Japanese Views / Tre visioni artistiche a confronto / Simultanea Spazi d'Arte - Firenze / Opening lunedì 27 marzo ore 17.30

Japanese Views

Tre visioni artistiche a confronto

Yonosuke Kaneko / Yukio Yokosuka / Tsutomu Takahashi

Opening lunedì 27 marzo ore 17.30

27 marzo - 7 aprile 2017

Simultanea Spazi d'Arte - Firenze

Via San Zanobi 45 rosso

Dal 27 marzo al 7 aprile Simultanea Spazi d'Arte, realtà curatoriale ideata e diretta da Roberta Fiorini e Daniela Pronestì, ospita la mostra Japanese Views / Tre visioni artistiche a confronto. 

Come indicato dal titolo, si tratta di un evento che mette in relazione le opere di tre artisti giapponesi - Yonosuke Kaneko, Yukio Yokosuka, Tsutomu Takahashi - diversi per età e per formazione, ma tutti accomunati dalla medesima matrice culturale, da cui traggono origine tre differenti cifre espressive. 

Avvalendosi della sintesi tra segno e colore, spesso declinata dalla tradizione nipponica nella rappresentazione del tema naturalistico, Yonosuke Kaneko (1966) trasforma gli scenari urbani incontrati durante il suo viaggio in Italia - Firenze, Roma e Venezia - in un paesaggio mentale fatto di forti contrasti, pennellate dinamiche e tinte antinaturalistiche. 

Prevalgono in questa occasione gli scorci fiorentini - Santa Maria del Fiore, via del Proconsolo, piazza della Repubblica - resi con una vivacità coloristica ed un'immediatezza gestuale che proiettano lo sguardo in una dimensione in bilico tra realtà ed immaginazione, esperienza e memoria.  Le chiese, i palazzi, le piazze - afferma l'artista - sono una metafora che trascende l'aspetto esteriore delle cose e che riguarda invece la bellezza della vita, nonostante le difficoltà che questa spesso ci pone. 

Di tono diverso sono i dipinti che raccontano di una profonda interiorizzazione del paesaggio naturale, in particolare i campi di riso che diventano luoghi del sogno, vere e proprie fughe nel fantastico. Nuvole, pioggia, nebbia, vento, elementi naturali che l'opera di Yukio Yokosuka (1954) traduce in colature e stratificazioni di colore. 

Passando dal dripping agli effetti di marmorizzazione su tela alle tecniche pittoriche giapponesi (Bokashi e Tarashi-komi), Yukio punta a catturare l'essenza nascosta del mondo naturale, la sua energia vitale. 

Nella mia pittura - afferma - voglio esprimere la profondità del paesaggio e il flusso del tempo con strati sovrapposti di colore; voglio mostrare la crescita e il declino, la morte e la reincarnazione di ogni essere vivente. 

Nelle opere di Tsutomu Takahashi (1961) il tema del viaggio diventa metafora di un'evasione dalla realtà alla scoperta di nuovi mondi e nuove terre, tra lune imponenti mutate in mongolfiere, pianeti sconosciuti e curiose creature fantastiche. L'uso della tempera gli consente di ottenere tonalità profonde ed intense, orientate soprattutto sulla gamma dei blu, gialli e rossi.

La mostra si potrarrà fino al 7 aprile e sarà visitabile tutti i giorni, dal lunedì al sabato, dalle 10 alle 13 e dalle 16 alle 19.

Simultanea Spazi d'Arte

Via San Zanobi 45 rosso Firenze

simultaneaspazidarte@gmail.com

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Mostra sui migranti "Touroperator Diario di Vite dal Mare di Sicilia”

Bologna 28 Febbraio 2017 – 18 Aprile 2017

Forlì, 4 Marzo 2017 – 2 Maggio 2017

Ricordate, ricordate sempre, che tutti noi, e tu ed io in particolare, discendiamo da immigrati.

(Franklin D. Roosevelt)

Touroperator, la mostra che presenta opere di Massimo Sansavini, realizzate con il legno degli scafi delle barche dei migranti torna a Bologna presso la sede della assemblea Legislativa della Regione Emilia-Romagna e in contemporanea a Forlì, alla Fondazione Dino Zoli – Arte  Contemporanea,

Sansavini è l'unico artista ad aver ottenuto l'autorizzazione dal Tribunale di Agrigento per entrare nel girone dantesco del cimitero delle barche di Lampedusa, nell'ex-base americana Lorian: qui accanto ai molti scafi, ormai abbandonati, sono rimasti molti degli oggetti personali che hanno accompagnato i viaggi della speranza attraverso il Mediterraneo verso la speranza di un futuro migliore.

Il legno prelevato dalle imbarcazioni abbandonate è stato trasformato dall'artista in sculture che raccontano i singoli naufragi. A ricordarceli il titolo dell'opera: la data in cui è avvenuto.

Nella sede bolognese una ventina di opere realizzate con il legno degli scafi dei migranti accompagnerà lo spettatore nel percorso, le opere saranno affiancate fotografie realizzate sempre nella ex base americana Loran (il cimitero delle barche di Lampedusa).

Nella sede forlivese i visitatori saranno accolti da un floor graphic che ritrae le coste africane, quelle italiane e il mare che le divide: un preambolo visivo per immergere il visitatore da subito nel tema trattato e nell'attualità.

Il percorso espositivo, che vedrà allestite una ventina delle opere di grandi dimensioni di Sansavini, sarà arricchito, inoltre, da immagini, video e pannelli informativi per aiutare il visitatore a comprendere meglio il complesso mondo delle migrazioni.

Il progetto nasce per raccontare le migrazioni, per diventare didattica per le scuole sul tema, per tessere relazioni con i migranti di seconda generazione, e per essere un progetto espositivo itinerante: le prime tappe sono state i Musei San Domenico di Forlì e il Parlamento Europeo di Bruxelles.

Touroperator ha ottenuto il patrocinio dell'Assemblea Legislativa della Regione Emilia-Romagna, della Provincia di Forlì-Cesena e del Comune di Forlì.

Informazioni

Touroperator. Diario di Vite dal Mare di Sicilia

dal 28 febbraio al 18 aprile  a Bologna via Aldo Moro 50

orari Bologna 9-17 da lunedi a giovedi 9-14 venerdi

dal 4 marzo al 2 maggio 2017 a Forli viale Bologna 288

orari Forli 9-13 martedi a giovedi e 9-13 15-19 da venerdi a domenica lunedi chiuso

Ingresso gratuito per entrambe le sedi

www.mostratouroperator.sansavini.it

Arriva a Catania la GRANDE MOSTRA > ESCHER > dal 19 marzo - 17 settembre 2017 > Palazzo della Cultura, Catania

Maurits Cornelis Escher, Mano con sfera riflettente, 1935, Litografia, 31,1x21,3 cm, Collezione privata U.S.A. - All M.C. Escher works © 2016 The M.C. Escher Company The Netherlands. All rights reserved -

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Per la prima volta in Sicilia: Escher approda a Catania.
 
Dal 19 marzo oltre 140 opere del genio olandese, amatissimo dal grande pubblico, saranno in mostra a Palazzo della Cultura.

Mano con sfera riflettente (1935), Vincolo d'unione (1956), Metamorfosi II (1939) e Giorno e notte (1938) sono solo alcune delle opere iconiche del grande genio olandese Maurits Cornelis Escher (1898-1972) presentate a Catania, città in cui l'artista giunse - l'ultima volta - nel maggio del 1936 nel suo ideale Grand Tour nella penisola.
 
Per l'occasione, alle opere emblematiche e ormai presenti nell'immaginario collettivo, è affiancata un'inedita selezione di opere prodotte da Escher durante i vari soggiorni in Sicilia avvenuti tra il 1928 e il 1936.
 
Proprio nel Sud Italia e nell'isola in particolare, l'artista maturò buona parte di quelle idee e suggestioni che caratterizzano, nel segno della sintesi tra scienza e arte, la sua matura produzione e gli studi sulle forme che lo hanno reso celebre.
 
Sull'isola Escher produsse numerose opere grafiche ritraendo città e paesi noti, ma ciò che fortemente lo appassionava era la ricerca di luoghi 'eccentrici', solitari e sperduti, scorci e suggestioni che, prima fissate nei disegni, poi si trasformavano in incisioni, soprattutto xilografie e litografie: così disegna le colonne e i prospetti degli antichi templi greci della Sicilia occidentale (Tempio di Segesta, Sicilia, 1932); "cartoline" di litorali come in Catania (1936) dove la città è vista dal porto con barche a vela appena ormeggiate in un omeriggio al tramonto, col Duomo dedicato a Sant'Agata a fare da quinta e, sullo sfondo, fra la foschia di nuvole basse, si erge la grande mole dell'Etna fumante; i chiostri delle più ricche Basiliche (come nel vero e proprio virtuosismo incisorio del Chiostro di Monreale, Sicilia, 1932); vedute aeree (Cattedrale di Cefalù, 1938) e studia al contempo l'irrompere del disordine della natura realizzando una serie di litografie che hanno per soggetto l'Etna (Colata di lava del 1928 dal monte Etna, 1933) che ritrae da diverse angolature e da visuali di paesi vicini che lo circondano.
 
Nei disegni siciliani Escher, con un sapiente senso della prospettiva e una sicura abilità compositiva, inizia la ricerca e la riflessione sui rapporti tra l'ordine e il caos e sulla possibilità di un'armonizzazione dei due opposti.
 
Grazie all'audioguida concessa gratuitamente a tutti i visitatori, la mostra offre la possibilità di esplorare mondi simultanei costruiti con elementi percettivi bidimensionali e tridimensionali, assemblati da leggi matematiche e geometriche caratteristiche della sua arte. 

Diverse le metodologie di fruizione come esperimenti scientifici o supporti didattici che accompagnano i visitatori di ogni età aiutandoli a comprendere la dimensione artistica di un artista poliedrico e geniale che ha sempre goduto di enorme popolarità.
 
La mostra Escher è promossa dal Comune di Catania, prodotta e organizzata dal Gruppo Arthemisia in collaborazione con la M.C. Escher Foundation ed è curata da Marco Bussagli e Federico Giudiceandrea.
 
La mostra vede come sponsor Generali italia, special partner Ricola, sponsor tecnico Trenitalia e media partner RMC - Radio Monte Carlo.
 
L'evento è consigliato da Sky Arte HD.
 
Il catalogo è edito da Maurits.

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Mostra d'arte presso Frammenti d'arte Monteverde Vecchio

Mostra personale di Mapi e Giovanna Dalla Villa dal 25 Marzo al 01 Aprile 2017.

Vernissage Sabato 25 Marzo ore 1800, a seguire presentazione del libro dal titolo METAMORFOSI di Paola Capocelli. Incontro con l'autore e lettura di Mario Ruggiero.

Aperitivo di benvenuto.

Le opere rimarranno esposte fino al 01 Aprile nei seguenti orari:
da Lun. a Sab. 1000/1300-1530/1800
Dom. 1000/1300

Grazie vi aspettiamo
Frammenti d'arte Monteverde Vecchio...
Via A. Colautti 6/8
00152 Roma



GIOVANNA DALLA VILLA artista dell'interiorità.
Il suo linguaggio pittorico mette a confronto la plasticità della materia con la sensibilità delle diverse esperienze tecniche espressive.
La sua pittura, genera vibrazioni e sensazioni, presenti come condizione per dare origine all'opera d'arte.
Ogni sua opera nasce infatti da un' emozione, che nell'artista si traduce in sentire. E' questo sentire che la spinge alla creazione.
Per Giovanna è fondamentale che l' emozione, puramente spirituale, si traduca in una forma cromatica, generando corpo e fisicità nel dipinto.
L' opera in se, viene considerata come la struttura materiale esteriore che consente la comunicazione e la partecipazione del contenuto interiore, immateriale,divenendo la trasmissione di un' emozione da un' anima ad un' altra anima.
Il Codice di Giovanna Dalla Villa esprime l' indissolubile rapporto tra corpo e anima, tra fisicità e spiritualità.

MAPI Nata in africa dove vive per oltre 10 anni arriva in Italia indirizzandosi verso studi nell'ambito dell'arredamento. Con il padre, architetto, lavora a lungo insieme per ambasciate e residenze di lusso orientali. Lungo il cammino si dedica anche all'arte mettendosi a dipingere e partecipando ad alcune manifestazioni culturali ed esposizioni a Roma, Venezia e Spoleto. Inizialmente nei suoi lavori predilige il figurativo, ma piano piano rivolge la sua attenzione e sensibilità sempre di più verso l'astratto ed il materico dove trova larghi consensi nel pubblico.
Ogni sua opera, piccola o grande, parte da un' emozione profonda, uno stato d'animo, un suo crescere continuo e una grande passione per i colori, i materiali e i sogni applicati su carta o tela. Il suo desiderio resta comunque riuscire a comunicarlo agli altri e lasciare un ricordo, un sorriso e una bella esperienza visiva e di anima.

Frammenti d'arte Monteverde Vecchio
Via A. Colautti 6/8
00152 Roma

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L'ARTE CONTEMPORANEA BRASILIANA IN MOSTRA A MILANO DURANTE IL FUORISALONE 2017 CON INSIDE BRAZIL

L'ARTE CONTEMPORANEA BRASILIANA IN MOSTRA A MILANO DURANTE IL FUORISALONE 2017 CON INSIDE BRAZIL

DAL 4 AL 9 APRILE LA MOSTRA SARA' ALLESTITA

ALL'INTERNO DELL'UNIVERSITA' DEGLI STUDI DI MILANO

Milano, 16 Marzo 2017 – In occasione del Fuorisalone 2017, l'Università Degli Studi di Milano accoglierà nella sua suggestiva sede di via Festa Del Perdono la mostra Inside Brazil, che andrà a inserirsi nel contesto delle installazioni della Design Week, facendo emergere l'anima più profonda del Brasile contemporaneo nel cuore delle esposizioni del design d'avanguardia.

La mostra, patrocinata dal Consolato Brasiliano di Milano, farà parte di Brasil S/A, il più importante evento brasiliano di design, che prende vita ogni anno durante il Salone del Mobile milanese. Inside Brazil sarà la sezione dedicata all'arte contemporanea brasiliana, che esporrà all'interno dei chiostri rinascimentali le opere di cinque artisti brasiliani: Branco, César Meneghetti, Chrisitan Cravo, Luiz Martins e Monica Silva.

La mostra racconta il Brasile dei nostri giorni, fortemente legato alla sua cultura primitiva. Una terra che apre un dialogo tra segni ancestrali, forme primordiali, elementi naturali e la quotidianità, carica di storie di vita, di emozioni, di drammi, di speranza. L'incontro e il succedersi di varie etnie, che convogliano nel paese hanno generato una cultura poliedrica, aperta alle novità e alle sperimentazioni, in continua evoluzione. 

Dai video di César Meneghetti alle fotografie di Monica Silva e Christian Cravo, fino ai disegni e dipinti di Branco o le istallazioni di Luiz Martins, tutte le opere nella loro complessa eterogeneità fanno da supporto ad una frenetica ricerca di un dialogo tra presente, passato e prospettive future, esprimendo la necessità di ritornare alle origini ma realizzando nuove forme, nuove possibilità, nuove riflessioni e nuove straordinarie emozioni.

Grazie alla sensibilità e ricerca delle curatrici Stefania Cesari in Brasile e Silvia Evangelisti in Italia, e all'organizzazione di Tania Berni e Rita Galliani, Inside Brazil inaugura la sua seconda esposizione dopo il successo della prima edizione realizzata a Bologna nella Basilica di Santo Stefano durante il periodo di Artefiera, nell'ambito del circuito ufficiale Artcity Bologna 2017.

Stefania Cesari, italiana che da 25 anni vive in Brasile, è vicina alla scena artistica brasiliana, in grave contrasto con la crisi economica, politica e istituzionale, ha così commentato la prossima esposizione: "Dare visibilità alle creazioni di nuovi artisti Brasiliani è un'opportunità per dare voce ad un paese che oggi è uno dei grandi attori del mercato dell'arte internazionale, ascoltando i messaggi di una terra antica dalle caleidoscopiche sfaccettature, che dona nuova vita alle sue radici storiche interpretandole in codici moderni".

Sarà possibile visitare la mostra dal 4 al 9 aprile 2017 all'interno dell'Università Degli Studi di Milano in via Festa del Perdono 7, per immergersi tra le installazioni più rappresentative dell'avanguardia internazionale, dove correnti europee si fondono a suggestioni esotiche, orientali e occidentali, dando vita ad un melting pot che è diretta conseguenza di un mondo globalizzato e iperconnesso, dove emigrazione e immigrazione sono parte di un unico movimento e forza d'attrazione che muove non solo il singolo ma l'umanità intera, dalla notte dei tempi. 

	I disegni di Branco, artista semianalfabeta, originario dello Stato di Alagoas, sono il suo linguaggio. Considerato un outsider artist, il suo modo di leggere il mondo e di raccontarlo è una sorta di iconografia spontanea, decifrabile soltanto dalle anime più sensibili. Uno scavo profondo in quello che siamo stati, che siamo e che saremo. Evocazione di una terra che un tempo è stata sorella dell'uomo, una fratellanza perduta. Branco è capace di ascoltarla ancora, come se avesse il mandato di rappresentarla e di restituircene, con i suoi segni, l'eterna bellezza. Le opere di Branco rappresentano un'espressione spontanea d'arte, generata da un profondo desiderio di comunicazione che non può essere soddisfatto attraverso i canali usuali, come la parola, ma prende voce attraverso i segni di pennellate che danno vita ad un mondo che riposa nell'inconscio dell'artista, per realizzarsi nel quotidiano in opere di coinvolgente esuberanza. Branco non è scolarizzato, ma il suo mentore, Tonico Mendonça, è l'artista che per primo lo mette in contatto con il mondo creativo e gli mostra una base da dove partire. Da lì tempera e pennello sono in contatto diretto con la sua fantasia e i suoi pensieri più ancestrali; la sua limitata capacità espressiva diventa da ostacolo a porta, permettendo il dialogo con uno stato di coscienza ancora non corrotto dalla sovraesposizione a strutture moderne. Quello che ne risulta sono opere su tela dai colori naturalmente vivaci, che rappresentano il caos della vita stilizzato in segni bianchi e neri. Reminiscenze quasi rupestri che mai quanto oggi riconnettono alla più verace natura dell'essere.
	César Meneghetti trascorre metà della sua vita tra Europa e Brasile. Si è laureato in Comunicazione visiva all'università FAAP di San Paolo, in Fine Arts (Mixed Medias) alla London Metropolitan University e si è diplomato al Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma. Artista e film-maker, il suo lavoro ruota attorno alla riflessione sociale attraverso un'estetica sperimentale. La sua interazione dei media connette Nord e Sud. I temi sono la migrazione e il concetto di confine individuale e politico. Ha partecipato alla Biennale di Venezia nel 2015 e nello stesso anno ha esposto al Maxxi di Roma. Il filmato LES TERRA'S DI NADIE è un discorso politico tramutato in arte, che utilizza il video come mezzo per narrare la tragedia in maniera poetica, come una sorta di poesia in immagini e parole, grazie ad un mix di grafiche che genera una fitta trama di segni. Le immagini che compongono il filmato sono documenti di repertorio della dittatura cilena e brasiliana, che si incrociano creando una sequenza di immagini potenti. LES TERRA'S DI NADIE" ("le terre di nessuno", 5 lingue in un'unica frase) è un non luogo dove imperano violenza e oppressione. In un periodo ben definito, ma anche atemporale, la rappresentazione visiva si fonde con la poesia del cileno Antonio Arevalo, ripercorrendo l'11 settembre 1973, giorno del colpo di stato in Cile, e il 31 marzo 1964, giorno del colpo di stato in Brasile. Immagini e brani lirici si susseguono, si accumulano, si accavallano. Più spesso si completano. La Storia si fa unica, un intero continente dialoga. Tutti gli uomini, di tutti tempi condividono la stessa esperienza. Un'opportunità per rivivere una delle pagine più oscure nella storia del nuovo mondo. https://vimeo.com/23829772
	Christian Cravo coglie tutta l'afro-brasilianità del Brasile nella serie Rome- Noir. Una miscela di corpi, credenze e costumi svelano la magia di Bahia: città di sorrisi e pigrizia, nell'incantesimo delle sue mille chiese, dei riti, delle melodie, dei miti, dei profumi. Cravo è stato premiato dal Museo di Arte Moderna di Bahia, dal Mother Jones International Found per Documentary photography e ha ottenuto una borsa di studio dalla Fondazione Vitae e dalla Fondazione John Simon Guggenheim per la sua ricerca sul Nordest brasiliano. Ha concorso al premio Paul Huff, Olanda 2007, fra i 100 fotografi più promettenti. È stato segnalato, unico sudamericano, per il Prix Pictet, Regno Unito 2008, la più importante rassegna fotografica sul tema della sostenibilità. Gli scatti raccontano di un Brasile che l'artista ha conosciuto nei suoi primi anni di vita, per poi assimilarlo in lontananza e solo in seguito riscoprirlo, questa volta con i mezzi e la forza di documentarlo. La macchina fotografica riporta in sfumature di grigio il mondo visto dai suoi occhi, quel mondo che lo ha accolto alla sua nascita e a cui è per sempre rimasto inesorabilmente legato. ROME NOIR è la collezione di fotografie scattate nella città natale dell'artista, Salvador de Bahia, che mostrano uno spaccato della quotidianità che lascia intravedere, nelle sue sfumature, abitudini che diventano rituali e riti che sono ormai abitudini, dove nascondere personali interpretazioni di realtà. Le immagini invitano l'osservatore a scovare la propria interpretazione, a svelare la magia che si cela dietro alla forma.
	Luiz Martins è un artista in forte connessione con la cultura primitiva brasiliana. Nelle sue opere è intrinseco il legame viscerale con segni e simboli tratti dalle forme più ancestrali di comunicazione ed espressione grafica. Forme rubate ai dipinti rupestri, simboli indigeni primordiali vengono rielaborati attraverso materiali carichi di energia. Lui stesso si definisce "archeologo urbano". Vaga tra le periferie alla ricerca di materiali carichi di storie che portano con sé un´energia vitale. Una sua opera è nella collezione del MAC di San Paolo, il più importante museo d'arte contemporanea del Sudamerica. Il suo colore distintivo è il rosso. Per questo nel 2016 è stato scelto da CAMPARI per una serie di installazioni dedicate all'evento CAMPARI RED EXPERIENCE, che si svolgerà anche nel 2017 nelle principali città brasiliane. Luiz Martins poterà in scena a Milano proprio una delle sue installazioni rosse parte del percorso sensoriale che ha realizzato per Campari Brasile. L'artista è un vero e proprio sperimentatore, che indaga la sua terra, dalla sua cultura primitiva fino ai giorni nostri e oltre, per scoprire i legami costanti e invariabili che da tempo immemore fanno parte dell'inconscio del suo Paese, in grado di trasmettere verità fondamentali e perenni. Il rosso è uno dei mezzi fondamentali per connettere cultura ancestrale e moderna, con un carico di energia, passione, luce e forza primordiale che vincono le barriere temporali e impregnano gli animi del popolo da secoli.
	Gli scatti di Monica Silva, brasiliana di nascita ed europea di adozione, sono lo sguardo di chi cerca nella terra d'origine le proprie radici. Oscilla tra ricchezza e degrado, colori e sfumature, suoni e silenzi, fede e superstizione. Il ritorno alla dimensione primordiale di profonda purezza e intimità con la natura sovverte la nostra percezione della vita. Nel 2016 espone "Lux Et Filum – Una Visione contemporanea di Caravaggio" al Mia Photo Fair di Milano. È stata la fotografa ufficiale di Eicma 2015/2016, realizzando inoltre la campagna per l'edizione 2016. La sua foto intitolata "Missing you" è stata finalista tra oltre 5.000 artisti di tutto il mondo al concorso on line Saatchi Art New York Scope. Organizza workshop e performance sulla psicologia del ritratto in Italia. Monica Silva vive ormai da molti anni a Milano, dove attualmente lavora per esposizioni e per riviste di tutto il mondo. In Europa ha riscritto il suo futuro, lasciando alle spalle una situazione familiare a São Paulo molto difficile, di cui non poteva più sentirsi partecipe. Nei suoi scatti è costante la ricerca psicologica che va ad indagare gli antri più nascosti del sé. Ispirandosi ai grandi del passato come Marcel Duchamp, Salvador Dalì, Caravaggio e Andy Warhol, le sue opere elaborano i soggetti che di volta in volta ritrae, lasciandone scaturire l'essenza nascosta, spesso con un sapiente tocco di ironia. Le fotografie del suo paese di origine espongono tutta la vivacità e i colori della sua terra, insieme ad un forte attaccamento per la tradizione e il culto. Campi da indagare, mai scontati, che fanno parte del suo sangue e dei suoi antenati della tribù indigena Tupi Guarani.

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Arte contemporanea all’Orto Botanico di Lucca. Inaugura M.A.N., la personale dello scultore Roberto Giansanti

Domenica 26 marzo alle ore 11, quando la natura con la primavera rinasce, sarà inaugurata 'M.A.N. Melodia Arte Natura', la mostra di sculture dell'artista romano Roberto Giansanti, che rappresenta un mirabile caso diarte pubblica e ambientale all'interno della città di Lucca e un esempio di valorizzazione sociale dell'arte.

Ad un anno dal terremoto che ha colpito il centro Italia (2016) l'artista ha deciso che parte del ricavato dalla vendita delle opere sarà devoluto in beneficenza a favore di quelle popolazioni. 

La mostra, a cura di Riccarda Bernacchi e Lucia Morelli, è organizzata dall'associazione culturale Venti d'Arte in collaborazione con l'Opera delle Mura. Patrocinata dalla Regione Toscana, dalla Provincia di Lucca e dal Comune di Lucca, è realizzata in collaborazione anche con Confindustria Toscana Nord. 

Il catalogo dell'esposizione, stampato in doppia lingua, sarà ufficialmente presentato mercoledì 22 marzo alle ore 12, a Palazzo del Pegaso, presso la sede del Consiglio della Regione Toscana, a Firenze, in via Cavour 4.

Sono cinque le grandi sculture monumentali, in legno, bronzo e ceramica raku, appositamente pensate, site specific, dislocate tra le aree verdi del giardino, che inneggiano alla grandezza della Natura. Altre sculture, più piccole, disegnano un percorso in relazione con il contesto che le ospita, per un totale di circa venti opere.  

La collocazione delle sculture delinea un itinerario artistico che si snoda dall'ingresso allo specchio d'acqua, partendo da 'Arpa', l'opera installata a settembre 2016, durante la manifestazione 'Murabilia', come preview della mostra. 

Il progetto interpreta l'arte come naturalmente inserita nel più bel museo del mondo: il giardino, le sue piante, gli alberi, il cielo. Della mostra e dell'opera di Giansanti, si è parlato durante la conferenza sul tema Arte e ambiente a Palazzo Bernardini, sede di Confindustria Toscana Nord, lo scorso 3 marzo, durante la quale è stato installato il gruppo scultoreo 'Infine Germogli un canto' che resterà, come pendant, nell'atrio fino al mese di agosto. 

Il colloquio fra natura e arte è sicuramente uno dei più ambiti degli ultimi anni e importanti esempi sono in Toscana nei parchi della Maremma, nella più vicina provincia di Pistoia nella fattoria di Celle, ma anche in Europa, Fondazione Bayern a Basilea destando interessi di collezionisti e appassionati di tutto il mondo.

La mostra rimarrà allestita fino al 20 agosto.

L'inaugurazione è a ingresso libero. Dal giorno successivo la mostra sarà visitabile con gli orari di apertura dell'Orto Botanico e fruibile con il biglietto d'ingresso dell'Orto.

BIO ARTISTA

Roberto Giansanti,  scultore e orafo romano di fama nazionale, vive e lavora in Versilia. La sua ricerca stilistica si dirige verso un connubio tra uomo, natura e musica, dove gli elementi si alternano ognuno a favore dell'altro. Alcune delle sue sculture si trovano nel Bosco di Gianni e al Museo di san Francesco a Greve in Chianti (Firenze), in un bosco d'arte dove la natura può ed è rispettata dall'uomo, dove la musica e i suoni, quelli della natura, non hanno confini. 

Vincitore dei "mecenati del Contemporaneo" 2014 e tra i migliori under35 alla residenza di Ripetta, Roma; Giansanti è segnalato per la sua poetica alla collettiva internazionale di arte contemporanea "In Contemporanea Porcari" 2015 e insignito di una speciale menzione a "In Contemporanea Porcari 2016".

Info: 

www.ventidarte.com - ventidarte@libero.it - +39 3337355237 - +39 3297478694

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