTFISH, BENJAMIN LACOMBE, KMIE CHAN.

Nei loro dipinti, gli amori di oggi: precari, incomprensibili, privati, spesso invisibili. Molteplici volti degli amori moderni, che hanno oltrepassato il limite delle buone maniere e del perbenismo, ribelli ma intrisi di spiritualità antica, nutriti di solitudine e di una passione che è droga della mente e dell'anima. Storie, dinamiche, giochi e loro protagonisti, al confine tra il sano e l'insano. Amanti non coniugati ma ugualmente congiunti. I sorrisi di quell'amore che trova la sua coscienza nell'erotismo dei malintesi, seguendo le tracce delle gioie come promesse dell'impossibile che prescinde dalle regole e sconfina nell'assurdo di un'intimità surreale, fatta di sesso e possesso, fusione e matrimonio dei sensi.

La mostra avrà inizio venerdì 16 gennaio, alle ore 20.00. Per i collezionisti è prevista una "preview reception" giovedì 15 gennaio, dalle ore 16.00.

Nel suo primo anno di attività, Dorothy Circus Gallery ha fatto conoscere in Italia le opere del Pop Surrealismo, illuminando i lati oscuri delle favole per adulti, riportando a galla nuove mitologie, capovolgendo e risuscitando il subconscio nostalgico.

Gli artisti in mostra

* Benjamin Lacombe è nato nel 1982 a Parigi, dove vive e lavora. Si è diplomato all'Ensad, scuola superiore nazionale di arti decorative.

* Lostfish è nata in Francia nel 1983. Nel 2007 ha iniziato la sua carriera d'illustratrice, lavorando come freelance e creando dipinti digitali con l'aiuto del computer.

* Kmye Chan è nata in Francia nel 1985. Autodidatta, fin da bambina è stata attratta dall'arte, dalla pittura e dal disegno in generale. Vive a Parigi dove si sta specializzando in biologia molecolare.

* Consuelo Mura è nata a Roma nel 1969. Unica italiana a esporre in Border Love. Di se stessa dice: "Mi interessano i particolari del corpo di donna, le gambe, i piedi, la bocca, ma anche gli oggetti che fanno da strumento di seduzione, come le scarpe...".

.....

Dorothy Circus Gallery è uno spazio romano dedicato al lowbrow e al pop surrealism, tra i più vitali ed emozionanti movimenti recenti dell'arte contemporanea. La galleria, ideata da Alexandra Mazzanti e Jonathan Pannacciò, è situata nel quartiere Pigneto nei pressi di un antico acquedotto romano, che nella sua classicità risulta la perfetta location per gli interni surreal-chic della superficie espositiva.

Dorothy Circus Gallery non è solamente una galleria d'arte, ma un punto d'incontro per appassionati e collezionisti in cerca di nuove proposte e realtà ben consolidate sul mercato dell'arte. Un vero e proprio spazio multiculturale che si propone di offrire una serie di mostre altamente selezionate e di valore istituzionale.

CONTATTI

LUOGO: DOROTHY CIRCUS GALLERY

DOVE: Via Nuoro, 17 - Roma

Tel.: +39 06 7021179

info@dorothycircusgallery.com
www.dorothycircusgallery.com

Ufficio Stampa

Rossana Tosto

Cell. +39 333 4044306

rossanatosto@gmail.com

QUANDO: dal 16 gennaio(ore 20) al 25 febbraio 2008.

ORARI: dal martedi' al sabato dalle 11 alle 20

INGRESSO: gratuito

Mostra NateriE, invito Roma sabato 10 gennaio 2009 dalle 10.00 alle 13.00

La Art & Communication presenta la mostra personale di NidEle: Nicola D'Emma e Elena Deligia dal titolo "NateriE" presso il salotto di Genti e Paesi in via Adda, 111, a Roma.

In mostra, oltre alle esposizioni di lavori individuali dei due artisti per la maggior parte incisioni con varie tecniche, verranno per la prima volta presentate al pubblico opere realizzate a quattro mani, frutto di un lavoro di coppia racchiuso sotto il nome di NidEle. Nato nel 2008 il gruppo opera alla ricerca di una forma d'arte partecipata, rivolta ai comuni fruitori dell'arte che tramite il loro interesse rendono vivo il rapporto con gli artisti. Unendo la video arte all'incisione, la performance alla fotografia, l'happening alla mail art, Nicola ed Elena lavorano nel costante obiettivo di raggiungere con lo spettatore una comunicazione non univoca.

Opera "legni e muffe" di Nicola d'Emma

Nicola D'Emma presenta un ciclo di opere grafiche dove differenti materiali della terra si fondono tra loro in un armonioso gioco di sfumature dalle calde tonalità. La mano dell'artista incide le matrici metalliche e plastiche senza tralasciare il minimo dettaglio, nella ricerca di un segno realistico ed allo stesso tempo misterioso.

Le opere di Elena Deligia sono il frutto di una lunga ricerca sul segno, che appare manifesto, o trasparente e nascosto tra le pieghe del foglio. La presenza dei materiali, utilizzati solo in fase di stampa, e mai incisi sulle matrici, conferisce all'opera un carattere volubile ed in continua trasformazione, come lo spirito dell'artista.

Opera "Doppio contatto" di Elena Deligia

Gli artisti hanno esposto in varie gallerie e musei italiani ed esteri tra i più importanti ricordiamo: Museo C.H.Andersen di Roma, Studio Morbiducci di Roma, Galleria 42 Contemporaneo di Modena, Museo Remondini di Bassano del Grappa ed Universität der Künste di Berlino.

Gli artisti saranno presenti per l'inaugurazione sabato 10 gennaio 2008 dalle ore 10.30 alle 13.00

"NateriE" dal 7 al 31 gennaio 2009

Sede mostra: Genti e Paesi

via Adda n.111 00198 Roma – tel+39 06/85301755

gentiepaesi@romeguide.it - www.gentiepaesi.it

mostra a cura di Art & Communication per informazioni:

Sveva Manfredi Zavaglia tel +39 347 8999369 - artecom.smz@libero.it

Giulietta Magni Verna tel +39 334 8834152 - artecom.gmv@libero.it