Villetta Royal ospita la “Mostra mercato di fine estate”: primo weekend di ottobre con l’artigianato messinese

Il meglio dell'artigianato artistico messinese torna nel capoluogo, nel weekend del 5 e 6 ottobre prossimi, dopo la parentesi estiva che lo ha visto protagonista nelle località balneari della provincia. Tra queste Saponara – sotto le insegne di "Mare Arte" – e Oliveri. "Mostra mercato di fine estate – Gli artigiani in Villa", il titolo della rassegna che avrà luogo sabato e domenica dalle 9 alle 21, in via Natoli, nella Villa Salvatore Quasimodo, conosciuta ai più come Villetta Royal. 

 

Proprio questa location, attrezzata per ospitare le famiglie e gestita con grande cura e dedizione da Angelo Calarese, ha già ospitato, alla fine dello scorso giugno, la quarta mostra estemporanea di pittura "I colori della Sicilia", a cura dell'associazione culturale "Studio d'arte L'étoile", presieduta dalla nota pittrice messinese Titti Crisafulli.

Un ideale passaggio di testimone, quindi, che porterà ancora una volta alla ribalta la manualità, l'estro degli artigiani locali, abili nel découpage, nell'uncinetto, nell'intaglio del legno, nella pittura con la sabbia, sempre all'insegna dell'handmade. La novità sarà costituita dalla presenza di maestri vetrai rinomati in tutto il territorio.

E, per un ciclo che si chiude, un altro se ne apre: la "Mostra mercato di fine estate", infatti, altro non è che il preludio alle future iniziative degli artigiani nostrani che faranno registrare il clou durante le festività natalizie.

Messina, 28 settembre 2013

BUSTE DIPINTE 2013 | Milano, Spazio Oberdan | 4-11 ottobre 2013

BUSTE DIPINTE 2013

 Spazio Oberdan della Provincia di Milano

4-11 ottobre 2013

inaugurazione venerdì 4 ottobre, ore 17.30

 

Festival delle Lettere, Teatro dal Verme, Milano

domenica 6 ottobre 2013, ore 15.30

 

Il 4 ottobre prende il via una nuova edizione di Buste Dipinte, progetto nato e cresciuto in seno al Festival delle Lettere, la prima manifestazione italiana dedicata alla scrittura in carta, penna e francobollo che ha visto giungere nel tempo oltre dodicimila lettere.

 

Ogni anno in occasione di questa consolidata e apprezzata kermesse alcuni artisti sono invitati a trasformare una busta siglata con il timbro del Festival in un'opera d'arte. C'è chi ne ha fatto una scultura o chi ci ha giocato fino a creare un'installazione. Qualcuno l'ha aperta, altri l'hanno sigillata per sempre. E poi, certo, è stata dipinta, disegnata, scritta e messa alla prova, sognata e immaginata. Sempre e comunque donata. Perché per questo nascono le Buste Dipinte. La solidarietà è infatti nel DNA di questo Festival e sicuramente in quello dei tanti artisti – giovani emergenti e maestri dell'arte contemporanea – che da anni aderiscono a questo bellissimo progetto ispirandosi allo stesso tema sul quale si misurano i partecipanti al concorso epistolare. Tutte le Buste Dipinte sono offerte al prezzo simbolico di 500 euro e i ricavati sono devoluti di volta in volta a un'associazione diversa.

 

Quest'anno i ricavati della vendita di Buste Dipinte andranno a sostegno della campagna "InDifesa" per la protezione delle bambine e delle ragazze nel mondo, promossa da Terre des Hommes, organizzazione da 50 anni impegnata nella tutela dei diritti dell'infanzia con 840 progetti in 64 nazioni.

 

Nelle edizioni passate il Festival delle Lettere con il progetto Buste Dipinte ha potuto aiutare Emergency, l'AVSI per l'ospedale St. Kizito a Lagos in Nigeria, l'Associazione Gli Amici di Luca di Bologna per il progetto La Casa dei Risvegli, l'Associazione Il Focolare di Trieste che opera con i bambini in affido, la Fondazione aiutare i bambini, la CBM Italia Onlus e l'Associazione Banco Alimentare della Lombardia "Danilo Fossati".

 

Gli artisti dell'edizione 2013 di Buste Dipinte:

 

Massimo Caccia, Maurizio Cariati, Anna Paola Cibin, Luciano Civettini, Davide Corona, Massimo Dalla Pola, Domenico Dell'Osso, Maura Di Giulio, Debora Garritani, Alberto Gianfreda, Isabella Nazzarri, Giada Negri, Patrizia Novello, Sergio Padovani, Zeno Peduzzi, Ludmilla Radchenko, Elena Redaelli, Michael Rotondi, Franco Sacchetti, Aldo Sergio, Milena Sgambato, Marco Massimo Verzasconi e Nicola Villa. 

 

Buste Dipinte

a cura di Luisa Castellini, Donatella Rocca, Claudia Amato

4-11 ottobre 2013

Spazio Oberdan della Provincia di Milano, Viale Vittorio Veneto 2

Inaugurazione venerdì 4 ottobre 2013, ore 17.30

Orari: lunedì,10-19; martedì-domenica,10-22

Ingresso libero

www.bustedipinte.it

Info: Ufficio Stampa Antea - anteapress@gmail.com

 

 

Festival delle Lettere

Teatro dal Verme

Via San Giovanni sul Muro 2, Milano

6 ottobre 2013, ore 16

Inaugurazione mostra Buste Dipinte, ore 15.30

www.festivaldellelettere.it

Info: Ufficio stampa Festival delle Lettere - giulia.francioni@festivaldellelettere.it

tel. 02 27204975

Terre des Hommes

Rossella Panuzzo

Ufficio Stampa

tel. 02 28970418

ufficiostampa@tdhitaly.org

www.terredeshommes.it

 

 

 

 

Personale di Giannino Ferlin presso Made4Art di Milano

Giannino Ferlin - My Time

M4A - MADE4ART, Milano

Apertura giornata AMACI sabato 5 ottobre, cocktail ore 18.00

5-14 ottobre 2013

Lo spazio MADE4ART di Milano partecipa alla Nona edizione della Giornata del Contemporaneo organizzata da AMACI - Associazione dei Musei d'Arte Contemporanea Italiani con una personale di Giannino Ferlin (Trecenta - Rovigo, 1951) presentando una selezione di lavori appartenenti alla serie "My Time".

I lavori di Giannino Ferlin, caratterizzati da un segno rigoroso ed essenziale e da una presenza di colore ridotta al minimo, sono rappresentazioni mentali della condizione umana dove l'individuo, nella costante ricerca e conquista della propria autodeterminazione, si trova di volta in volta a peregrinare di libertà in libertà, effimere e incerte, tali da renderlo un "libero carcerato".   

L'uomo, in questa sua ricerca, conduce una battaglia contro il tempo, rappresentato sulla tela attraverso i non-colori bianco e nero e le loro gradazioni intermedie: le sfumature che caratterizzano il ricordo.

La linea, elemento fondamentale della sua produzione artistica, si fa impronta, testimonianza, traccia di un vissuto: memoria di un trascorso, affermazione del presente, speranza e attesa di ciò che verrà. 

Il tempo di Giannino Ferlin prende consistenza nei contrasti tra il chiaro e lo scuro, la luce e l'ombra, attraverso solchi e rilievi che intervengono sulla materia pittorica. Passato in negativo, presente in positivo, futuro che emerge dalla superficie bidimensionale incidendo lo spazio.

Aderendo all'iniziativa organizzata da AMACI lo spazio Made4Art di Milano prosegue nel suo percorso di ricerca sull'arte "astratta": la personale di Giannino Ferlin "My Time" diventa un invito alla riflessione sulla condizione di libertà illusoria che caratterizza l'uomo contemporaneo e sul suo continuo anelito verso il riscatto, attraverso opere originali, raffinate e di forte impatto.

"GIANNINO FERLIN - MY TIME"

A cura di Elena Amodeo e Vittorio Schieroni
M4A - MADE4ART, Via Voghera 14 - ingresso da Via Cerano, 20144 Milano
5-14 ottobre 2013
Inaugurazione in occasione della Nona edizione della Giornata del Contemporaneo organizzata da AMACI sabato 5 ottobre dalle ore 10 alle 13 e dalle ore 16 con cocktail alle 18
Orari di apertura galleria: lunedì e sabato ore 16-19, martedì-venerdì ore 10-13 e 16-19
www.made4art.it, info@made4art.it, t. +39.02.39813872

Mostra di Zao Wou-Ki a Locarno

Locarno rende omaggio a Zao Wou-Ki (1920-2013)

Casa Rusca

Pinacoteca comunale

Locarno (Svizzera)

Conferenza stampa: 12 settembre 2013, ore 14:00

Inaugurazione: domenica 15 settembre 2013, ore 11:00

Preview:

13-14 settembre 2013

ore 10:00 - 12:00

14:00 - 17:00

Orari di apertura

17 settembre 2013 - 6 gennaio 2014

Da martedì a domenica

10:00 - 12:00 / 14:00 - 17:00

Zao Wou-Ki. Retrospettiva (1920-2013)

A cura di Riccardo Carazzetti e Yann Hendgen 

Con il patrocinio dell'Ambasciata della Repubblica popolare di Cina in Svizzera, China Academy of Art (Hangzhou) e Instituto Confucio (Ginevra)

Catalogo di 195 pagine con testi, apparati e riproduzioni delle opere in mostra, CHF 40

Il primo omaggio che un museo pubblico europeo rende al grande artista nato il 1° febbraio 1920 a Pechino, trasferitosi definitivamente a Parigi nel 1948 e spentosi a Nyon il 9 aprile di quest'anno.

La città di Locarno può vantare di possedere una collezione d'arte moderna di tutto rispetto, di importanza internazionale, frutto dell'intraprendenza e della generosità di persone che hanno capito la valenza di questo territorio che durante il XX secolo è divenuto una sorta di crocevia di spiriti creativi.

Le mostre dedicate alle collezioni della città di Locarno rientrano nella politica culturale che mira a valorizzare questo patrimonio di proprietà pubblica. Nelle nostre collezioni incontriamo i nomi di numerosi protagonisti delle avanguardie europee, che hanno trovato nella persona dello scultore Remo Rossi (1909-1982) quei sentimenti di accoglienza e disponibilità altrove carenti. Sempre Remo Rossi è l'artefice dell'importante operazione culturale coronata con l'apertura, nel 1966, del Museo d'arte contemporanea negli spazi Castello Visconteo. Dapprima la donazione da parte di Jean Arp e Marguerite Arp-Hagenbach - il fulcro del nuovo museo, inaugurato il 10 aprile 1966 -, poi l'incremento di quel patrimonio su iniziativa di altri artisti o collezionisti - esemplare il gesto di Charlotte Pierburg che nel 1977 legò a Locarno un'opera storica di Paul Klee: Wohin? Junger Garten, 1920, testimonianza di quella che i nazisti consideravano "arte degenerata" (Entartete Kunst).

L'incremento maggiore del nostro patrimonio è giunto ancora una volta da quel crogiuolo d'arte rappresentato dalla famiglia di Remo Rossi: un felice concorso di circostanze associa al nostro scultore la figura di Nesto Jacometti (1898 - 1973), il geniale editore d'arte, fratello di Luigina, la madre di Remo. Nesto Jacometti ci ha donato in eredità un fondo di opere che a poco a poco si va riscoprendo e valorizzando. Oggi attingiamo dal copioso fondo del suo Lascito per mettere in luce l'opera di Zao Wou-Ki (1920-2013), l'artista francese di origini cinesi con il quale Jacometti intrecciò forti legami di amicizia, tanto che il nostro editore gli consacrerà, nel 1955, il primo catalogo ragionato della sua produzione calcografica e litografica. La collezione donata alla città di Locarno rappresenta con tutta certezza un unicum nell'ambito delle istituzioni pubbliche che conservano opere di Zao Wou-Ki; alcune cifre bastano per descrivere la consistenza del corpus: l'opera grafica edita da Jacometti fra gli anni 1950 e 1965, in sodalizio con Klipstein & Co, all'insegna della Guilde Internationale de la Gravure o attraverso la sua geniale creazione - L'Oeuvre Gravée -, conta in totale 52 pezzi; la collezione privata dell'editore presenta invece una tipologia che comprende 45 pezzi originali fra oli, tempere e carte mentre sono 47 le stampe realizzate da altri editori.

La mostra retrospettiva dedicata a Zao Wou-Ki ci invita a conoscere anche la sua produzione recente, le cui opere provengono dalla Successione Zao Wou-Ki. Zao Wou-Ki è un mediatore di culture - una che è ancorata alla tradizione secolare cinese, l'altra orientata invece verso gli orizzonti estremi dell'astrazione.

Zao Wou-Ki nasce a Pechino il 1° febbraio 1920, frequenta in seguito la Scuola di belle arti di Hangzhou sotto la guida del maestro Lin Fengmian. Proprio quest'ultimo suggerisce a Zao Wou-Ki di inoltrare, nel 1947, la richiesta del visto per la Francia. Senza esitare sceglie Parigi, per lui capitale delle arti. Ottenuto il visto nel 1948, arriva a Parigi il primo aprile dello stesso anno. Ben presto Zao Wou-Ki diventa attore sulla scena parigina delle arti, allora molto ricca. Si costruisce una famiglia artistica fra coloro che si affermeranno protagonisti. Li incontra alla Galerie Pierre Loeb (Jean-Paul Riopelle, Maria-Helena Vieira da Silva, Georges Mathieu), nei laboratori di incisione (il poeta Henri Michaux, i pittori Antoni Clavé, Johnny Friedlaender), alla Galerie de France (Pierre Soulages, Hans Hartung, Alfred Manessier).

Grazie all'amico Johnny Friedlaender, la Svizzera occuperà un posto importante nella sua carriera. Per lui non sarà un paese fra tanti poiché proprio in Svizzera avverranno gli incontri decisivi per l'evoluzione della sua arte. Paradossalmente il legame fra Zao Wou-Ki e la Svizzera ha origine in Cina. Si tratta del rapporto fondamentale con la pittura di Paul Klee. A Shanghai, Zao Wou-Ki possedeva, nella sua collezione di libri d'arte, un'opera su Klee che suo zio gli aveva portato da un soggiorno in Europa. L'influsso della pittura di Klee sarà determinante nella sua opera verso la metà degli anni 1950.

Nel 1951, a Berna, dove si trova per una mostra delle sue incisioni allestita da Nesto Jacometti alla Galleria Klipstein, ha l'occasione di vedere alcune opere di Paul Klee. L'incontro può dirsi essenziale poiché gli consente di capire che la pittura non è necessariamente la rappresentazione oggettiva delle cose. Klee usa linee, frecce, punti, lettere che significano qualcosa di diverso da ciò che rappresentano. Questa scoperta, per Zao Wou-Ki quasi iniziatica, gli aprirà le porte dell'astrazione permettendogli di trovare la propria. La comprensione del processo artistico di Paul Klee indurrà Zao Wou-Ki a recuperare una parte dell'eredità culturale cinese per abbandonare a poco a poco la figurazione che sente troppo vincolante. Zao Wou-Ki stravolge il senso dei segni cinesi arcaici dei bronzi e delle iscrizioni funerarie per entrare in un altro mondo rappresentativo. Tale rivoluzione plastica, pur realizzandosi materialmente nel suo laboratorio parigino, nasce intellettualmente in Svizzera.

L'opera e il pensiero di Zao Wou-Ki a nostro avviso sono emblematici, tali da farci capire un particolare approccio che ha segnato l'evoluzione del suo "far pittura", legato intimamente alla poesia, alla scrittura che si è trasmutata in calligrafia e poi in segni simbolici, in colori esuberanti che lo hanno aperto a una nuova luce.

Il legame ideale che Locarno ha forgiato con Zao Wou-Ki è di quelli inscritti in una memoria che non possiamo dimenticare, abbandonare all'oblio, sottolineata dalla mostra personale di Zao Wou-Ki tenutasi nel 1961 alla Casa del Negromante (32 litografie, 20 incisioni e 8 acquerelli), luogo storico che ha cadenzato per più di un decennio la vita culturale di Locarno con rassegne collettive di artisti locali o di spessore internazionale, organizzate da Virgilio Gilardoni e Nesto Jacometti.

In contemporanea:

Casa del Negromante

12-15 settembre 2013

ore 10:00 - 12:00

14:00 - 17:00

Zao Wou-Ki

Grafiche edite da Nesto Jacometti

negli anni dal 1950 al 1965

--
Redazione del CorrieredelWeb.it

Ryan Mendoza a Bologna con la mostra Chromophobia. Dal 29 novembre al 10 gennaio

CHROMOPHOBIA

personale di

Ryan Mendoza

Apre venerdì 29 novembre 2013 CHROMOPHOBIA l'attesa personale dell'artista Ryan Mendoza presso il nuovo spazio espositivo di ABC in Via Farini 30 a Bologna.

In occasione della mostra, ideata e promossa da ABC con il Patrocinio della Regione Emilia Romagna, di Genus Bononiae e del CNA, Ryan Mendoza presenterà al pubblico circa quindici opere inedite.

Artista statunitense ed europeo d'adozione; vive infatti tra Napoli e Berlino città che, culturalmente opposte, permettono, ciascuna a modo loro, maggiore indipendenza di ricerca e sperimentazione.  E' considerato dalla critica internazionale una delle personalità artistiche emergenti del contemporaneo e un autentico "caso" nel panorama dell'arte di questi ultimi anni; rappresentato in Italia dalla Galleria Massimo Minini di Brescia, Mendoza vanta esposizioni in gallerie e musei di grande prestigio tra i quali la White Cube di Londra.

Recupera, controcorrente rispetto alla maggior parte degli artisti contemporanei, la pittura che, corposa e materica, rivela essere il mezzo più idoneo alla sua indagine sugli stati d'animo e sulla conoscenza dell'individuo e delle sue paure.

Con uno sguardo rivolto ai grandi del passato e ai miti del Rinascimento e del Barocco come Goya, El Greco, Salvator Rosa, Caravaggio, Gericault o Delacroix, Mendoza apre un suo scenario personale ricco di stravolgimenti e alterazioni: prospettive sproporzionate, anatomie deformate e scenari metafisici creano un'atmosfera straniante.

Le opere, grazie anche ad un sapiente uso della luce e ad una grande capacità di analisi fisiognomica, sembrano come guardarsi ad uno specchio; i protagonisti delle tele di Mendoza sono uomini, donne, ma soprattutto ragazze dallo sguardo assente, perso nel vuoto che suscitano nello spettatore un senso di mistero e una miriade di domande. Sono sagome imbrigliate nel colore pastoso dello sfondo che ricordano una presenza passata, memore di una vita precedente.

Il titolo della mostra "CHROMOPHOBIA" riflette un'indagine profonda che presuppone un fuori e un dentro, luce e oscurità, paura e liberazione. L'intensità del colore e la sua sapiente trasposizione sulla tela rimandano alle pulsioni e agli atti sessuali che per l'artista sono la massima espressione della creatività e del profondo.

La CHROMOPHOBIA emerge nel colloquio tra Ryan Mendoza e George W. Bush che costituisce il testo di apertura del catalogo. Il loro non è tanto uno scambio di battute quanto piuttosto un'analisi reciproca sul valore dell'arte in relazione alle fobie e alle proprie credenze. E' un incontro che mantiene il lettore, come lo spettatore delle sue opere, in una continua tensione emotiva che genera domande profonde.

Parte integrante della mostra sarà "Everything is Mine", il diario che Ryan Mendoza scrive dopo il trasferimento dalla Pennsylvania a Berlino e che sarà pubblicato da Bompiani nel 2014. Un momento duro per l'artista che, ulcerato dal rimorso per aver abbandonato il padre in una casa di riposo americana, ritrova l'ottimismo nella capitale tedesca nella quale aspetta, come promesso, la visita del più importante critico d'arte al mondo. In cerca d'ispirazione, convince sua moglie ed alcuni loro conoscenti a posare nudi per lui: nasce "Everything is Mine" e si dimostra un racconto intimo nel quale è molto sottile il confine tra l'arte e la pornografia. Come anticipazione alla pubblicazione Mendoza tempesterà il pavimento dello spazio espositivo con alcune pagine del libro stampate in 4000 copie, di cui 200 porteranno la sua firma; il pubblico verrà così invitato ad un gioco interattivo di ricerca e sarà il primo lettore, in anteprima, del diario.

Il periodo a Bologna di Ryan Mendoza sarà documentato da Paolo "Fiore" Angelini regista e sceneggiatore italiano.

Ryan Mendoza ha collaborato con Irvin Welsh, Milan Kundera e Bernard-Henri Lévy, suoi primi sostenitori.

INFORMAZIONI UTILI:

Sede espositiva: Bologna, Via Farini 30

Periodo di apertura al pubblico: 29 novembre 2013 / 10 gennaio 2014

Orario: Da lunedì a sabato dalle 16 alle 20, mattina su appuntamento

Informazioni per il pubblico: www.abcbo.it; Tel: 320 918 83 04

Promotore e curatela: ABC

 

Con il Patrocinio di:

Regione Emilia Romagna

 

Genus Bononiae

CNA

Si ringrazia:

GALLERIA MASSIMO MININI

FILIPPO LA MANTIA ALLA BIENNALE DI ISTANBUL CON M’AMA.ART

Il marchio M'AMA.ART di Alessia Montani e Anna Caridi, è stato protagonista di un evento d'eccezione: il grande chef Filippo La Mantia si è esibito in uno straordinario show cooking durante l'inaugurazione dell'esposizione collaterale della Biennale di Istanbul dedicata alle etichette d'autore dei prodotti M'AMA.ART

 

La Biennale di Istanbul si è rivelata negli ultimi anni una delle manifestazioni artistiche più note a livello internazionale, e proprio nei giorni della vernice della prestigiosa kermesse, presso il Camhane Art Center diretto da Yasemin Aslan Bakiri, il marchio M'AMA.ART, noto per la diffusione a livello internazionale delle eccellenze italiane, è sbarcato in Turchia con il grande chef Filippo La Mantia, che ha accompagnato con uno show-cooking (realizzato grazie alla disponibilità di Fulgor, che ha messo a disposizione le sue celebri cucine) l'esposizione delle etichette d'autore dei prodotti M'AMA.ART in un sensazionale evento collaterale della Biennale. Straordinaria e di grande impatto l'installazione di Maïmouna Patrizia Guerresi realizzata con le lattine d'olio, ammirata da molte personalità del mondo culturale romano accorse a Istanbul per l'occasione.

Contemporaneamente all'inaugurazione della Biennale, la sezione Art&Food di M'AMA.ART è stata ospite di uno degli eventi più attesi del mondo culinario e gastronomico italiano: l'apertura della Red Library, la nuova "dimora" dello chef Gaetano Costa presso l'Hotel Boscolo Aleph.

Mimmo Paladino, Emilio Farina, Maurizio Savini, Lithian Ricci, Pietro Ruffo, Oliviero Rainaldi sono alcuni degli artisti che hanno interpretato etichette d'autore per olio, marmellata, cioccolato e altri prodotti distribuiti in esclusiva da Sangue di Puglia S.p.a. e che sono stati esposti proprio durante la serata inaugurale della nuova avventura di Costa con il Boscolo e al Camhane Art Center di istanbul. 

 

L'idea di M'AMA.ART è basata sulla volontà di permettere che l'arte venga apprezzata ogni giorno, attraverso gli oggetti di uso quotidiano. La finalità di questa industria creativa è quella di divulgare in Italia e all'estero prodotti nazionali, capaci di veicolare e trasmettere in modo nuovo l'immenso patrimonio culturale del nostro Paese, fungendo contestualmente come occasione economica per gli operatori che si muovono nel mondo dell'arte e dell'enogastronomia, ma anche della moda e del design. Anche l'aspetto solidale è un tratto distintivo di M'AMA.ART, che infatti sostiene Alpha Women, associazione presieduta da Lale Cander che opera per l'emancipazione delle donne nei paesi in via di sviluppo e per la cura e la prevenzione  delle malattie femminili.

FEAR Rassegma Isola Mutante

La paura che attanaglia e immobilizza, che riduce l'ingegno e alimenta il sospetto, che rende aggressivi fino a scatenare conflitti di proporzioni inimmaginabili giustificati dall'autodifesa, è il tema del secondo evento in programmazione per la Rassegna ISOLA MUTANTE, proposta da Askosarte in occasione del decennale della sua attività artistica nella provincia di Oristano.

Gli artisti coinvolti sono invitati a raccontare la paura di crescere, di amare, del futuro, del nulla, dell'altro, di noi stessi.

Centinaia di tipi di fobie, fino ad arrivare al paradosso di avere paura di avere paura.

 

NONA EDIZIONE
GIORNATA DEL CONTEMPORANEO

FEAR

29 settembre 2013

Project Space Askosarte

Via Trento, 16

Solarussa

INAUGURAZIONE 29 settembre 2013 ore 18.30

I n f o 3407201761

askosarte@yahoo.it

www.askosarte.it

a cura di Askosarte

CINZIA CARRUS_SARA GIGLIO_IPERPLASTICOL_LUCIDEDDU_DANIELA E FRANCESCA MANCA_
MICHELE MARROCU_TONINO MATTU_MICHELE MEREU_MOJU MANULI_ALESSANDRO MELIS _GIANMARCO PORRU_

Fear, fear, she's the mother of Violence, making me tense to watch the way she breed. Fear, she's the mother of Violence, You know self-defense is all you need. It's getting hard to breathe, It's getting so hard to believe, to believe in anything at all.

Peter Gabriel, Mother Of Violence

La PAURA è madre di ogni violenza - canta Peter Gabriel in Mother Of Violence - mette ansia guardare di cosa si nutra e di come sia contagiosa, la bocca diviene completamente secca, gli occhi s'iniettano di sangue, capisci che lei è lì presente per quel clima subdolo che si sente nell'aria. Diventa difficile respirare e difficile credere in qualsiasi cosa.

La PAURA è liquida - scrive Bauman - sociologo e attento osservatore del mondo contemporaneo, e quella più temibile è la PAURA priva di un indirizzo e di una causa chiari; la PAURA che perseguita senza una ragione, la minaccia che dovremmo temere e che s'intravede ovunque, ma non si mostra mai chiaramente. Uno stato di timore strisciante, sospeso nell'aria, onnipresente anche in assenza di un rischio concreto, e di conseguenza ancora più subdolo - può uscire da qualsiasi angolo o fessura della nostra casa o del nostro pianeta: dalla strada, dalle persone che conosciamo o dagli sconosciuti, dalla natura, da altri popoli.

La PAURA è determinata dalla consapevolezza dell'ignoranza individuale, di fronte alla continua e caotica accozzaglia d'informazioni somministrate quotidianamente dai media - sostengono gli studiosi dei mezzi di comunicazione di massa – il costante mutamento dei riferimenti culturali, politici e scientifici, rende sempre più difficile fissare una scala di valori, principii e regole e porta, inesorabilmente, verso una destabilizzazione nevrotica, per placare la quale, si andrebbe alla ricerca di un qualsiasi capro espiatorio da disprezzare, identificato, di volta in volta, nello straniero, nel povero, nel delinquente, nell'analfabeta, nell'omosessuale, e perfino in noi stessi.

La PAURA è il principale strumento di propaganda politica e mediatica - rilevano, e senza scoprire l'acqua calda, alcuni ricercatori - perfino piano strategico delle istituzioni moderne, che come già abbondantemente sperimentato dalla Chiesa e dai Signori nel passato cristiano dell'Europa, la diffondono per ricondurre le esigenze dello stato sociale, al bisogno di protezione dell'incolumità dei singoli individui,  pianificandone, dunque, il consenso e il controllo.

La PAURA è pulsione di morte, sentenzia Mr. Freud, che nel 1925, scrivendo a Einstein e riferendosi alle cause della guerra nelle relazioni tra gli uomini, gli spiega, cautamente, che la guerra nasce da questa pulsione, perché sembrerebbe umano ricondurre la vita a cosa inanimata: proteggere la propria vita distruggendone un'estranea, spingendo la vita a una materia informe, inerte, insomma, a una "cosalizzazione". E per Sartre, ne La nausea, esistere corrisponde proprio a fare questa esperienza, il protagonista sperimenta la bruta cosalità della materia che provoca l'angoscia ma che determina, al contempo, un sotterraneo richiamo verso la quiete e l'abbandono, necessari per potersi continuamente riconfigurare.

La PAURA è sentimento dal quale affrancarsi, ammonisce il presidente americano Roosevelt nel lungimirante discorso pronunciato davanti al Congresso degli Stati Uniti nel 1941, ponendo la liberazione dalla PAURA, come meta politica primaria cui ogni paese civile deve mirare, al pari  della libertà di parola, della libertà di religione, e della libertà dal bisogno.

La PAURA è naturale, dice Osho Rajneesh: non è giudicandola o reprimendola che si può gestire, semmai, si può imparare a osservarla in profondità, in modi nuovi e diversi, per provare a usarla come chiave biologica nella conoscenza di se stessi.

La PAURA è traccia, per gli artisti di Askosarte, per presentare la seconda mostra della Rassegna Isola Mutante, che esplora la famiglia, la società e la religione come possibili strumenti inibitori per la crescita personale e creativa. In FEAR, la PAURA è vista come causa prima dell'ansia cronica che rende rigidi e sospettosi, che alimenta il pregiudizio, la violenza e la diffidenza verso le persone nuove, i modi di pensiero diverso, e i differenti stili di vita.

Chiara Schirru_Askosarte

Cos'è ISOLA MUTANTE

Il progetto ISOLA MUTANTE, pensato per festeggiare il decennale dell'attività artistica di ASKOSARTE, propone tre mostre distinte, FATHERS, FEAR, FAITH, che penetrano aree ben definite di pensiero, ma che in realtà, perseguono tutte l'inedita esplorazione del luogo - in questo caso la Sardegna - che è unità di presente ma anche memoria e inconscio culturale.

Gli artisti, attraverso le loro creazioni, indagheranno i segni e i simboli che spesso, e prepotentemente, filtrano dalle loro opere, per individuare cosa è ancora sentita come sacra memoria, cosa è davvero rimasto degli archetipi del passato, saldamente radicato nel DNA di chi appartiene per nascita o per scelta a questa terra, e cosa è invece in trasformazione.

ISOLA MUTANTE prova a porsi come osservatorio di queste massime alterazioni, nella consapevolezza che esista un continuum spazio temporale e che l'intreccio tra memoria e contemporaneo, sincroni nella creatività artistica, obblighi a reinventare un diverso spazio visivo, che fugga le retoriche turistico - celebrative per condurci, invece, in una sorta di segreto e intenso percorso.

A ospitare il ciclo di mostre sarà il Project Space di Solarussa, spazio inquieto e indipendente che agisce con l'unico scopo di promuovere l'arte contemporanea in provincia, favorendo momenti espositivi che stimolino l'incontro e la collaborazione tra artisti, e naturalmente, l'inserimento dell'arte pensata nell'isola, in una dimensione globale, in grado di confrontarsi con la contemporaneità.

Mostra "Carlo Roselli | Inconsapevolmente"

CARLO ROSELLI | INCONSAPEVOLMENTE

Dal 4 al 19 ottobre 2013, presso la galleria d'arte contemporanea Edarcom Europa in via Macedonia n. 12/16, si terrà la mostra "Inconsapevolmente" dedicata al lavoro di Carlo Roselli.
A quaranta anni esatti dalla prima personale tenuta nel 1973 alla Galleria Nuova Figurazione 1, Carlo Roselli torna ad esporre presso la galleria Edarcom Europa un nuovo ciclo di trenta dipinti raffiguranti le sue tipiche atmosfere, dalle folle alle strutture urbane, passando per le sale da gioco e i fumosi caffè di inizio '900.


In tutte le opere si coglie il senso dell'inconsapevolezza dell'uomo moderno stordito dal continuo cambiamento di una società che non cambia mai. L'ironia e il gioco sono i binari saldi su cui l'artista fa correre i pennelli di un'immaginazione legata solo figuratamente a epoche passate.

Ida Mitrano, nella presetazione della mostra Ubi Minor scriveva "Carlo Roselli. Personaggio tra i personaggi.

O meglio ancora un replicante di se stesso tra le "abbondanti" figure femminili, anch'esse sempre identiche, che caratterizzano le sue opere. E' un elemento di lettura sul quale riflettere, proprio perchè così sfacciatamente ovvio, palesemente ossessivo nella fissità dei luoghi, delle scene e dei suoi protagonisti".


E Andrea Romoli Barberini, introducendo la mostra Palco-Scenico ammoniva che "questa tendenza all'iterazione, alla rappresentazione di quelli che con le stesse parole dell'artista potremmo definire "i luoghi dell'abitudine", avviene non solo per la vocazione analitica del pittore qui considerato, uomo di scienza oltre che d'arte ma perchè ogni artista, e Roselli non fa eccezione, a prescindere dai codici che adotta, esprime sempre se stesso, la propria esperienza, la propria visione del mondo".


La mostra, curata da Francesco Ciaffi, sarà visibile fino al 19 ottobre 2013.





ARTISTA: Carlo Roselli
MOSTRA: Inconsapevolmente
PERIODO: 4 – 19 ottobre 2013
ORGANIZZAZIONE: Edarcom Europa
INDIRIZZO: Via Macedonia, 12/16
ORARIO: LUN – SAB 10,30/13,00 - 15,30/19,30
INFO: 06.7802620 – www.edarcom.it

Mostra Animali o uomini al Bioparco dal 5 al 9 ottobre

  Da sabato 5 a mercoledì 9 Ottobre 2013

Centro Polifunzionale del Bioparco di Roma

Animali o uomini quale specie è meglio conservare?

a cura di Miriam Castelnuovo

catalogo in mostra

INGRESSO LIBERO

Da sabato 5 a mercoledì 9 Ottobre 2013 all'interno del Centro Polifunzionale del Bioparco di Roma si svolge la mostra "Animali o uomini quale specie è meglio conservare?" a cura di Miriam Castelnuovo. L'iniziativa, a ingresso libero, si svolge nell'ambito della 9° edizione indetta da Amaci per la "Giornata del Contemporaneo". Il primo giorno dalle 10.00 del mattino alle 22.00, con orario continuato, sarà possibile ammirare le opere di 10 artisti contemporanei: Francesca Bonanni, Massimo Catalani, Carlo Cecchi, Valentina de Martini, Irem Inceday, Ana Maria Laurent, Francesco Petrone, Elena Pinzuti, Paola Romoli Venturi e Massimo Vitangeli. 

Tutte le opere esposte, tra cui dipinti, disegni, installazioni, video e performances, contengono un riferimento al mondo animale: mammiferi terrestri e marini, ma anche insetti, rapaci e molluschi di terra e di mare. Lo spazio verde del Centro Polifunzionale, caratterizzato da un'architettura resa trasparente da numerose vetrate, sarà occupato dalle opere d'arte e, poco distanti da quelli dipinti, ci saranno gli animali veri.

Per l'esposizione "Animali o uomini quale specie è meglio conservare?" ciascun artista si è lasciato ispirare dal proprio istinto, elemento portante e in linea con l'intento della mostra. Proprio su questo tema la curatrice, Miriam Castelnuovo, scrive: "Il paradosso tra intelletto e istinto, tra la specie umana e quella animale si scioglie oggi, già come nell'antica Grecia, in una lettura facile e popolare per la società contemporanea e che trova risposta nella dotta citazione di Eraclito e del suo vivere filosofico secondo cui Panta rei, tutto scorre, in un susseguirsi naturale degli eventi e del loro indisturbato procedere".

Il giorno dell'inaugurazione i dieci artisti saranno presenti, al Centro Polifunzionale del Bioparco, per condividere le proprie esperienze con il pubblico in una sorta di mostra-laboratorio e per illustrare i propri lavori anche attraverso cataloghi di mostre passate, scritti, appunti e fotografie personali. Questi elementi, disposti in modo casuale accanto alle opere, sono a disposizione dei visitatori in un unico grande atelier tutto da esplorare, a stretto contatto con le opere e i piccoli pezzi di vita dei singoli artisti.

La prima giornata, il 5 ottobre, della mostra collettiva "Animali o uomini quale specie è meglio conservare?" sarà scandita da diversi appuntamenti. Alle ore 12:00 introdurrà l'esposizione Federico Coccìa, Presidente della Fondazione Bioparco.

 

A seguire ci sarà la lettura degli appunti autografi di Carlo Cecchi dalle sue precedenti pubblicazioni in catalogo "Prima del Mare" e "Pioggia". Alle 12.30 Paola Romoli Venturi interpreterà la Filastrocca "Molti, Molta, Molte" dedicata all'Oceano Pacifico e alla conservazione delle balene, in tema con la sua installazione "Pacific Trash Vortex". Alle ore 17.00-17.30 Massimo Vitangeli proietterà il suo video, dal titolo evocativo, MORNING STAR 2 in cui è riprodotta, con ripresa fissa, una macchina per l'uccisione degli insetti. Alle ore 18.30l'editore Davide Ghaleb presenta il libro di Poesie "La memoria dell'acqua" di Giovanna Iorio con postfazione di Miriam Castelnuovo. Verrà quindi proiettato un cortometraggio dedicato unicamente all'acqua, raccontata attraverso un collage di brevi filmati sul tema. 

"L'acqua nella memoria" installazione video ispirata al libro di Giovanna Iorio " e alle opere di Carlo Vincenti con gli autori presenti Carlo Sanetti, Alfonso Prota, Sara Leoni. La produzione è di Davide Ghaleb Editore con il montaggio di Alessandro Lamoratta. Alle 19.30 l'artista Francesca Bonanni proietterà il suo video/arte "Acqua la rinascita, Rain": otto minuti di acqua ed effetti emozionali girati in quattro continenti, dalle cascate di Iguazù in Brasile, all'Oceano Indiano. Infine, dalle ore 20.30 fino a conclusione della mostra, gli artisti si alterneranno in proiezioni e letture (filmati, scritti, appunti, recensioni collezionate sul tema animale, considerazioni personali sulla mostra).

In mostra sarà presente il catalogo di Davide Ghaleb Editore a cura di Miriam Castelnuovo e con la partecipazione degli scritti autografi e le biografie degli artisti Francesca Bonanni, Massimo Catalani, Carlo Cecchi, Valentina de Martini, Irem Inceday, Ana Maria Laurent, Francesco Petrone, Elena Pinzuti, Paola Romoli Venturi e Massimo Vitangeli.

Il 5 ottobre dalle 10.00 Caffè Fantini accoglierà i visitatori con i suoi prodotti e dalle 16.30 alle 21.30 ci sarà un banco di assaggio con i vini Casale del Giglio.

 

Per saperne di più: www.4coloriprimari.it ; www.amaci.org

Animali o uomini quale specie è meglio conservare?

Centro Polifunzionale del Bioparco di Roma

Viale del Giardino Zoologico- Entrata pedonale Villa Borghese (incrocio Via Aldrovandi-Viale Rossini-Via Mercadante)

Da sabato 5 a mercoledì 9 ottobre

Orari: Sabato 5 ottobre dalle ore 10.00 alle 22.00

Domenica 6 dalle ore 11.00 alle 13.00

Lunedì 7 dalle ore 13.30 alle 15.30

Martedì 8 e mercoledì 9 visita solo per appuntamento telefonando al numero 333 3933179

Biglietto: INGRESSO LIBERO

Info: 333 3933179 - info@4coloriprimari.it

Le Visioni di Medusa, personale di Giorgio Bevignani-Milano, Galleria Restarte fino al 3 novembre

LE VISIONI DI MEDUSA

 

Giorgio Bevignani

 

a cura di Niccolò Moscatelli

 

 

 

 

19 settembre/3 novembre 2013

Milano - Galleria Restarte, Via Massimiano 25

 

 

Giorgio Bevignani, noto scultore dal carattere fortemente sperimentale, inaugura la sua attesa personale monografica dal titolo Le Visioni di Medusa, un percorso espositivo che va dai grandi quadri del '96 fino alle recentissime sculture "Al-Gher". Un'esposizione che conferma il talento poliedrico dell'artista che non smette di stupirci con le sue ambientazioni cosmiche.

La mostra è un cammino in cui l'artista ci accompagna attraverso l'intimo processo creativo segnato dalle varie tappe del suo lavoro. Un'occasione per riconoscere e comprendere, tra differenti materie, medium, forme, colori, la sua inesausta ricerca artistica.

Le Visioni di Medusa è l'opera che dà il titolo alla mostra perchè rappresenta il trait d'union tra le installazioni sospese (come Europa o Jordan's red Water) e le ultime sculture, che provengono da quel mondo sottomarino e ignoto che la Medusa immaginaria di Bevignani, discostandosi dal mito e seguendo Positone in fondo al mare, vede intorno a sé. Ma sono anche e soprattutto le Visioni di Giorgio, bagni di luce primordiale in fondali ancora inesplorati, viaggi in oceani cosmici in cui il cielo si specchia nel mare fondendosi ad esso in un unico atomo primordiale all'origine della luce e della materia.

PATCHBOX PROJECT - II EDIZIONE | OPENING GIOVEDI 10 OTTOBRE 2013 | CARGO - Roma | CS

PATCHBOX PROJECT 2013

II EDITION

Opening: Giovedì 10 Ottobre 2013 | ore 19
CARGO - via del Pigneto, 20 - Roma
www.patchboxproject.com

::

Giovedì 10 Ottobre 2013, il CARGO di Roma inaugura la sua nuova stagione espositiva a cura dello studio creativo elsewhere factory con l'opening della seconda edizione del PATCHBOX PROJECT.

Dopo il successo dell'edizione 2012, sbarca finalmente a Roma la seconda edizione del PATCHBOX PROJECT, progetto espositivo dinamico e dal respiro internazionale appositamente concepito dallo studio creativo elsewhere factory per gli spazi di CARGO.

A partire da Giovedì 10 Ottobre 2013, il locale del Pigneto sin dal 2009 crocevia immancabile nello scenario creativo della capitale ospiterà oltre 100 artwork realizzati da creativi provenienti da ogni parte del globo.

Tutti i lavori esposti saranno riproduzioni uniche di opere inviate in formato digitale dagli artisti aderenti al progetto, e successivamente stampati in un'edizione limitata di 3 esemplari ciascuno, numerati e timbrati dai curatori. Sino al mese di Gennaio 2014, il pubblico del CARGO avrà la possibilità di acquistare le stampe al prezzo simbolico di 10 €, e, come già avvenuto per la prima edizione, tutti i proventi raccolti permetteranno di produrre un catalogo dedicato al progetto.

Ogni creativo coinvolto presenterà tre diversi artwork che saranno esposti alternativamente nell'arco di tre mesi, consentendo una trasformazione continua dell'allestimento: la sostituzione dei lavori avverrà infatti continuativamente, e sarà costantemente monitorata attraverso il sito web ufficiale del progetto.

www.patchboxproject.com