UDO NOGER "Light as a Material" 8 Giugno-Luglio 2010

Grossetti Arte Contemporanea

Presenta

UDO NOGER

"Light as a Material"

8 Giugno – Luglio 2010

E' con grande orgoglio che dopo diversi anni di osservazione e studio posso presentarvi la mostra personale dell'artista tedesco, ormai naturalizzato Hawaii, Udo Noger.

Per la prima volta in Itlaia l'artista, reduce da importanti mostre quali: Ruth Bachofner Gallery a Los Angeles, Lowe Gallery a Atlanta, Galeria Alvaro Alcazara a Madrid, Gebert Contemporary a Santa Fe, Gebert Gallery a Los Angeles.

L'artista ha preparato una selezione di lavori espressamete pensati per il mio spazio, come potrete vedere è un lavoro assolutamente sintonico con il mio sentire e quindi il mio programma; il suo fare pittura evoca nell'osservatore uno sconcerto sensibile; spazio e tempo si palesano nella luce che dipinta si fa materia.

La ricerca di Udo Noger a partire dal 1997, quindi intitolata "Luce come Materia" ( 'Light as a Material') incorpora materiali translucidi, che enfatizzano il costante interesse dell'artista per la luce e le sue manifestazioni; nell'arte di Nöger la luce sembra penetrare nel dipinto, illuminando forme trasparenti per poi ritornare nello spazio circostante dove ha origine.

La tecnica usata dall'artista assicura la traslucidità della vita interiore dei dipinti. Proprio questa caratteristica evita che la luce irrompa dall'esterno.

I dipinti appartenenti a questa serie sono il risultato della sintesi di esperienze sensoriali nella vita di Udo Nöger. Penetrando nel mondo con un "occhio armato", l'artista è giunto ad una riduzione dei propri elementi, rari i precedenti importanti nell'arte contemporanea.

Per l'artista, l'esistenza non sta nel labirinto sconnesso traboccante di forme, ma nella concentrazione degli elementi essenziali. E' evidente che la sua decisione di creare oggetti-pittura e non soltanto dipinti si inserisce in questo contesto.

Nel caso di Nöger, trasformazione di un'entità astratta in termini sensoriali suona assolutamente tedesca in un significato sia filosofico sia formale; la sua arte ruota intorno al paradosso che qualcosa di così incorporeo come la luce possa essere rappresentato materialmente, in modo che noi possiamo concepirlo come qualcosa cui letteralmente abbrancarsi.

Informo inoltre che l'artista ha già fissato un programma di mostre future in spazi pubblici e privati internazionali quali: Alvaro Alcazar Gallery in Madrid, Diana Lowenstein Fine Arts in Miami, Karl Ernst Osthaus-Museum "Retrospective Works from 1980-2011", Museum of Contemporary Art Honolulu, HI , Museum Sonderjylland, Denmark.

Ancora una volta "guardare per credere"

Bruno Grossetti

Grossetti Arte Contemporanea
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Annamaria Gelmi - INARCHITETTURA - Castello di Rivara (To)

INARCHITETTURA

Annamaria Gelmi

a cura di Franz Paludetto

catalogo a cura di Giorgio Verzotti

12 giugno – 25 luglio 2010

Castello di Rivara - Centro d'Arte Contemporanea

Rivara (TO) - P.zza Silvano, 2

INAUGURAZIONE 12 GIUGNO ORE 18.00

Comunicato stampa

INARCHITETTURA è la personale di Annamaria Gelmi che sarà inaugurata al Castello di Rivara - Centro d'Arte Contemporanea - il prossimo 12 giugno 2010. La curatela della mostra è di Franz Paludetto - direttore artistico del centro - mentre il catalogo è a cura di Giorgio Verzotti.

Ancora una volta questa artista di inesauribile vena creativa è capace di mettersi in gioco in un nuovo progetto espositivo, dimostrando che è sempre possibile per chi fa questo mestiere con solida professionalità evolvere, cambiare, innovare se stessi.

La capacità di reinventarsi non prescinde tuttavia da un solido legame con la propria storia personale, come il titolo stesso suggerisce. L'architettura è infatti la disciplina che più di ogni altra ha ispirato Annamaria Gelmi nel suo brillante percorso. Il suo lavoro pur, rigidamente geometrico, astratto- concettuale è allo stesso tempo fragile nella poetica, allusivo, capace di svelare un "oltre" denso di significato e sfumature, profondamente femminile.

La varietà dei mezzi espressivi, delle soluzioni formali e dei temi proposti in questo ambizioso progetto sottolineano la ricchezza creativa di Annamaria Gelmi, le sue complesse sfumature e le molteplici correnti intellettuali e artistiche a cui si ispira. Il tutto contribuisce a delineare il suo modo di vivere la dimensione d'artista, suggerendo l'idea dell'arte come spazio concettuale di libera espressione.

L'esposizione si pone obiettivi ambiziosi sia per la varietà degli allestimenti sia per la quantità delle opere - cinque sculture di grandi dimensioni, ventuno disegni, quattro sequenze fotografiche, un video e un' installazione.

INARCHITETTURA è un percorso, una sorta di dialogo con le molte forme che l'arte può assumere per Annamaria Gelmi, a cominciare dalle sculture di grandi dimensioni allestite nel parco. Tra queste figurano, solo per citarne alcune: High Mountains, alti steli su cui svettano i profili delle amate montagne trentine; Oltre la porta, in cui la solidità e la dimensione della struttura in ferro contrastano con la leggerezza di pure linee geometriche alternate a spazi aperti.

All'interno del Castello si aprono invece tre sale, di cui le due più piccole dedicate al tema della montagna SKILINE. Si tratta di uno dei leit motiv della poetica di Annamaria Gelmi, la quale, nata a Trento, in mezzo alle montagne, ha nello sguardo i panorami profilati delle Alpi. Le opere allestite in questi spazi consistono in una serie di installazioni modulari in rilievo appese a muro, tra le cui sfasature si ricompone la sagoma delle montagne. La peculiarità di questi lavori è l'inversione paradossale dei pieni e dei vuoti: il cielo ha consistenza materica, solidità, mentre la montagna è linea geometrica leggera, quasi priva di peso.

Questo gioco di contrasti prosegue anche nella sala principale che accoglie due grandi opere site-specific. Una parete è interamente occupata da Architettura, installazione scultorea appositamente realizzata per questa mostra e composta da una serie di forme geometriche in rilievo che si inseguono in un gioco di rimandi speculari. Al centro della stanza è posizionata invece Serra, una grande gabbia metallica, alla cui base è posto uno specchio, mentre le restanti pareti sono occupate da disegni e fotografie esposte in anteprima assoluta.

In particolare la serie di disegni, rigorosamente in bianco e nero, rappresenta una sorta di alfabeto, di linguaggio creativo costituito da figure geometriche progressivamente più complesse fino alla sagoma del fiore - elemento di espressione proprio di Annamaria Gelmi. Gli scatti fotografici invece sono stati realizzati dall'artista durante un WORK SHOP in Bangladesh e immortalano parti corporee slegate dall'identità dell'uomo o della donna ritratti e ricomposte arbitrariamente dall'artista in serie sequenziale.

La scelta del Castello di Rivara ha imposto inoltre all'artista di confrontarsi per la terza volta - dopo Castel Pergine e Castel di San Pietro in Cerro - con la difficile ambientazione in un imponente edificio storico, già di per sé molto caratterizzato.

Annamaria Gelmi studia a Trento all'Istituto d'Arte, a Milano all'Accademia di Brera con Cantatore e all'Accademia di Venezia con Saetti.

Espone dal 1970, creando in un primo momento opere in materiali plastici e metacrilato e installazioni che giocano sulle trasparenze; dal 1978, dopo un soggiorno dai maestri vetrai di Murano, realizza opere anche con il vetro. Dai primi anni '80 si allontana dal lavoro minimalista, essenzialmente bianco e nero per usare il colore, soffermandosi su memorie della storia, frammenti di architetture. Negli anni '90 le architetture diventano solo un segno, un richiamo simbolico; il colore è più forte e fa pensare lo spazio come condizione mentale di una visione diversa. Nel 1994 riprende ad esprimersi attraverso sculture – installazioni, usando: ferro, acciaio, pietra, bronzo.

Partecipa alla XLVI Biennale di Venezia con il libro "SKYLINE".

Dal 2000 le sue grandi opere in tela e le installazioni in ferro sono presentate dal Kaiserliche Hofburg di Innsbruck al MART di Trento-Rovereto, dalla Galleria Lattuada di Milano alla Rocca Paolina di Perugia, dal Museion di Bolzano all'Istituto Italiano di Cultura di Vienna. Tiene poi una personale al Castello di Pergine (TN). Nel 2007 è presente alla LII Biennale di Venezia nella mostra "Camera 312", poi alla Biennale di Scultura di Gubbio.

Nel 2010 partecipa alla Biennale Internazionale di Racconigi (TO). Sue opere si trovano in numerose collezioni pubbliche e private.

Il Castello di Rivara – Centro d'Arte Contemporanea, sede storica del Cenacolo di pittori della Scuola di Rivara, situato a 30 chilometri da Torino nelle valli del Canavese, è un complesso composto da tre edifici indipendenti: il Castello Medievale, la Villa Neobarocca e le Scuderie, immersi in un parco di oltre 45.000 mq.

Ha a disposizione numerosi atéliers e camere dove abitualmente sono ospitati artisti italiani e stranieri ed uno spazio espositivo multifunzionale di 2.530 mq.

Ha a disposizione uno spazio espositivo multifunzionale di 2.530 mq, un Centro di Documentazione con oltre 10.000 volumi consultabili dagli studiosi e numerosi atéliers e camere dove abitualmente sono ospitati artisti italiani e stranieri.

La direzione artistica è affidata dal 1985 a Franz Paludetto.

Progetto realizzato in collaborazione con

Con il patrocinio di

Regione Trentino Alto Adige

Provincia Autonoma di Trento

Catalogo

a cura di Giorgio Verzotti

con testi di Giorgio Verzotti

Alcione Editore

UFFICIO STAMPA:

CULTURALIA, Tel. 051 6569105 fax 051 29 14955,

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Dal sito www.culturaliart.com è possibile scaricare la cartella stampa completa e le istruzioni di utilizzo e riproduzione delle immagini

Ortofabbrica- contest di creatività sostenibile - Angelo Grassi - Fabbrica (FC)

ORTOFABBRICA - CONTEST DI CREATIVITA' SOSTENIBILE

ideato da Angelo Grassi
in collaborazione con
Romagna Creative District e CNA Forlì – Cesena

1-2-3 Ottobre 2010, Fabbrica
Gambettola (FC), viale Carducci 119

Angelo Grassi, in collaborazione con Romagna Creative District, presenta per il prossimo ottobre Ortofabbrica – primo contest di creatività sostenibile. Design, arte, architettura e ricerca accomunati da una stessa idea di stile e recupero si incontreranno e faranno mostra di sé in un unico contenitore, Fabbrica a Gambettola (FC).

Un apposito bando darà la possibilità a tutti coloro che operano nei diversi settori creativi di presentare a Ortofabbrica progetti e oggetti connotati da una forte commistione tra ecologia, design e ricerca, accomunati dalla volontà di recuperare valori, tradizioni e metodi produttivi rispettosi dell'ambiente che rendono la vita piacevole, piena e di qualità. Oltre a racchiudere tutte le eccellenze creative e sostenibili, la rassegna sarà l'occasione per premiare chi fa di questo intreccio la base per idee e realizzazioni innovative e funzionali.

La prima edizione del contest Ortofabbrica si svolgerà, in concomitanza con gli eventi del Romagna Creative District, dal 1 al 3 ottobre 2010 a Fabbrica, ex cementificio di Gambettola (FC) trasformato da Grassi nel proprio laboratorio di idee, simbolo stesso del generare nuova vita da materiali inutilizzati. Il bando per partecipare al contest è disponibile sul sito www.romagnacreativedistrict.com e rimarrà aperto fino al 25 luglio 2010.

In relazione alle domande pervenute, una giuria di esperti composta da architetti, designer, critici d'arte e giornalisti di settore sceglierà, per la finale del contest Ortofabbrica 150 oggetti/progetti rispondenti ai criteri etici di innovazione, bellezza, eco-sostenibilità e funzionalità.

Inoltre, tra i 150 oggetti/progetti presenti dal 1 al 3 ottobre a Fabbrica, la giuria conferirà un premio in denaro del valore di € 3.000,00 come riconoscimento all'ideatore dell'oggetto/progetto più rappresentativo della filosofia della rassegna.

Ortofabbrica nasce nel 2009 con Angelo Grassi in occasione di Zona Tortona Design, durante il Salone del Mobile di Milano. L'idea di riunire in un unico "orto" diversi linguaggi creativi indirizzati verso eco-compatibilità e rigenerazione dei materiali riscuote un grandissimo successo non solo tra visitatori appassionati, ma anche tra addetti ai lavori, nazionali ed internazionali, attenti alle tematiche del rispetto ambientale e della tradizione artigiana. Ciò spinge Angelo Grassi a trasformare Ortofabbrica in un vero e proprio brand, operazione che si concretizza con la nascita del primo contest di creatività sostenibile. Ortofabbrica diventa pertanto un'occasione per dare spazio e visibilità a tutte le forme creative ed artistiche, dall'architettura al design ed altro ancora, che perseguono i valori dell'eco-sostenibilità e del recupero di dimenticati metodi produttivi.

Romagna Creative District nasce nel gennaio 2009 come progetto di sviluppo territoriale, un social business network della creatività che metta in rete PMI, Istituzioni Pubbliche e private, per promuovere il territorio e la sua dotazione culturale e artistica. Vuole essere un attivatore sociale, culturale, politico ed economico, attraverso l'innovazione e la creatività sul sistema imprenditoriale e, soprattutto, sui giovani.

Ideato e realizzato grazie alla collaborazione di due aziende (matitegiovanotte.forlì e Soluzioni di Simone Medri) con l'Associazione CNA di Forlì-Cesena e Ravenna è entrato come progetto all'interno degli eventi nazionali nell'Anno Europeo della Creatività e dell'Innovazione.

INFO:

Angelo Grassi & C. s.n.c.

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FELIX POLICASTRO: Mostra NOTEXT

---------- Messaggio inoltrato ----------
Da: marco petroni <petronimarco@gmail.com>
Date: 01 giugno 2010 17.55
Oggetto: comunicato stampa felix policastro fondazione plart
A: marco petroni <petroni.press@gmail.com>

COMUNICATO STAMPA

 

 

Fondazione Plart presenta:

 

NOTEXT – FELIX POLICASTRO

 

a cura di Marco Petroni

 

testo in catalogo di Angela Tecce

 

inaugurazione mercoledì 9 giugno '10 h. 18,30

 

 

 

Dal 9 giugno al 20 luglio '10, la Fondazione Plart presenta Notext, mostra personale di Felix Policastro. Artista di origini venezuelane, Policastro presenta in esclusiva per la Fondazione una serie composita di nuovi lavori: 50 dipinti formato 30X30, un'istallazione, un video e una scultura.

L'artista attraverso un processo di reinterpretazione visiva e formale elabora una sequenza di figure che assumono una valenza di ascendenza quasi arcaica e primaria definendo una sorta di personale alfabeto fluido e ricco di rimandi, non solo pittorici. Caratterizzate da una flessibilità compositiva, le sue figure si muovono nello spazio creando un precario equilibrio percettivo che lascia emergere un mondo sospeso tra desiderio e sogno. Un inequivocabile segno di autenticità frutto di un processo di sperimentazione particolarmente evidente nella video/grafica presente in mostra dove si comprende la volontà di andare oltre l'unitarietà della visione per aprire uno sguardo molteplice con una tensione forte verso diversi spazi e diverse storie in rapporto di associazione. Nasce così un'arte della memoria.

 

 

Felix Policastro, nato il 14 settembre 1961 sulla riva sud dell'Orinoco a Ciudad Bolivar in Venezuela, dove ha vissuto fino all'età di 11 anni. Negli anni settanta i genitori, con incertezze e non poche difficoltà di ambientazione si trasferiscono in Italia. Inizia così per Felix una vera e propria enfatizzazione intellettuale di ricordi, sensazioni e profumi vissuti in quegli anni. Trascorre un decennio assolvendo ai doveri scolastici e soddisfacendo, nei ritagli di tempo, la passione per la Pittura. In quegli anni, rivolge l'interesse soprattutto  alle tecniche pittoriche, azzardando nei primi anni ottanta una propria espressione artistica, con il solo uso di colori e forme. Non realizza molte tele in quel periodo, ma le mostra ad amici e critici che dividono con lui le stesse passioni. S'interessa da subito ai sistemi di comunicazione visiva, coltivando esperienze in diverse discipline, sperimentando tecniche innovative su materiali e supporti naturali. Realizza diversi loghi e sigle, per aziende e privati. Progetta e realizza ambientazioni d'arte, traslando la sua ricerca artistica nella funzionalità. La sua sperimentazione mira a cogliere un "progetto divino", cercando di instaurare un colloquio tra l'uomo e la natura. La produzione degli ultimi 16 anni ha assunto nel tempo le caratteristiche di un vero e proprio alfabeto/grammaticale visivo, che egli elabora personalmente. Opere in progress, che oggi, lo portano a fare un'analisi consuntiva del percorso fatto, ed avviarsi verso nuove combinazioni e contaminazioni. 

 

 

Sue opere sono esposte:

Museo Osservatorio Astronomico di Capodimonte, Napoli; Museo dell'informazione centro documentazione d'arte contemporanea, Senigallia; Palazzo Comunale di Ostra; Biblioteca comunale di Lusciano, Caserta; Palazzo Comunale di Marigliano; Museo sperimentale d'arte contemporanea, l'Aquila; Museo d'arte contemporanea materiali minimi, Paestum; Museo d'arte contemporanea, Morcone; Museo d'arte contemporanea, Sermoneta; Artefuori, museo all'aperto d'arte contemporanea, Saviano; Palazzo del Governo, Caserta; Il laboratorio, vico freddo a Rua Catalana, Napoli; Museo della camicia, Savignano sul Rubicone; Palazzo Vargas, libro d'artista, edizioni Il Laboratorio di Nola, Vatolla, Salerno; MIA (Museo Ippodromo di Agnano), Napoli; Fondazione Plart, Napoli

 

 

 

Dal 10 giugno al 20 luglio '10

 

Fondazione Plart – via Martucci, 48 – Napoli

 

T. +39 08119565703

F. +39 08119565726

W. www.plart.it

E. info@plart.it

 

Aperto dal martedì al sabato

h. 10/13 – 15/19

sab. 10/13

 

Comunicazione:

Marco Petroni

petronimarco@gmail.com

 

 

Nicola Bertuzzi: Mostra "La Via crucis ritrovata"

Nicola Bertuzzi e la Via crucis ritrovata

a cura di Pietro Di Natale

Museo della Sanità e dell'Assistenza

Oratorio di Santa Maria della Vita

Bologna, via Clavature 8

Telefono: 0039 0516569777

21 maggio 2010 – 30 giugno 2010

da martedì a domenica

10.00-12.00 15.00-19.00

La Via crucis ritrovata

Dei preziosi "Quadretti della Via Crucis" di Nicola Bertuzzi si erano perse le tracce dal 1792, anno in cui furono registrati per l'ultima volta al terzo altare della Chiesa dell'Ospedale di San Biagio a Bologna, dove si trovavano da almeno dieci anni.

Collocato su via Santo Stefano all'angolo con vicolo Pusterla, l'Ospedale di San Biagio, detto anche di Santa Maria del Servi (dal nome della Confraternita che vi aveva sede) era assieme a quello di San Francesco il più importante ricovero per pellegrini della città. La Confraternita venne soppressa il 28 luglio 1798 e la chiesa definitivamente chiusa il 16 agosto 1808. Nel frattempo, l'Ospedale della Vita era stato unito a quello della Morte costituendo nel 1801 il Grande Ospedale della Vita e della Morte (nucleo originario dell'Ospedale Maggiore), cui furono annessi da subito gli ospedali della Santissima Trinità, di San Francesco e di San Biagio.

Nel 1933 Arfelli schedò la nostra Via crucis tra le opere custodite nel Santuario di Santa Maria della Vita e la riferì significativamente alla "maniera di Gaetano Gandolfi" sottolineandone "i ricchi sfondi, le figure ampie e i colori delicati e sfumati". Con ogni probabilità, nel periodo compreso tra la soppressione del complesso di San Biagio e questa data la splendida serie dipinta da Nicola Bertuzzi fu custodita, assieme ai beni provenienti dalle chiese degli ospedali, presso l'Ospedale Maggiore, fondato nel 1814 in via Riva Reno nell'edificio che dal 1725 aveva ospitato il nuovo Ospedale della Vita.

La mostra

In questa prima retrospettiva sul pittore anconetano s'intende rappresentare la sua poliedrica attività affiancando all'inedita Via crucis ritrovata una serie di opere significative all'interno suo fortunato percorso artistico. La selezione dei dipinti in mostra (importanti quadri "da stanza", opere di tema sacro, vivaci bozzetti e dipinti nei quali in Bertuzzi interviene in veste da figurista) esemplifica al meglio l'eterogenea produzione pittorica dell'Anconitano, del quale si propone nel volume sia la ricostruzione della vicenda biografica, sino ad oggi sconosciuta, sia l'esame critico dell'ampio catalogo, arricchito dalla Via crucis ritrovata e da altre significative prove, ampiamente riprodotte all'interno del testo.

Nicola Bertuzzi detto l'Anconitano (Ancona, 1715 circa – Bologna, 1777)

Figlio di Giovanni Battista, Nicola Tommaso Bertucci, volgarizzato Bertuzzi dai bolognesi, nasce ad Ancona verso la metà del secondo decennio del Settecento. Dal novembre del 1732 frequenta a Bologna i corsi in Accademia Clementina, vincendo i premi nelle classi di Figura nel 1734 e nel 1735. Dal 1742 è domiciliato assieme alla famiglia della sorella Anna Maria in Borgo delle Tovaglie. Nella prima metà degli anni Quaranta, sotto l'ala protettrice del suo maestro Vittorio Bigari, campione del rococò locale, il giovane Bertuzzi si fa conoscere in città partecipando agli apparati dei "Sacri sepolcri" allestiti per la Settimana Santa (1742-1743) e alle decorazioni nell'ex Collegio di Santa Lucia (1743) e nella Chiesa di San Mattia (1744).

Tra il 1746 ed il 1750 l'Anconitano si allontana da Bologna per raggiungere verosimilmente Venezia, dove, come rivelano le sue scelte stilistiche successive, rimane intimamente segnato dallo studio della pittura locale. Nei decenni successivi, dopo la nomina di Accademico (1751), si concretizza la sua escalation all'interno dell'istituzione bolognese dove ricopre le prestigiose cariche di Viceprincipe (1765, 1775) e di Principe, subentrando nel 1774 proprio a Bigari. Durante la sua intensa carriera licenzia molte opere destinate alle chiese e ai palazzi di Bologna e provincia (Medicina, Crevalcore, Bagnarola di Budrio), pur mantenendo vivi i rapporti con le Marche e Ancona, dove conserva parenti e committenti e fa recapitare svariati dipinti.

Il suo nutrito catalogo comprende decorazioni murali, pale d'altare, quadri "da stanza" di soggetto biblico, storico e letterario, composizioni autonome di piccolo formato, tra cui battaglie e straordinari bozzetti, nei quali esprime al meglio la sua conclamata foga pittorica, esibita attraverso scattanti colpi di pennello carichi di bella materia. Rimarchevole è inoltre la sua attività di figurista accanto ai maggiori pittori di paesaggio e di capricci architettonici. Tra i migliori e più fecondi interpreti della vivace parabola del barocchetto bolognese, l'Anconitano partecipa costantemente alle vicende dell'Accademia Clementina sino al 2 gennaio 1777, quando muore improvvisamente in casa Rossi Marsigli in Strada Maggiore, dove si era trasferito quindici anni prima.

Specifiche tecniche della mostra:

Nicola Bertuzzi e la Via crucis ritrovata

a cura di Pietro Di Natale

Museo della Sanità e dell'Assistenza

Oratorio di Santa Maria della Vita

Bologna, via Clavature 8

21 maggio 2010 – 30 giugno 2010

da martedì a domenica

10.00-12.00 15.00-19.00

Il volume e la mostra sono un progetto del Museo della Sanità e dell'Assistenza – Complesso monumentale di Santa Maria della Vita.

Il volume e il restauro della Via crucis rientrano nei progetti culturali voluti e finanziati dalla Fondazione Carisbo a seguito della Convenzione tra la Fondazione stessa, l'Azienda USL di Bologna e la Curia Arcivescovile.

Fondazione Carisbo – Museo della Città di Bologna s.r.l

Coordinamento: Angela Nardi, Benedetta Dolcini

Ufficio stampa: Annalisa Bellocchi

Il progetto rientra nelle manifestazioni celebrative dei 750 anni di vita dell'Ospedale Maggiore promosse dall'Azienda USL di Bologna.

La ricerca storica, la catalogazione e la realizzazione del volume rientrano nelle attività previste dal "Progetto di valorizzazione dei beni culturali delle Aziende Sanitarie Regionali" delibera regionale n.889 del 01/06/2008

Il restauro della Via crucis di Nicola Bertuzzi è stato realizzato dal Laboratorio di Restauro Silvia Baroni, in collaborazione con Sara Cuppini ed Elena Regazzi.

Si ringraziano i prestatori privati, le istituzioni e i musei per le opere d'arte gentilmente concesse e la Sovrintendenza per i Beni Storici Artistici ed Etnoantropologici per le province di Bologna, Ferrara, Ravenna, Forlì-Cesena per la preziosa collaborazione (Direttore dei lavori: Gian Piero Cammarota)

Catalogo

P. Di Natale, Nicola Bertuzzi e la Via crucis ritrovata, BUP, Bologna 2010

Trasporti

Borghi Fine Arts – Bologna

Assicurazioni

Axa Art

Enti prestatori

Bologna, Fondazione Cassa di Risparmio

Bologna, Ritiro di San Pellegrino

San Giovanni in Persiceto, Museo d'Arte Sacra

Bologna, Fondantico di Tiziana Sassòli

col sostegno di

Fondantico di Tiziana Sassòli

Polfil

Esposizione -Da Degas a Picasso- Etroubles (AO) dal 19 giugno

Etroubles, 26 maggio 2010
Sarà inaugurata sabato 19 giugno 2010 l'esposizione "Da Degas a Picasso", resa possibile
ancora una volta dalla generosità di Léonard Gianadda, cittadino onorario di Etroubles dal
2005.
In mostra una quarantina di sculture dei maggiori esponenti dell'arte moderna, ospitate
nel parco della Fondation Gianadda di Martigny: Artigas, César, Chagall, Christo, Chillida,
Camille Claudel, Daumier, Degas, Dubuffet, Erni, Favre, Diego ed Alberto Giacometti,
Graetz, Lobo, Maillol, Penalbia, Poncet, Raboud, Rodin e Szafran.
L'esposizione vede all'opera la collaudata squadra coordinata dal Sindaco Massimo
Tamone: la cura è affdata ad Alessandro Parrella, le fotografe a Bruno Domaine, l'uffcio
stampa e la comunicazione web a Paola Ugliano, gli allestimenti agli architetti Paola
Ciaschetti e Sabrina Tonino.
Grazie al completamento dei lavori in piazza Deffeyes il borgo acquisirà nuova luce, oltre
a quella offerta dalle opere del Museo all'aperto che, con i suoi ventimila visitatori
all'anno, ha superato quota centomila in questo primo lustro di vita.
A partire dalla sua inaugurazione, il Comune di Etroubles ha conseguito ragguardevoli
riconoscimenti: l' assegnazione della bandiera verde della Carovana delle Alpi di
Legambiente nel 2006, l'inclusione tra i Borghi più Belli d'Italia nel novembre 2009,
l'attribuzione della bandiera arancione del Touring Club Italiano, il gemellaggio con il
Comune di Rimini nel 2010.
Il tutto grazie alle scelte di rilancio economico all'insegna del rispetto del territorio, nel
segno di una promozione turistica rispettosa delle tradizioni storiche e dell'innovazione
culturale mediante manifestazioni artistiche di respiro internazionale che annoverano
questo piccolo, ma attivo centro del Gran San Bernardo, lungo lo storico cammino della
Via Francigena, tra i più vivaci nel panorama culturale europeo.
Una nuova occasione per venire a scoprire la bellezza di questo borgo alpino, l'ospitalità
delle sue genti, i colori e i profumi della natura e dell'arte e la varietà di sapori di una
gastronomia ricca e genuina.

Paola Ugliano per il Comune di Etroubles

www.comune.etroubles.ao.it
www.parrellarte.com
www.borghitalia.it/html/borgo_it.php?codice_borgo=668
www.bandierearancioni.it/bandiere_arancioni/comuni_scheda.asp?IdComune=187&nomecomune=Etroubles&provincia=AO

Foto-Graf-Arti “APPARENTI DIFFERENZE – DIFFERENTI APPARENZE”

29 Maggio 2010, ore 16.00/20.00 - Corte della Palombaia, Via G. Falcone 5, Raiano (AQ)
- evento patrocinato dalla Provincia de L'Aquila, Comuni di Raiano (AQ) e Popoli (PE) -

Il 29 maggio 2010 presso il Centro per l'Essere Bene a Raiano (AQ) si terrà lo Spettacolo-Mostra "Foto-Graf-Arti APPARENTI DIFFERENZE – DIFFERENTI APPARENZE". La mostra di fotografia, poesia, pittura, installazioni, video-creazioni, opere concettuali e performance artistiche, è la risultante dell'unione di forti individualità artistiche contemporanee, nel gruppo Officina 77, che hanno fuso le loro arti per creare un percorso tematico dal forte impatto emozionale. All'interno di "Apparenti Differenze – Differenti Apparenze" maestri della fotografia, artisti clandestini eco-compatibili, poeti dal linguaggio rivoluzionario, elaboratori visionari, professionisti del gesto, si dilettano a interpretare il tema dell'evoluzione dell'immagine sociale dell'uomo e della donna nel corso dei tempi. Questo spettacolo d'Arte contemporanea è un momento energetico - positivo e pulito, fatto di opere e artisti a tratti tradizionali e sognanti e a tratti astratti e sperimentali. Scopo della Mostra è dare una visione nel contempo individuale e corale del tema trattato, per superare la bidimensionalità dell'immagine e della parola ed entrare in una dimensione a tutto tondo che ne arricchisca il contenuto. Gli artisti che parteciperanno alla mostra sono: Daniela Scancella, fotografia, Cesiro Rossi, poesia, Arianna Fonte, pittura e installazioni, Jacopo Fonte, pittura, Emanuel Zorg, fotografia, Chiara Recchia, installazioni, Giada Gagliardi, montaggi video e installazioni, Daniele Vergni, montaggi video e fotografici, Francesco Petrilli, pittura, Miriam Capone, fotografia.
All'interno della mostra sarà allestito inoltre l'angolo "chiocciola-dibattito" "Da Bisbetiche Domate e Quaquaraquà al Sole e la Luna", sul tema del "maschile e femminile", con Marcello Luca Marasco e Roisita Zafenza (Counselor Relazionali).

Teresa Monnazzi - Foto-Graf-Arti Ufficio Stampa