MOSTRA di MARIA MIRARCHI

Vernissage al Castelli

MARIA MIRARCHI

Mostra personale

CASTELLI GOURMET

Via Cerano 15 - Milano

venerdì 18 marzo 2016

19.00- 21.00 APERITIVO CON L’ARTISTA (€ 10)

Per chi desidera fermarsi con noi dopo le 21.00

CENA CON L’ARTISTA (MENU’ DEGUSTAZIONE € 20)

Per prenotazioni: Telefono 02 58109367 - info@castelligourmet.it

Castelli Gourmet - Via Cerano, 15 - 20144 Milano

MARIA MIRARCHI

Fra le pieghe di un’infanzia murata dalle regole centenarie della cultura contadina, Maria intravede nuovi orizzonti. I pensieri si arrampicano sui pali della luce e corrono lungo i fili spronati dalla corrente che anima aspettative incontenibili. La grafite della matita inizia a tracciare disegni di realtà alternative ben presto arricchiti dai colori ottenuti stemperando materiali naturali: petali di fiori e terre impastate con l’acqua.

Il giallo dei tramonti fa da sfondo a figure controluce sulla riva del mare con lo sguardo rivolto verso un futuro migliore.

La ricchezza della vita si circonda di eredi nella gioia domestica desiderata e cercata con tenace determinazione. Quando il destino sottrae il sorriso del figlio, i pennelli si affastellano in un angolo e le tempere seccano come gli occhi senza più lacrime. Dal profondo remoto del dolore rinasce pian piano la confidenza dei colori e dell’amore per regalare al mondo il respiro di una nuova emozione. E lo stupore della vita si dipana fra gli alterni umori in un cromatismo infinito di scenari interiori mai vinti, dove il segno costante è pura passione.

Roberto Agosti

Consegue il Diploma presso il Liceo Artistico di Catanzaro nel 1973 mentre a Milano, nel 1979, le viene attribuito il Diploma di Idoneità agli Studi Universitari. Si iscrive quindi all’Accademia delle Belle Arti di Brera dove frequenta la Scuola degli Artefici e, successivamente, passa al Politecnico di Milano: qui, conciliando studio e lavoro, si laurea in Architettura (1996).

   I suoi primi lavori -disegni a china- vengono pubblicati sulla dispensa “Il medio corso dell'Adda”, frutto di una ricerca di archeologia industriale per la Provincia di Milano. Gli stessi compaiono poi in due mostre, organizzate presso il Comune di Segrate ed il villaggio operaio di Crespi D'Adda, inserito dall’Unesco nel Patrimonio dell’Umanità. I disegni sono apparsi anche sulla rivista “Spazio e Società”.

   Ha collaborato, con alcune illustrazioni, ai Quaderni di informazione della Cooperativa Sociale “Cerchi d'acqua” e alla rivista “Tribù” del Politecnico. Nel frattempo prosegue un'intensa produzione di opere a china, matita e tempera ispirate al mondo contadino e ai paesaggi del Sud.

   Nel 2013 aderisce all’Associazione di Volontariato “Amici della Mente” che, in convenzione con l’ospedale Sacco di Milano, affronta il tema del disagio psichico. Un’esperienza che suggerisce nuovi spazi espressivi e la spinge ad organizzare, insieme allo psicoterapeuta Gabriele Catania, percorsi didattici orientati a far esprimere, attraverso l’arte, le emozioni legate ai vissuti più dolorosi. Con l'Associazione partecipa alla prima Rassegna di Arte Negletta dedicata alle vittime dell’esclusione sociale che sono riuscite a dare forma creativa alla propria sofferenza. Successivamente organizza il corso di pittura che culmina nella mostra “Espressione delle Emozioni” (2014).

   Attualmente è impegnata in un altro corso, denominato “Le pieghe delle emozioni” presso lo Spazio Alda Merini nella “Casa delle Artiste”. Partecipa anche al progetto per adolescenti “La mimica del volto” promosso dall’Associazione “Amici della Mente” e dal Dipartimento Salute Mentale dell'Ospedale Sacco di Milano che prevede un corso di formazione e una mostra conclusiva.

   Di recente ha esposto proprie opere in occasione di due esposizioni: “Il Segno” (Palazzo del Senato, Milano) e “Mediterraneo: un mare d’arte e cultura” (Centro Polifunzionale della cultura di Davoli – CZ). Ha realizzato, infine, lavori per il Convegno “Educazione, riabilitazione e cura con l’aiuto degli animali” (febbraio 2016) e per la Mostra “Matemartiamo: la matematica si fa arte” promossa dal Politecnico di Milano. Presso la Galleria Castelli Gourmet sempre nel capoluogo lombardo, è in programma la sua prima retrospettiva.

Punti di vista: tre artiste giapponesi a confronto / 29 marzo - 11 aprile/ Simultanea Spazi d'Arte/ Firenze

Simultanea Spazi d'Arte

Tsubasa Fukusaki /Mika Hoshi /Chihiro Taki

Punti di vista: tre artiste giapponesi a confronto

Dal 29 marzo all'11 aprile 2016     Opening martedì 29 marzo ore 17.30

Dal 29 marzo all'11 aprile Simultanea Spazi d'Arte, realtà curatoriale ideata e diretta da Roberta Fiorini e Daniela Pronestì, ospita la mostra Punti di vista: tre artiste giapponesi a confronto. Le opere di Tsubasa Fukusaki, Mika Hoshi e Chihiro Taki invitano ad un percorso nell'arte contemporanea giapponese, a cui si uniscono contaminazioni tecniche ed espressive dovute ai contatti delle tre artiste con l'arte europea e in particolare con quella italiana. Diverse per stile e per formazione, Mika, Chihiro e Tsubasa hanno in comune un periodo di studio a Firenze che ha permesso loro di approfondire la conoscenza della pittura italiana. Il risultato di questa contaminazione tra culture sono opere che legano ad una visione tipicamente nipponica del mondo naturale e della figura umana una sensibilità pittorica e disegnativa che dialoga  con i grandi esempi dell'arte occidentale.

Nei disegni di Tsubasa Fukusaki, giovane artista iscritta all'Accademia di Belle Arti di Firenze, il regno animale offre lo spunto per trascrivere in chiave fantastica il tema naturalistico. I suoi animali possono dirsi ibridi nati da strani esperimenti: conigli con le ali, orsi maculati come ghepardi, gatti vestiti come bambole da salotto. Combinazioni visionarie che nascondono dietro un sorriso velato d'ironia una riflessione sul rapporto tra naturale e artificiale nel nostro tempo: la tecnologia non si limita più solo a perfezionare la natura, ma addirittura a sostituirla, riproducendo artificialmente i suoi prodotti. E' così che il mondo naturale, brutalmente sfruttato dall'uomo, perde la sua sacralità e divinizzazione. I dipinti di Miha Hoshi, realizzati su carta giapponese o su tela, evocano visioni e atmosfere ispirate ad un concetto ben radicato nella cultura nipponica, il "wabi sabi". Un principio estetico secondo cui la bellezza non è ciò che permane nello spazio e nel tempo o ciò che risponde ad un'ideale di perfezione e d'immutabilità della forma come in Occidente, ma è una condizione inscritta nel naturale evolversi dei fenomeni naturali, nel passaggio del tempo e nei suoi effetti sull'uomo e sulla natura. Come spiega l'artista, il significato del "wabi sabi" è racchiuso nei fiori di ciliegio che raggiungono il massimo della loro bellezza al momento della piena fioritura, il quale però coincide anche con l'inizio della loro caduta. In altre parole, la bellezza si esprime non a prescindere ma in funzione della sua caducità, che la lega al tempo in un perenne alternarsi di morte e rinascita. Un concetto reso con immagini di straordinaria forza evocativa che vanno dal paesaggio naturale alla figura umana per comunicare un'idea di bellezza che si regge sulla complementarietà degli opposti: staticità e movimento, perfezione ed imperfezione, attimo ed eterno, ombra e luce. Un equilibrio raggiunto sia sul piano compositivo che su quello cromatico, spaziando dalla tempera grassa, tecnica appresa dall'artista durante i suoi studi fiorentini, alla foglia d'argento applicata su tela. Chihiro Taki, anche lei studentessa all'Accademia di Belle Arti di Firenze, espone un ciclo di disegni ispirati al mondo della natura e alcune installazioni realizzate in legno dipinto. Nelle opere disegnate, il soggetto si sviluppa senza soluzione di continuità da un foglio ad un altro per immortalare i movimenti di una figura che corre o di un insetto che vola. Una continuità che coinvolge anche lo spazio bianco del foglio, ponendolo come una dimensione generativa da cui nascono idea, azione e segno. Le opere sono accompagnate da un video che "anima" i disegni montandoli in successione veloce, proprio come i fotogrammi di un cartone animato (anime) giapponese. Per quanto riguarda le installazioni, si va dal recupero di un mobile d'epoca che l'artista ha trasformato in un piccolo "teatro" popolato di figure ad un'opera interattiva che riconosce la presenza dell'osservatore grazie alla presenza di un sensore.  

Simultanea Spazi d'Arte    

Spazio curatoriale, Ass. artistico - culturale

via San Zanobi 45 rosso, Firenze –

Orari di apertura dal lunedì al venersì 16.00-19.00

Fb: Simultanea Spazi d'Arte e Simultanea Spazi d'Arte (Official English and Spanish)

Twitter: arte@simultanea

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Fino al 21/03 Romaest ospiterà "Siamo la Roma", per festeggiare la squadra giallorossa. DOMANI presenti due giocatori della A. S. Roma, mentre il 18/03 arriva il pullman ufficiale

Fino al 21 marzo Romaest ospiterà
"Siamo la Roma", eventi, spettacoli e tante iniziative per festeggiare la squadra giallorossa
 
Per la prima volta in mostra tutte le figurine Panini dedicate al Capitano Francesco Totti.

Un mese ricco di appuntamenti da non perdere a Romaest per i tifosi della As Roma. Fino 21 marzo il Centro Commerciale di Via Collatina, 858, ospiterà 'Siamo la Roma', manifestazione organizzata dalla G.e.co Animation.

Tra gli eventi principali, il 17 marzo, alle ore 17:00 circa, due giocatori della A.S. Roma saranno ospiti di Romaest e giocheranno al calcio biliardo allestito nel Centro Commerciale.

Previsto anche l'arrivo a Romaest del pullman della As Roma, che i tifosi più appassionati potranno visitare il 18 marzo dalle 16:00 alle 20:00; il 19 marzo dalle 10:00 alle 14:00 e il 20 marzo dalle 10:00 alle 20:00. Per prenotare la visita sul pullman basterà presentarsi al desk fronte As Roma Store (secondo piano, ingresso sud) con la Welcome Card e uno scontrino.

Il 21 alle ore 16,30 sarà la volta della Roma Primavera.

E le iniziative non finiscono qui: al secondo piano, ingresso sud, fino al 21 marzo, è possibile visitare la mostra di figurine Panini dedicata al capitano della Roma, Francesco Totti. 

Per la prima volta la Panini ha fornito tutte le figurine originali, che ripercorrono la carriera del Capitano, per la mostra sono state riprodotte  nel formato 40 x 63. Sarà possibile, inoltre, ricevere gadget e scambiare figurine.

Fino al 21 marzo (secondo piano, ingresso nord) sarà, inoltre, aperta al pubblico anche la mostra 'Vecchi Glorie', una galleria dei giocatori che hanno reso grande la As Roma.

Per i più sportivi sarà possibile giocare al calcio biliardo con Snookball (Lun - Ven 16:00 - 20:00 Sab - Dom 10:30 - 13:30; 15:30 - 19:30, primo piano, ingresso nord). Prevista anche un Area tecnica per gare di tiri di precisione, potenza e foot bowling e il Subbuteo con tornei e gare di abilità (secondo piano, ingresso nord).

Per i tifosi anche un divertente Face in Hole, nella quale mettendo la faccia potranno fotografarsi gratuitamente vicino ai propri beniamini.

Infine nei  giorni 27/ 28 febbraio, 5/6/12/13/19/20 marzo la mascotte Romolo della As Roma sarà disponibile per una foto ricordo.

Romaest:  GRA uscita 14 - 15 - Autostrada A24 uscita Ponte di Nona - Roma Lunghezza

A PLACE TO BE | LATO 2016 | FUTURE IN MY MIND - Enrico Vezzi

FUTURE IN MY MIND Enrico Vezzi 19 marzo – 6 maggio 19 march – 6 may inaugurazione | opening  19 marzo 2016 h. 19.00 ph: Luca Gambacorti Abito-Habitus secondo l'etimologia è prima di tutto un modo d'essere, una disposizione d'animo, secondariamente vale come vestimento; dunque quanto ci è necessario contro i fattori esterni ma anche un'affermazione d'identità che può divenire motivo di avvicinamento o di separazione. Si tratta allora di una possibilità e di una responsabilità insieme; spogliarsi di qualcosa e restare con minore difesa è condizione per penetrare dentro al reale in modo vivo, con il proprio presente, e per porsi in apertura verso gli altri. Ci possono essere molti punti d'osservazione per Future in my mind, poiché vi hanno concorso vari elementi seguendo una processualità costante; intuizioni, scoperte, casualità, scambi, riferimenti, idee a gravitare lungo un'orbita non prestabilita fino a che, al momento giusto, tutto ha assunto una forma che si è avvertita come giusta. In riferimento al ciclo a cui appartiene e che essa stessa ha contribuito a determinare, si può ritenere il progetto di Enrico Vezzi come un percorso che da un'orizzonte utopico, attraverso spostamenti progressivi denotati da condivisione e collaborazione, conduce a una possibilità concreta d'intervento nel reale. Inhabit-Habitus according to the etymology is first of all a way of being, a soul disposition. Secondly it might be used as a way of clothing; therefore how much we need it against external factors, but also as an affirmation of identity that might turn up a reason of approach or separation. Then we are dealing not only with a possibility but also a responsibility; being exposed to something and lowering the veil of defense is a condition to penetrate inside the reality in an active way, through our present, and introduce ourselves more openly to others.  There may be many observation viewpoints for Future in my mind, since a variety of elements following a constant process like: intuition, discoveries, casualty, exchange, reference, ideas lead to an orbit a place not yet established until everything has taken shape at the right moment, that has been perceived as just (fair/right). In reference to the cycle that it belongs and has contributed to determine it, we may consider the project of Enrico Vezzi as a path (itinerary) that leads to a utopic horizon, through progressive movement denoted from sharing and collaboration that brings to a concrete possibility of intervention in reality.

a cura di | edited by Matteo Innocenti in collaborazione con |  in collaboration with Luca Gambacorti  In prospettiva differente potremmo provare a compilare una storia dell'arte come storia dei luoghi. Ogni opera ha necessitato di uno spazio – spazio di creazione e spazio di osservazione; la dimensione di accoglimento non è soltanto testimone di un artista e del suo stile, ma di esigenze più ampie: del costruire che ad essa stessa ha dato forma, delle persone che l'attraversano e di chi vi risiede, del pensiero e dell'organizzazione sociale di un periodo, dei modi in cui si è deciso di formare e di abitare il mondo. Considerare un luogo in tutte le sue componenti e per tutte le sue condivisioni è assumere un'ottica di responsabilità. L'area disponibile a contenere ogni cosa indistintamente, pur in una sua apparente utilità finisce per rivelare i meccanismi di una mediocre cognizione - anche la situazione più sterile resta in vita solo per le esperienze umane che vi avvengono. A PLACE TO BE è un ciclo composto da progetti d'artista con riferimento allo spazio architettonico, appositi per Lato, sviluppati nel corso del 2016. Differenti ricerche e punti di vista che si rapportano al luogo non quale contenitore ma in termini d'identità, per farne emergere i caratteri specifici. Un approccio differente d'esposizione come incontro con una storia già avviata e alla cui continuazione s'intende partecipare, per la coscienza che ogni nuovo atto, ogni nuova opera, da individuo a individuo, è un contributo alla definizione della realtà. Il primo progetto è FUTURE IN MY MIND di Enrico Vezzi. LATO è studio di architettura e spazio espositivo fondato da Luca Gambacorti nel 2006 con il recupero di un ex fabbricato industriale all'interno della cerchia muraria di Prato; oltre l'attività professionale il fine è di avviare e consolidare collaborazioni tra le varie dimensioni territoriali legate in vario modo alla cultura. A PLACE TO BE è in relazione al decennale dalla fondazione. In a different prospective we can try to write an art history like a history of places. Every artwork needs a space - a space to be created and a space of observation; the dimension of recognition is not only a testimonial of the artist and his style, but of greater needs: of construction that itself has given shape, of people that cross it and reside it, of thinking and of social organization during a period, of ways in which has been decided to create and live in the world. Considering a space with all its components and sharings is assuming things with a responsible outlook. The available space that may contain any vague object/thing, also if we consider its visible function, ends up revealing mechanisms of a mediocre awareness (knowledge/cognition) - even the purest situations remain alive thanks to human experiences that  take place. A PLACE TO BE is a cycle composed from three artists projects referring to the architectural space, suitable for Lato, developed during 2016. Different researches and points of view that are associated with the place, not on the physical level (where the artworks are placed), but on identity terms; so that specific characters may emerge. A different approach of exhibiting as an encounter of a story already going on and that we continuously intend to participate, with the conscious that any new act, any new artwork, from individual to individual, is a contribution of defining the reality. The first project is FUTURE IN MY MIND  of Enrico Vezzi LATO  is an architecture studio and exposition space founded by Luca Gambacorti in 2006 recovering an ex industrial building inside the city walls of Prato. Besides the professional activity the objective is to keep going and consolidating collaborations from various territorial dimensions linked in different ways with the culture. A PLACE TO BE is in relation to the tenth anniversary from its foundation.

Piazza San Marco 13 59100 Prato Tel: 0574071696  Fax: 0574070041 info@lato.co.it www.lato.co.it orari mostra: dal lunedì al venerdì 10.00_13.00 | 15.00_19.00 ingresso gratuito opening hours: Monday to Friday 10.00_13.00 | 15.00_19.00 free entry

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GRANDE MOSTRA > I Macchiaioli. Le collezioni svelate > Chiostro del Bramante, Roma > 16 marzo - 4 settembre 2016

I Macchiaioli. 

Le collezioni svelate

16 marzo – 4 settembre 2016

Chiostro  del Bramante, Roma

Cristiano Banti, Ritratto della figlia Alaide. Olio su tavoletta, 30x42 cm. Collezione privata

La mostra I Macchiaioli. Le collezioni svelate apre al Chiostro del Bramante di Roma dal 16 marzo e ha il pregio di presentare al pubblico per la prima volta importanti dipinti dei Macchiaioli e non solo, collocandoli nel contesto delle antiche collezioni che in origine li ospitarono.
Le opere che appartenevano a grandi collezioni del passato - come quella di Cristiano Banti, Diego Martelli, Rinaldo Carnielo, Edoardo Bruno, Gustavo Sforni, Mario Galli, Enrico Checcucci, Camillo Giussani, Mario Borgiotti - oggi sono confluite per lo più in collezioni private e rappresentano un nucleo inedito del più importante movimento pittorico italiano del XIX Secolo.

In mostra oltre 110 opere che rappresentano la punta di diamante di ricchissime raccolte di grandi mecenati dell'epoca, personaggi di straordinario interesse, accomunati dalla passione per la pittura, imprenditori e uomini d'affari innamorati della bellezza, senza i quali oggi non avremmo potuto ammirare questi capolavori. Talvolta donate dagli autori stessi e più spesso acquistate per sostenere gli amici pittori in difficili momenti, queste opere - in grado di assecondare il piacere estetico e arricchire le più grandi quadrerie - sono diventate capolavori ricercati anche dai grandi intenditori d'arte dei nostri giorni.

In un percorso di 9 sezioni - ciascuna intitolata alla collezione di provenienza - il visitatore ha la possibilità di scoprire i Macchiaioli, il movimento pittorico  più importante dell'Ottocento italiano e il clima storico che fa da sfondo alla vicenda di questi artisti, oltre ai temi, ai contenuti e ai personaggi  di questo rivoluzionario movimento: si potranno ammirare opere quali Il Ponte Vecchio a Firenze (1878 ca.) di Telemaco Signorini - fortunosamente recuperato da Borgiotti sul mercato inglese: un capolavoro non più visto da decenni -, Il giubbetto rosso (1895) di Federico Zandomeneghi, Marcatura dei cavalli in Maremma (1887) e Ciociara (Ritratto di Amalia Nollemberg) del 1881 ca. di Giovanni Fattori, Place de la Concorde (1875) e Campo di neve (1880 ca.) di Giuseppe De Nittis, accanto al Ritratto di Alaide Banti in giardino  (1875 ca.) di Cristiano Banti, Cucitrici di camicie rosse (1863) di Odoardo Borrani, Sforni in veranda che legge (1914 ca.) e il Ritratto della moglie Isa (1902 ca.) di Oscar Ghiglia.
In mostra, dunque, anche opere a cavallo tra Ottocento e Novecento che raccontano come le conquiste formali e concettuali dei Macchiaioli furono recepite e sviluppate dalle successive generazioni di pittori.

Con il Patrocinio dell'Assessorato Cultura e Turismo del Comune di Roma, la mostra I Macchiaioli. Le collezioni svelate curata da Francesca Dini è prodotta e organizzata da Dart - Chiostro del Bramante e Arthemisia Group.

La mostra vede come sponsor Generali Italia. L'evento è consigliato da Sky Arte HD.
Il catalogo è edito da Skira.

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Informazioni e prenotazioni
T. +39 06 916508451

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YOUTH CODES in mostra alla galleria Matèria, Roma

YOUTH CODES

18.03.2016 – 28.04.2016

a cura di Gianpaolo Arena e Niccolò Fano

K A R E N K N O R R & O L I V I E R R I C H O N
P U N K S
ANDREAS WEINAND
COLOSSAL Y O U T H

VERNISSAGE
18.03.2016 – 19:00


La galleria Matèria è lieta di presentare la mostra Youth Codes, a cura di Gianpaolo Arena e Niccolò Fano, che inaugurerà negli spazi di via Tiburtina 149, a Roma, il prossimo 18 marzo alle ore 19:00.

"Siate infantili, siate irresponsabili, siate ogni cosa questa società detesta".

Con queste parole fomentava la rivolta Malcolm McLaren, il grande manovratore e carismatico agitatore dell'adrenalinica avventura del movimento inglese, nonché manager dei mitici Sex Pistols che proprio nel 1976 pubblicano il loro primo singolo "Anarchy in the UK". E mentre il punk imponeva la riaffermazione dell'adolescenza all'interno della cultura, declinata in rabbia distruttiva, in frustrazione, in disincanto, il suo punto di esplosione ha coinciso con quel momento della storia della musica uguale a nessun altro: arrabbiato, ribelle, rumoroso, geniale.

L'esposizione si compone di due corpus d'immagini che, a distanza di dieci anni l'uno dall'altro, rappresentano le radici e gli sviluppi del fenomeno controculturale e la storia dei suoi giovani protagonisti.

Nella prima serie: Punks, raccolta nel libro pubblicato da Gost Book nel 2014, Karen Knorr eOlivier Richon hanno documentato la scena punk londinese emergente attorno agli storici clubs Roxy di Covent Garden e Global Village di Charing Cross tra il 1976 e il 1977, seguendo un approccio talvolta più formale rispetto ad altri lavori dedicati alla cultura punk, con l'intento di evidenziarne i simboli e renderla così più leggibile. Per questo le immagini sembrano più intime e dirette, quasi un assaggio di un mondo ancora clandestino con i propri codici di comportamento e di appartenenza.

Gli autori, ancora studenti presso il Polytechnic of Central London (oggi Università di Westminster) all'epoca degli scatti, condividono il loro fascino per le sottoculture fiorenti della città e cercano un confronto diretto con i soggetti ritratti, affermando dichiaratamente la loro presenza con un approccio esplicito e formale, non celato, dove ambientazioni statiche e pose ricercate sono gelate in un infinito istante dall'uso del flash.

Oltre alle più note eroine della scena musicale come Ari Up, Laura Logic, Palmolive, Poly Styrene e Siouxsie Sioux, i soggetti ritratti sono giovani comuni, fans, frequentatori di concerti e sale da ballo, individui annoiati o aggressivi, figure irriverenti e furfanti dickensiani, protagonisti forti e vulnerabili nello stesso tempo, annichiliti o sfrontati.

Le stampe originali in bianco e nero, inizialmente presentate alla Photographers' Gallery di Londra nel 1978 sono state esposte nel 2012, nella retrospettiva Another London presso la Tate Britain.

La serie Colossal Youth del fotografo tedesco Andreas Weinand, nativo di Rheine in Westphalia, appartiene invece al decennio successivo. Nelle straordinarie immagini che compongono la serie, siamo investiti e attratti da un rapido susseguirsi di suoni, colori, oggetti, azioni che colpiscono vivamente i sensi e la fantasia.

Uno studio sul lato profondo della ribellione adolescenziale ambientato a Essen (Germania), tra il 1988-1990. I giovani, ritratti con onestà e schiettezza, esprimono rabbia, gioia, abbandono, trasporto, rassegnazione e sono colti nei rituali di gruppo mentre festeggiano, litigano, bevono, dormono, si innamorano, fino a diventare madri e padri pure loro, come Melanie e Günther per la piccola Fee. Immagini intime, colte in stanze disordinate e sporche o in paesaggi aperti e puri. Weinand, con lo sguardo di un osservatore esterno, attraverso un lungo percorso di avvicinamento empatico con i soggetti, coglie il lato antropologico e comunitario delle situazioni. In modo diaristico, con uno stile e una forma estetici ed espressivi, l'autore rivela e svela i codici autodistruttivi, dissacratori, effimeri rivelatori di stati esistenziali transitori, irrequieti, impulsivi, trasmettendo l'eccitazione incendiaria e profetica di giovani liberi e vitali, la labile speranza della visione, l'esplorazione febbrile e nevrotica dei sensi e l'eccesso nella scoperte e il desiderio incerto di (un) domani. Tutte le immagini sono state pubblicate nella monografia Colossal Youthda Peperoni Books, nel 2011.

La mostra YOUTH CODES sarà visitabile fino al 28 aprile 2016, dal martedì al sabato, dalle 11:00 alle 19:00.


Per informazioni: contact@materiagallery.com
Website: www.materiagallery.com


BIOGRAFIE AUTORI

Nata a Francoforte sul Meno, in Germania, e cresciuta a San Juan, Porto Rico, nel 1960, Karen Knorr ha studiato presso l'Università di Westminster di Londra, dove ha sviluppato la sua ricerca fotografica, che s'inserisce nel campo degli studi culturali e delle teorie cinematografiche concernenti le "politiche della rappresentazione" relative alle correnti emerse durante la fine del 1970 e l'inizio degli anni'80. Il lavoro di Karen si sviluppa attraverso un dialogo critico e giocoso con la fotografia documentaria, utilizzando diverse strategie visive e testuali per esplorare la materia scelta che spazia dalla famiglia agli stili di vita, fino all'interesse per gli animali e la loro rappresentazione nel contesto museale. Karen ha insegnato, esposto le sue opere e tenuto conferenze a livello internazionale, nonché presso la Tate Britain, la Tate Modern, l'Università di Westminster, la Goldsmith University, Harvard e The Art Institute of Chicago. Attualmente è docente di Fotografia presso l'Università per le Arti Creative a Farnham, Surrey.

www.karenknorr.com


Olivier Richon è nato a Losanna, in Svizzera, nel 1956. Ha studiato al Politecnico di Londra, dove ha collaborato con Karen Knorr per la serie Punks. La sua pratica fotografica e la sua produzione bibliografica propongono un'indagine e, al contempo, una celebrazione dell'artificio delle rappresentazioni, tra cui una nuova interpretazione del genere della natura morta e una riflessione sull'oggetto come segno. Utilizza una fotocamera di grande formato per citare altri generi e altre immagini, anche usando gli animali come tema ricorrente che integra all'immobilità degli oggetti. La sua pratica fotografica si trova all'interno di una nozione contemporanea di allegoria che considera le immagini come uno script e un rebus, dove il significato e segni sono stratificati. Richon ha collaborato con l'École nationale supérieure des Arts Décoratifs, il gruppo di ricerca Finzioni e Interazioni presso la Sorbonne di Parigi, l'Art Institute di Chicago, la Braunschweig Kunsthochschule, la Fondazione Fotografia di Modena ed è stato curatore per l'edizione 2012 dei Rencontres d'Arles. Ha insegnato studi fotografici presso la Scuola d'Arte Derby e presso l'Università di Westminster; è attualmente direttore del dipartimento di fotografia al Royal College of Art di Londra.

http://www.rca.ac.uk/more/staff/professor-olivier-richon/


Andreas Weinand, nato nel 1958 nel Reno/Westfalia, è un fotografo con base a Berlino. Ha studiato fotografia all'Università GHS di Essen (Folkwang). La sua fotografia è innanzitutto impegnata nella ricerca di identità personali. Per 30 anni Andreas Weinand ha sviluppato la sua ricerca artistico-documentaria in equilibrio fra commissioni e produzioni indipendenti nei contesti dei media e dell'arte. Il suo lavoro è in relazione con la questione dell'individualità dell'essere umano ed esplora la connessione tra le personalità individuali e la società in cui si trova a confrontarsi. I progetti fotografici di Weinand sono stati esposti in numerosi musei e gallerie, quali: Brandts Museet for Fotokunst (Odense, Danimarca), Contretype (Bruxelles, Belgio), Gallery 44 (Toronto, Canada), Gallery Fotoimage (San Pietroburgo, Russia), Museum für Photographie (Braunschweig, Germania). Il suo lavoro è presente in importanti collezioni pubbliche, tra cui: Archivio Bauhaus in Germania, Brandts Museet for Fotokunst in Danimarca; Contretype in Belgio, Ruhr Museum e Folkwang Museum,sempre in Germania, a Essen. Oltre alla fotografia artistica, Weinand ha realizzato diversi progetti su commissione con istituzioni, aziende e magazine. Il suo lavoro è confluito in diverse pubblicazioni, tra cui: The Good Earth(Peperoni Books,2013), Colossal Youth, (Peperoni Books, 2011), Stadt Land Mensch (KuK Monschau, 2009).

www.andreasweinand.de


Via Tiburtina 149, Roma – www.materiagallery.com




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Ragusa - “Apollo e Dafne”, opere di Giovanni Robustelli in mostra nella Galleria Soquadro

Ragusa, 15/3/2016


"Apollo e Dafne", opere di Giovanni Robustelli in mostra nella Galleria Soquadro

Dal 19 marzo al 9 aprile la Galleria Soquadro in via Napoleone Colajanni 9 ospiterà una mostra personale di Giovanni Robustelli dal titolo "Apollo e Dafne" a cura di Susanna Occhipinti e Giuseppe Lo Magno (vernissage sabato 19 ore 19.00; visite: da lunedì a sabato, ore 9.30-13.00 e 16.30-20.00). La mostra è organizzata in collaborazione con la Galleria Lo Magno di Modica.
L'artista rilegge il mito eterno di Apollo e Dafne che ha attraversato la storia dell'arte occidentale dall'antichità ai nostri giorni, affascinando e ispirando poeti, pittori e scultori. I temi dell'amore non corrisposto e irraggiungibile per il dio greco, la metamorfosi finale della ninfa in fronde e foglie di alloro, l'universo di simboli e significati sottesi all'alchimia degli opposti (odio - amore, uomo - dio, sostanza-cambiamento) trovano nei suoi acquerelli un equilibrio compositivo di forme e colori, di levità e materia, di creatività e tradizione.

«Robustelli - scrive Anna Terranova nel testo critico della mostra - sceglie la fuga, disperata per entrambi, per la preda e per il cacciatore, e l'affida quasi totalmente all'acquarello. Non c'è una narrazione degli eventi quanto momenti diversi della corsa trafelata, dei pensieri che si sprigionano dalle teste dei due e che si trasformano a loro volta in altro, inebriando e colorando i luoghi che Apollo e Dafne attraversano. Da quelle bocche aperte sentiamo urlare parole d'amore dell'uno e di paura dell'altra, oltre al respiro affannoso della corsa: è l'azione, emotiva e fisica, che li avvolge, li travolge, li trasforma perché, trafitti entrambi dalla freccia, mutano sempre, anche da fermi, sciogliendosi in emozioni».

Giovanni Robustelli (Vittoria, 1980) pittore, illustratore, sperimentatore, si è formato artisticamente a Comiso e a Genova, collaborando con gallerie d'arte, curatori e critici tra la città della Lanterna e Milano. Tra le sue mostre più recenti, l'omaggio a Carmelo Bene ("Il più cretino", Modica, 2015) e la rilettura della Medea di Pasolini ("Il sogno di Medea",Napoli 2015).


Info e contatti
Galleria d'arte Soquadro
Via Napoleone Colajanni 9, Ragusa
cell: 339 384 9867
mail: soquadroragusa@gmail.com
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